Un dúo con una formación poco habitual. Clarinete y Violín, compuesto por G.F.Fuchs,músico alemán nacido en 1752, cuatro años antes que Mozart.
Otro compositor que descubrió el clarinete y escribió para el mismo, destacando de todas sus composiciones, todas las escritas para nuestro instrumento que en total fueron tres aparte del dúo que hoy podéis escuchar. Podéis leerlo en su breve biografía que acompaña al vídeo.
Lamento no poder deciros quienes son los intérpretes pero en compensación sí que os dejo las partes del clarinete y violín por si queréis descargarlas ,clicando en los siguientes enlaces,.AQUIy AQUI Muchas gracias por visitar el blog y feliz día.
Estudió con Cannobich y con Haydn, y a partir de 1784 se instaló en París,
donde se dedicó a la música para bandas militares, haciendo también de
intérprete y profesor. Más adelante trabajó como arreglador para
publicaciones.
Me admira lo bien organizados que están las bandas de música de las FFAA de EEUU. Se oposita para especialidades.Orquesta, banda de conciertos, música de cámara, orquesta de baile,etc. Cada cual a lo suyo.Qué distinto de las bandas de música militares de España que tienen que desfilar y después acto seguido dar un concierto, o lo que se surga. Supongo que es cuestión de dinero, no lo sé. Estos músicos militares además tienen una graduación militar de Suboficiales, pero parece ser que por la especialidad cobran bastante dinero. La verdad que tienen mucha calidad cómo podréis observar en el vídeo,tocando el nada fácil quinteto de Mozart K. 411.
Gran calidad la de Kilian Herold. No hay día que no me sorprenda de la cantidad de grandísimos clarinetistas, que existen en la actualidad. Y no sólo la calidad que atesoran, sino el repertorio al que se enfrentan, afortunadamente porque existe. Pocos compositores han dejado de escribir para nuestro instrumento.Y lo hacen porque encuentran en el clarinete, un instrumento que se adapta a todos los estilos y además "empasta" perfectamente con la mayoria del resto de instrumentos, y hasta con la voz cómo es el caso.
Kilian Herold.
Después de estudiar en Berlín, Chicago y Hannover, Kilian Herold ganó la audición para director Clarinete de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen en 2004, a la joven edad de 23 años.
Desde entonces, su excelente interpretación ha aparecido en muchas grabaciones de CD y DVD realizadas por la famosa orquesta de cámara (por ejemplo, los ciclos sinfónicos de Beethoven y Schumann con Paavo Järvi), y también en sus presentaciones en vivo en Alemania y en el extranjero.
Kilian Herold tuvo éxito temprano en una serie de competencias y fue seleccionado para becas por la Fundación Cusanus y el Consejo de Música Alemana (Deutscher Musikrat).
Ha actuado como clarinetista solista con una serie de reconocidas orquestas como la Filarmónica de Berlín, la Staatskapelle de Dresde, la Orquesta Filarmónica de Dresde y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart, en colaboración con directores como Paavo Järvi, Daniel Harding, Christoph Eschenbach, Herbert Blomstedt y Valerie Gergiev. . Su apasionada música de cámara y actuaciones en solitario han entusiasmado al público del festival en el Rheingau Music Festival, Schleswig-Holstein y el Festival Internacional Brahms de Baden-Baden, junto con otros recitales en toda Europa, en América del Sur, India y Japón.
En abril de 2010, Kilian Herold actuó en el concierto de apertura del International Schumannfest en Düsseldorf junto con Thomas Hampson tocando el concierto de clarinete de Weber acompañado por la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen.
En 2011 se convirtió en el nuevo clarinete principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Friburgo / Baden-Baden.
En otoño de 2012, Avi-Music lanzó su nuevo CD con obras de Brahms y Comtemporaries grabadas con el pianista Amir Katz.
Fuente; página web Kilian Herold
Mátyás György Seiber , 4 de mayo de 1905 - 24 de septiembre de 1960) fue un compositor de origen húngaro que vivió y trabajó en el Reino Unido desde 1935 en adelante. Su obra relacionó muchas influencias musicales diversas, desde la tradición húngara de Bartók y Kodály , hasta Schoenberg y la música en serie , el jazz, la canción popular, el cine y la música más ligera.(wikipedia)
Mijaíl Ivánovich Glinka (en ruso: Михаил Иванович Глинка; Novospásskoie, provincia de Smolensk, 1 de junio de 1804-Berlín, 15 de febrero de 1857) fue un compositor ruso, considerado el padre del nacionalismo musical ruso.
Biografía
Durante sus viajes visitó España, donde conoció y admiró la música popular española, de la cual utilizó el estilo de la jota en su obra La jota aragonesa. Recuerdos de Castilla, basado en su prolífica estancia en Fresdelval, «Recuerdo de una noche de verano en Madrid», sobre la base de la obertura La noche en Madrid, son parte de su música orquestal. El método utilizado por Glinka para arreglar la forma y orquestación son influencia del folclore español. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas españolas”.
Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se lo considera el 'padre' de la música rusa.
Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país.
Sus obras más conocidas son las óperas Una vida por el Zar (1836), la primera ópera nacionalista rusa, y Ruslán y Liudmila (1842), cuyo libreto fue escrito por Aleksandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto. En Una vida por el Zar alternan arias de tipo italiano con melodías populares rusas No obstante, la alta sociedad occidentalizada no admitió fácilmente esa intrusión de "lo vulgar" en un género tradicional como la ópera.
Sus obras orquestales son menos conocidas.
Inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco": Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov, Aleksandr Borodín, Cesar Cui, Mili Balákirev) para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo, más tarde, fundaría la Escuela Nacionalista Rusa. Es innegable la influencia de Glinka en otros compositores como Vasili Kalínnikov, Mijaíl Ippolítov-Ivánov, y aún en Piotr Chaikovski.
DE M.Glinka podéis escuchar el Trio Pathetique para clarinete, piano y violonchelo, interpretado en el Festival "International Conservatory Week" Saint-Petersburg, Russia 2009
Una grata sorpresa ha sido encontrar este fantástico cuarteto de clarinetes.Después de escucharles en varios vídeos que tienen en Youtube, he llegado a la conclusión de que con Vienna Clarinet Connection, son los dos mejores cuartetos de clarinetes de todos los que he escuchado.
Estilos diferentes , quizá por aquello de las "escuelas",pero según mi criterio están a una gran altura los dos, que por cierto en el caso del Quatuor Anches Hantées,se dedican exclusivamente como intérpretes, a realizar audiciones en las salas más dispares, viviendo exclusivamente de las mencionadas audiciones.
Quatuor Anches Hantées
Danse espagnole n° 2 - Danza española nº2 - Spanish dance n°2 - La Vida Breve - Manuel De Falla
Candide Overture by Leonard Bernstein- Quatuor de Clarinettes Anches Hantées
Quatuor de Clarinettes Anches Hantées
Compuesto por Élise Marre ( primer premio de la Haute Ecole de musique de Ginebra en 2006), Nicolas Châtelain (primer premio CNSMDP en 2007), Romain Millaud (primer premio CNSMDP en 2010) y Bertrand Hainaut en 2007), este cuarteto de clarinetes participa en numerosos festivales y actuaciones en varias salas, incluida la Casa de Radio Francia, como parte del espectáculo Génération jeunes interprètes de Gaëlle le Gallic transmitido por France Musique .
"Para apreciar a estos artistas a su verdadero valor, no hay necesidad
de cantar alabanzas: una abundancia de sellos, una demanda artística
impecable para la mayor felicidad de nuestros oídos encantados"
Rosalie Marie Wertheim nació en Amsterdam . Su padre era banquero y Rosalie asistió a un internado francés en Neuilly, donde tomó clases de piano. Estudió piano con Ulfert Schults y armonía y contrapunto con Bernard Zweers y Sem Dresden. En 1921 se graduó de la Nederlandse Toonkunstenaars Vereniging.
De 1921 a 1929, enseñó en el Amsterdam Music Lyceum, compuso canciones y obras corales y dirigió coros infantiles y femeninos. En 1929 Wertheim se trasladó a París, donde vivió seis años, componiendo música y escribiendo para el periódico de Amsterdam Het Volk en la escena musical parisina, mientras estudiaba composición e instrumentación del compositor Louis Aubert.
En 1935 se trasladó a Viena, donde estudió contrapunto con Karl Weigl. En 1936 ella viajó a New York City para dar conferencias.
En 1937, justo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, regresó a Amsterdam. Durante la ocupación alemana, Wertheim dio conciertos secretos en una bodega donde tocó música de compositores judíos prohibidos. Después de septiembre de 1942, ella se escondió para escapar de las deportaciones judías. Después de la guerra, Rosy Wertheim enseñó en la escuela de música en Laren, pero contrajo una enfermedad seria y murió el 27 de mayo de 1949 en Laren, Países Bajos.
Preciosa la Sonatine Modale de Charles Koechlin, interpretada por dos fantásticos músicos, la flautista Julie MOULIN - segunda flauta l'Orchestre Royal du Concertgebouw d'Amsterdam y el clarinetista Bruno BONANSEA Clarinete solista de l'Orchestre philharmonique de Rotterdam.
Dos sonidos increiblemente bellos y una interpretación espléndida, moviéndose además por el escenario, con una enorme elegancia, lo que sin duda, está cada vez de más actualidad.
Acompañar la música que se interpreta, escenificándola de alguna manera, estimula a muchos oyentes a prestar más atención. Debería ser sino obligatorio, sí muy recomendable,en vez de las notas al programa que es por lo que normalmente, (el que lo lee) se conoce la obra que se va a interpretar, comentarla de viva voz, dando cuanto más detalles mejor, tanto de la obra como del autor.
Hace un par de domingos, miembros de la ONE, interpretaron la Gran Partita de Mozart, que fue explicada por Lorenzo Coppola. Se transmitió por Radio Clásica,y si la interpretación fue de gran nivel, los comentarios de Lorenzo Coppola,ayudaron y mucho a que fuera una hora larga, de máximo disfrute.
Paco Gil, es un habitual en las publicaciones de el blog.En esta ocasión toca un dúo para flauta y clarinete de G.Lewin,del que he buscado información y nada he encontrado.A ver si vosotros tenéis más suerte.
Espero paséis unos minutos agradables escuchando este dúo y a Paco Gil, que graba desde los dúos de Romero, hasta las obras más complicadas.Es muy activo y sin duda un gran clarinetista.
Feliz día.
Marta Femenía (flauta) - Fco. José Gil (clarinete)
Bellísimo dúo para clarinete bajo y fagot, de David Bennett Thomas.
Lo he escuchado varias veces, y siempre la última vez me ha gustado más que la anterior. Qué bien suenan estos dos instrumentos tocando a dúo.Dos instrumentos graves, con un registro amplisímo que sólo el cambio el timbre de sus sonidos, los distingue, porque por lo demás son cómo "hermanos".
Espero que os guste.
Feliz día
.
La
música de David Bennett Thomas ha-sido llamada "tiempo de acoplamiento
inmediato meticulosamente estructurado ... ... lúdica, emotiva,
técnicamente deslumbrante, y comunicativa de forma aguda" (Philadelphia
Music Makers);
"Convincente en ambos niveles estructurales y emocionales ... Esa música habla sin pretensiones" (la fuente clásica); y
"concisa y comprensible, a pesar de que no habla hasta el oyente o
suscribirse a cualquier ismos ... esto es un trato con una voz
individual" (American Record Guide).
Ha escrito en muchos tipos, incluyendo obras para coro, voz solista, orquesta, grupos de cámara, piano y conjuntos de jazz. En
los últimos años, las obras-han-sido Thomas actuado por toda América,
así como en Europa, Israel, América del Sur, y China por grupos como los
cantantes de Gregg Smith, Artes Sociedad Coral de Filadelfia,
rarescale, los cantantes de Nueva York agudos Relache desnudo
Voces SCAW, Melomanie, Salt Lake Coral Artistas, Essex Cámara
reproductores de música, el Mark Morris Dance Group Conjunto de Música,
Chicago Coral Artistas, Dolce Suono, la Sociedad Orquesta de Filadelfia,
y el canto de la ciudad. -Solistas
que han
Fibich, Zdenek (1850-1900).
Compositor checo nacido el 21 de diciembre de 1850 y fallecido el 15 de octubre de 1900. Está considerado después de Smetana de Dvorák el más importante compositor de la segunda mitad del siglo XIX. Estudió en Viena y Praga, fue discípulo de Smetana (1865-1866) y luego ingresó en el Conservatorio de Leipzig. En 1868 y 1869 residió en París, donde dio conciertos, y a partir de 1871 se estableció en Praga, ciudad en la que fue director de orquesta, director de coros y consejero artístico del Teatro Nacional, aunque no figuró oficialmente en el cargo. Tras un tiempo dedicado a la dirección, a partir de 1881 se concentró exclusivamente a la composición. Su música gozó de una alta consideración, particularmente en Checoslovaquia, aunque actualmente su obra se escucha con menos frecuencia que durante su carrera. A lo largo de sus 49 años de vida, compuso un gran número de obras, con mayores logros en la música sinfónica y para la escena. Es considerado el compositor checo más próximo al lenguaje musical de Wagner.
Gran parte de sus obras de juventud, entre ellas tres óperas, han desaparecido. Al revisar su obra, encontramos que el propio Fibich destruyó cerca de 120 composiciones. En 1863 creó la ópera Medea (desaparecida) y dos años después La Primavera para piano. Fue partidario de Smetana, pero en sus primeros poemas sinfónicos, escritos entre 1873 y 1875, encontró un acento nacional próximo a la balada. Aunque pudo haber respondido menos a los impulsos nacionalistas que a la necesidad de expresión, fue el primero en escribir un poema inspirado en el folklore checo (Záboj, Slavoj, a Ludek) y en incorporar una danza nacional (la polka) en una pieza puramente instrumental (Cuarteto de cuerda en la). Compuso las óperas La tempestad (1894) según Shakespeare, Hady (1895), La novia de Messine y La caída de Arkona (1848).
Fuente;http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=fibich-zdenek
1. Allegro non 1. Allegro non tanto
El Quinteto de viento con piano en mi bemol mayor, K. 452, fue completado por Wolfgang Amadeus Mozart el 30 de marzo de 1784 y estrenado dos días más tarde en el Teatro Nacional Real e Imperial de la Corte, en Viena.1 Poco tiempo después del estreno, Mozart escribió a su padre: «Yo mismo lo considero lo mejor que he escrito en mi vida».
Este quinteto está escrito para piano, oboe, clarinete, trompa y fagot, y consta de tres movimientos:
1-Largo - Allegro moderato
2-Larghetto
3-Allegretto
Esta estructura es muy similar a la de la sonata. El primer movimiento es un ágil Allegro en forma sonata, con temas que pasan de un instrumento a otro, siendo con frecuencia el piano el que introduce el tema y, seguidamente, acompaña al oboe, clarinete, trompa y fagot mientras que estos interpretan variaciones de dicho tema. El movimiento Larghetto presenta unos rasgos cartacterísticos de los segundos movimientos mozartianos: suave y ligero, a la par que atractivo y agradable. Pos su parte, el movimiento Allegretto está escrito en forma rondó-sonata en la línea en la que Mozart escribía los últimos movimientos de muchos de los conciertos para piano que estaba escribiendo en este periodo, y contiene una sección de carácter similar a una cadenza hacia el final, escrita probablemente aparte de la pieza.
Esta obra inspiró el Quinteto de viento con piano, Op. 16 de Ludwig van Beethoven, quien lo compuso como tributo a Mozart en 1796. Ambas composiciones emplean la misma instrumentación.
Intérpretes.-
Piano, Júlia Martínez
Oboe, Bruno Lucas
Clarinet, Sílvia Insa
Fagot, Josep Tatay
Trompa, J. Francisco Fortea
Reanudar las publicaciones con cinco dúos del método de A.Romero, interpretadas, por Paco Gil y Sergio Montava, es una enorme satisfacción para mí.Y lo es, porque siempre he deseado grabar todos los dúos del método de Romero, con algún amigo, lo que hasta el momento ha sido imposible,porque yo tengo todo el tiempo que desee, pero no todos tienen la "suerte" de estar jubilados.
Me encantan los dúos del Romero, por muchas razones, pero la principal por lo bien escritos que están y porque son muy bonitos.
Recuerdo los alumnos del Plan-66 que en el primer curso tenían que tocar los 30 dúos del primer método,los 45 ejercicios de articulación del método Klosé, y escalas M y m con tres sostenidos y tres bemoles. Qué tiempos aquellos. No digo que fueran mejores ni muchisimo menos,que los actuales, pero dar clase a un@ alumno que empezaba el clarinete, sabiendo dos cursos de solfeo,opino que era mejor que empezar con alumn@s, que no saben nada de solfeo. Recuerdo que dábamos un curso que se llamaba preparatorio y en el curso siguiente el primer curso.Cuando terminaban el primer curso, habían transcurrido dos años.Cuánto necesita ahora en el nuevo plan un alumn@ para tocar lo que se tocaba entonces en primero?
No lo sé, pero me lo imagino por lo que me cuentan.
Y para terminar, agradecer a estos dos fantásticos clarinetistas que graben y podamos escuchar los dúos del Romero, con la exquisitez que ellos los tocan.
De Paco Gil tenéis su biografia en la etiqueta correspondiente, por lo tanto os dejo la de Sergio Montava.
SERGIO MONTAVA.
Nace en Alcoy (Alicante)
Comienza sus estudios musicales en el seno de la Unión Musical de Ibi, de la mano de Benedicto Ripoll Martínez y Benedicto Ripoll Belda. Posteriormente finaliza sus estudios de grado medio en los Conservatorios de Onil, con Ernesto Pérez Ferri, y Villena, con Julio Martinez Rico.
Finaliza sus estudios superiores de Clarinete en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid RCSMM con Justo Sanz Hermida.
Ha realizado estudios de perfeccionamiento instrumental con Vicente Alberola, Yehuda Gilad, Venancio Rius, Norbert Kaiser, Gustavo Duarte, Emilio Montoya y Enrique Pérez.
Realiza colaboraciones como clarinetista en la Orquesta Sinfónica de Madrid, Banda Sinfónica Municipal de Madrid, Orquesta Filarmónica de Andalucía, Orquesta Círculo Musin, Orquesta de Cámara Katarina Gurska y Orquesta Filarmónica de la Mancha OFMAN.
Como solista ha interpretado el Concierto para Clarinete y Orquesta Kv 622 de W.A. Mozart con la Orquesta Círculo Musin y el Concierto para Clarinete y banda de Artie Shaw con la banda Sinfónica del Ejército del Aire en Madrid.
Ha sido profesor de clarinete en la Escuela de Música de la Unión Musical de Ibi, Escuela de Música de Lerma, Escuela de Música Melodía Siglo XXI y en la Escuela de Música de Chapinería (Madrid).
Desde el año 1999 pertenece al Cuerpo de Músicas Militares en el que ha pertenecido a agrupaciones como la banda Sinfónica del Regimiento de Infantería "Inmemorial del Rey" en Madrid, Banda de Música de La Escuela Naval Militar en Marín (Pontevedra), Banda de Música de la División Acorazada en Burgos, Banda Sinfónica del Ejército del Aire en Madrid y actualmente forma parte de la Banda Sinfónica de la Guardia Real en Madrid.
Forma parte del Dúo Nectunt junto a la pianista Natsuki Matsuo, realizando diversos recitales de clarinete y piano por la geografía española, con muy buena acogida por parte del público.
Título original: Kwartet na klarnet i trio smyczkowe
Contenido: 1. Notturno
2. Scherzo
3. Serenata
4. Abschied
Año de realización: 1993
Instrumentación: clarinete, violín, viola, violonchelo
: Festival Schleswig-Holstein Musik
Dedicación: A Åke Holmquist
Duración: 15'37 ''
Género / forma: cuarteto (cuarteto)
Categoría: música instrumental, obras de cámara
Intérpretes;
Anthony McGill, clarinet;Solista Filarmónica de New York
Emilie-Anne Gendron, violin;
Daniel Kim, viola;
Marcy Rosen;violenchello
El cuarteto fue un punto de inflexión en la carrera de Penderecki. El cambio de estilo, ya anunciado en el Trío de cuerdas y el Concierto de flauta, que luego se manifestó plenamente en este Cuarteto, puede resumirse en el ideal estético de claritas: un nuevo tipo de música cristalina de dimensiones de cámara, idealmente equilibrada en forma y contenido. El carácter único de esta pieza está confirmado por las declaraciones del compositor, en las que subrayó que la pieza no era un encargo, sino una respuesta a su propia necesidad sentida e inspirada por el Quinteto de cuerdas de Schubert en C Major D 956.
Penderecki estaba muy influenciado por el estado de ánimo de esa pieza, pero los investigadores encuentran rastros, si no de Schubert, al menos de Viena, en otros aspectos formales y de textura del Cuarteto. Estos pueden ser descubiertos en la secuencia y los títulos de las cuatro partes: Notturno, Scherzo, Serenade y Abschied.
El humor romántico destacado por el título se enfrenta aquí, sin embargo, por el contenido musical bastante contemporáneo. Por lo tanto, si la música se remonta a Viena, entonces no es sólo a Schubert, o Beethoven en el Scherzo, sino también a Berg en la atmósfera de las primeras y últimas partes y de Schönberg, con la Serenata en el tempo de un vals.
El compositor había planeado una composición de siete partes. Finalmente escribió sólo cuatro partes, la última de las cuales es tan larga como las otras tres. El Nocturne comienza con un solo de clarinete e introduce los tres motivos fundamentales de esta obra, compuestos principalmente de semitonos y tercios menores, que le dan al Cuarteto un sonido peculiar: muy pensativo y melancólico.
El rompecabezas más grande, sin embargo, es el subtítulo Abschied, o adiós, dado a la Finale.
De hecho, esta parte de cierre, concentrándose en el tono de pedal en el violonchelo alrededor del cual los motivos bien conocidos se entrelazan gradualmente, suena particularmente nostálgico. Esto se debe a que, como explicó el compositor en una entrevista, la cena privada de cuatro amigos acaba de llegar a su fin. "Cada uno de ellos tenía algo que decir durante la comida, pero se conocen tan bien que no hay necesidad de decirlo todo hasta el final".
Carl
Frühling (1868-1937) ,nació en lo que entonces era conocido como
Lemberg,una parte del imperio
Austriaco Habsburgo. (Hoy es en Ucrania y se conoce como Lviv. Estudió
piano y composición en la Gesellschaft der Musikfreunde de Viena y fue
galardonado con el Premio Liszt al graduarse en 1889. Durante muchos
años disfrutó de una carrera como acompañante de algunos de los más
importantes solistas instrumentistas y cantantes que se presentaron,
incluyendo estrellas como Pablo Sarasate, Bronislav Huberman y Leo Slezak. A menudo fue pianista del Cuarteto Rosé, entonces el primer cuarteto de cuerdas de Viena. A
raíz de la Primera Guerra Mundial y su efecto catastrófico en Austria y
Viena, su carrera fue prácticamente destruida y, lamentablemente, él y
su música fueron olvidados pronto. Compuso en la mayoría de géneros y dejó varias composiciones de música
de cámara de primer nivel además de este maravilloso quinteto de piano.La
fecha exacta de la composición del trío es desconocida, pero a juzgar
por el número de opus, se cree que se había compuesto alrededor de 1900.
Originalmente para Clarinete, Violonchelo y Piano, el editor de
Frühling le pidió una parte de violín para que el trabajo pudiera ser
interpretado por Un trío de piano estándar, aumentando así la capacidad de venta del trabajo.
El
movimiento de apertura Mäßig schnell (Allegro moderato) presenta sus
temas cálidos, algo tristes y graciosos en un ritmo relajado. El clarinete toca amenudo la parte grave, que crea un efecto exuberante.
El
segundo movimiento Anmütig bewegt (Grazioso) tiene para su primer tema
un vals vienés actualizado y agraciado, seguido por un Ländler como
melodía.
Un tercer tema suena vagamente ruso. El Andante que sigue es triste y reflexivo, siendo el clímax un dúo entre el violoncelo y el clarinete (violín).
El final, Allegro vivace, es rítmicamente animado y juguetón.
Aunque
el trío recuerda el estilo de Brahms y en menor medida Wagner, la
originalidad de Frühling es frontal y central y la obra no puede en modo
alguno ser imitada.
Tres grandes intérprtes interpretan un excelente trío de Bottessini.Un trio que desde el primer acorde hasta el final no tiene desperdicio.Muy fácil de escuchar por su melodía sencilla,y muy "pegadiza".Parece escrito, para esas ocasiones, en las que quieres que la música llegue a todos los públicos. Ninguna complicación tanto en la línea melódica como armónicamente. En más de una ocasión las melodías superpuestas del clarinete y contrabajo tienen un enorme atractivo, por lo raro de la formación, y por lo bonito que suena.
Si Corrado Giufredi está su l ínea de excelente clarinetista ,Enrico Fagone es un contrabajista,de una enorme calidad. Su fraseo, sonido y técnica, son de primerísimo orden. Lejos quedan los contrbajistas a los que se les encomendaba un papel de acompañantes y poco más. Los dos muy bien acompañados por el pianista Federico Nicoletta.
Podéis clicar en el nombre de los intérpretes para leer sus correspondientes biografías.
Nacido
en Crema, Lombardía, sus primeras nociones de música fueron a muy
temprana edad, a cargo de su padre, clarinetista y compositor consumado.
Antes de los once años ya había estado tocando los timbales en el
Teatro Sociale de Crema.
Estudió violín con Carlo Cogliati y es muy probable que hubiera
tenido una fructífera carrera con violinista a no ser por un giro
inesperado. Su padre buscó una plaza para él en el Conservatorio de Milán, pero solo había dos vacantes: fagot y contrabajo,
pero debido al bajo nivel económico de la familia no se podían permitir
pagarle la matrícula y sólo podría estudiar si conseguía una beca. En
cuestión de semanas preparó una excelente audición para la beca de
contrabajo donde tuvo un gran éxito. Durante su tiempo de formación en
el conservatorio de Milán estudió bajo la supervisión de Luigi Rossi, a quien dedico sus Tre grandi duetti per contrabasso.
Solo cuatro años después, en un tiempo relativamente corto para la
época, obtuvo un premio de trescientos francos. Con este dinero financió
la adquisición de un contrabajo de Carlo Antonio Testore en 1838, y se embarcó en una carrera por todo el mundo como «el Paganini del contrabajo».
Como virtuoso del contrabajo de tres cuerdas fue altamente cotizado a ambos lados del Atlántico. Desde su primer viaje hastaLa Habana desde su Crema natal en el norte de Italia, él viajó extensamente durante toda su vida, siendo recibido con entusiasmo en cualquier lugar, incluyendo las cortes de la Reina Victoria, el Zar Alejandro II de Rusia o Napoleón III. Hizo su primera visita a los Estados Unidos en 1847 a Gran Bretaña en 1848 y debutó en Londres en 1849.
Metafóricamente, igual que su contrabajo, Bottesini tenía “tres
cuerdas” en su vida: como virtuoso del contrabajo, pero también como
director y como compositor. Su actuación más espectacular como director
sin duda fue el estreno de Aida en El Cairo (1871), bajo la recomendación del mismo Verdi. Además también ocupó el importante cargo de Director Musical y Director en la Covent Garden de Londres y en la Ópera Italiana de París.
Al dejar Milán, pasó algún tiempo en los Estados Unidos, y ocupó una
posición de primer contrabajo de la Ópera Italiana, en La Habana, de la
cual años más tarde se haría su director. Su primera ópera Cristobal Colón, fue producida en 1847.
En 1849 hizo su primera aparición en Inglaterra, interpretando el
contrabajo en uno de los conciertos de la Unión Musical. Luego, realizó
frecuentes visitas a Inglaterra, y su extraordinario dominio de este
instrumento, le otorgaron popularidad en Londres y las provincias.
Aparte de sus triunfos como intérprete, Bottesini fue director de
reputación europea, y ganó algunos éxitos como compositor, aunque su
trabajo no tenía suficiente individualidad para sobrevivir los cambios
en el gusto de la época. El 15 de septiembre de 1854 dirigió el estreno
del Himno Nacional Mexicano, en el Teatro Santa Anna de la Ciudad de México, interpretado por la soprano Claudina Fiorentini y el tenor Lorenzo Salvi.
Fue director en el Théâtre des Italiens en París desde 1855 a 1857, donde produjo su segunda ópera: L'Assedio di Firenze, en 1856. En 1861 y 1862 fue director en Palermo, mientras supervisaba la producción de su nueva ópera Marion Delorme, y en 1862 y 1863 se trasladó a Barcelona. Durante estos años, dio repetidas giras por los principales países de Europa.
Dirigiendo ópera, Bottesini llevaba frecuentemente al escenario su
contrabajo durante la pausa, para tocar fantasías sobre la ópera de la
tarde. Sus Fantasías sobre Lucia di Lammermoor, I Puritani, y Beatrice di Tenda, son aún populares entre quienes aprecian el instrumento.
Bottesini escribió tres óperas aparte de las ya mencionadas: Il Diavolo della Notte (Milán, 1859); Vinciguerra (París, 1870); Alì Babà (Londres 1870) y Ero e Leandro (Turín, 1880), esta última toma su nombre de un libreto de Arrigo Boito,
el cual fue posteriormente hecho por Luigi Mancielli. También escribió
“El jardín de Olivet”, un oratorio producido en el Festival de Norwich
en 1887; Cuarteto de once cuerdas, Quinteto para cuarteto de cuerdas y
contrabajo, y muchas obras para ese instrumento, entre ellas dos
Conciertos para contrabajo como instrumento principal, Gran Dúo Concertante para violín y contrabajo, Passione Amorosa”, para dos contrabajos y numerosas piezas para contrabajo y piano.
Bottesini como compositor no pretendió modestamente llegar a los altos niveles de contemporáneos suyos como Verdi, Boito y Ponchielli
pero, en su instrumento favorito, el contrabajo, obtuvo una facilidad
maravillosa, por no decir la agilidad, en la ejecución de los pasajes
más difíciles, teniendo en cuenta la complejidad del instrumento. La
gracia, la elegancia y la delicadeza de su interpretación y el método,
dio prueba de un arte más que consumado y un talento inigualable.
Un año antes de su muerte, Bottesini fue nombrado Director del Conservatorio de Parma bajo la recomendación de Verdi. El 7 de julio de 1889, murió en Parma, a los sesenta y siete años, siendo considerado uno de los mayores virtuosos del contrabajo de la historia.
Tres jóvenes y grandes instrumentistas, tocan el Trío op. 38 de Beethoven, ya publicado hace tiempo, pero creo que esta versión es lo suficientemente importante cómo para repetir la publicación.
Podéis leer la biografía de los tres intérpretes, clicando en los enlaces correspondientes.
Han Kim, ya todo un hombre y gran clarinetista, toca junto al cuarteto de cuerda "Ensemble OPUS", el quinteto para clarinete y cuarteto de cuerda de Jeajoon Ryu´s.
Cómo podemos observar los quintetos para clarinete y cuerda no terminaron con los famosos de Mozart,Weber y Barman, que sin duda son los más famosos, y los más interpretados, sobre todo los dos primeros.
Afortunadamente se sigue escribiendo para nuestro amado instrumento y es muy importante conocer todo lo que se escribe, para enriquecer nuestros conocimientos y nuestros sentidos musicales.
Feliz dia.-
Jeajoon Ryu´s.
Jeajoon Ryu (nacido en 1970) es un compositor surcoreano.
Estudió composición con Krzysztof Penderecki en la Academia de Música de Cracovia, así como con, Kang Suk-hi en la Universidad Nacional de Seúl. En 2015 ha sido homenajeado por el Ministro de Cultura y Patrimonio Nacional de Polonia, con la Medalla Gloria Artis. Actualmente, Jeajoon Ryu es director artístico del Festival Internacional de Música de Seúl en Corea. También es director artístico del Ensemble OPUS.
Aram Khachaturian (1903-1978) nació en la ciudad georgiana de Tiflis ahora Tiblisi. No empezó a estudiar música cuando era niño, pero a los 19 años tomó el violonchelo. Su talento era tan grande que fue admitido en el Gneissin Institute, la segunda escuela de música más prestigiosa de Moscú. Posteriormente se trasladó al Conservatorio de Moscú donde estudió composición con Nikolai Myaskovsky. Finalmente, se desempeñó como profesor en ambas escuelas de música. La mayor parte de sus obras fueron para orquesta o grandes conjuntos, aunque escribió un cuarteto de cuerdas y este trío.
El trío data de 1932 mientras que Khachaturian todavía estudiaba con Myaskovsky, que estaba tan impresionado con el trabajo, que él arregló para que se estrenara en París. El trio consta de tres movimientos
. El primer movimiento, Andante con dolore, es esencialmente una improvisación lírica basada en una melodía lenta y lúgubre derivada de una canción popular armenia, y decorada con adornos arabescos.
En el segundo movimiento, Allegro, episodios tempestuosos alternan con tierna-danza como interludios.
El final, Moderato, es un conjunto de nueve variaciones basadas en una melodía popular de Uzbekistán, con varios intervalos exóticos.
