Bottesini "trio for Clarinet/Double bass y piano" Corrado Giuffredi, Enrico Fagone, Federico Nicoletta

Un trío con una formación muy original el que compuso Giovanni Bottesini (Crema, Lombardía, 22 de diciembre de 1821 — Parma, 7 de julio de 1889), fue un compositor italiano y uno de los primeros contrabajistas virtuosos de la época. Bottesini tocaba con un contrabajo de 3 cuerdas afinadas un tono arriba (afinación solista).Bottesiini que escribió muchos conciertos para el que era su instrumento,el contrabajo, no pudo dejar de escribir también para el clarinete. Uno más que sumamos a la larguisima lista de compositores que encontraron en el clarinete una gran fuente de inspiración.Dificil resistirse a esa sonoridad tan hermosa que el clarinete proporciona en cualquier conjunto de cámara, en las orquestas,o solo. No tengo datos ni nunca los tendré, pero estoy convencido, y lo reitero una vez más que el repertorio para clarinete será uno de los más extensos, que existe.Sé que el oboe, la flauta.etc. son instrumentos con un enorme repertorio, pero también son bastante más antiguos.Apareció el clarinete, y todos los compositores, escribieron para él. Sino todos casi todos. Merece una mención especial Corrado Giufreddi, que ha interpretado muchos conciertos de la época anterior a Mozart.Ha dado a conocer muchos conciertos desconocidos para la mayoria de los clarinetistas, y esa es una labor que tenemos que agradecerle. Al menos yo he descubierto mucha música para clarinete gracias a Corrado. Gracias pues Sr. Giuffredi..Espero y deseo que paséis unos minutos muy agradables escuchando este trío. Muchas gracias al nuevo seguid@r.¡¡Cómo se agradece, cuando aparece un nuevo seguidor en la lista¡¡ Feliz dia a todos Biografía[editar] Un curioso giro del destino produjo a este virtuoso del contrabajo del siglo XIX. A los catorce años, Bottesini había desarrollado sus talentos musicales como corista, violinista e intérprete del timbal. Su padre buscó un lugar para él en el Conservatorio de Milán, pero solo había dos vacantes: Fagot, y contrabajo. En cuestión de semanas preparó una audición que tuvo un gran éxito. Solo cuatro años después, en un tiempo relativamente corto para la época, obtuvo un premio de trescientos francos. El dinero financió la adquisición de un instrumento de Carlo Antonio Testore, y una carrera por todo el mundo como «el Paganini del contrabajo» comenzó. Al dejar Milán, paso algún tiempo en los Estados Unidos, y ocupó una posición de primer contrabajo en el teatro, en La Habana. Su primera ópera, fue producida en 1847. En 1849 hizo su primera aparición en Inglaterra, interpretando el contrabajo en uno de los conciertos de la Unión Musical. Luego, realizó frecuentes visitas a Inglaterra, y su extraordinario dominio de este instrumento, le otorgaron popularidad en Londres y las provincias. Aparte de sus triunfos como intérprete, Bottesini fue director de reputación europea, y ganó algunos éxitos como compositor, aunque su trabajo no tenía suficiente individualidad para sobrevivir los cambios en el gusto de la época. El 15 de Septiembre de 1854 dirigió el estreno del Himno Nacional Mexicano, en el Teatro Santa Anna de la Ciudad de México, interpretado por la soprano Claudina Fiorentini y el tenor Lorenzo Salvi. Fue director en el Théâtre des Italiens en París desde 1855 a 1857, donde produjo su segunda ópera: L'Assedio di Firenze, en 1856. Dirigiendo ópera, Bottesini llevaría frecuentemente al escenario su contrabajo durante la interrupción, para tocar fantasías sobre la ópera de la tarde. Sus Fantasías sobre Lucia di Lammermoor, I Puritani, y [[Beatrice di Tenda]], son aún populares entre quienes aprecian el instrumento. En 1861 y 1862 fue director en Palermo, supervisando la producción de su Ópera Marion Delorme en 1862 y 1863, en Barcelona. Durante estos años, dio repetidas giras por los principales países de Europa. En 1871 dirigió una temporada italiana, en el teatro Lyceum de Londres. En esta época, su ópera Ali Baba fue producida, y al cierre del año, fue elegido por Verdi para dirigir la primera presentación de Aida, estrenada en El Cairo, el 24 de diciembre de 1871. Bottesini escribió tres óperas aparte de las ya mencionadas: Il Diavolo della Notte (Milán, 1859); Vinciguerra (París, 1870); y Ero e Leandro (Turín, 1880), esta última toma su nombre de un libreto de Arrigo Boito. También escribió El jardín de Olivet, un oratorio producido en el Festival de Norwich en 1887; Cuarteto de once cuerdas, Quinteto para cuarteto de cuerdas y contrabajo, y muchas obras para ese instrumento, entre ellas dos Conciertos para contrabajo como instrumento principal, Gran Dúo Concertante para violín y contrabajo, Passione Amorosa, para dos contrabajos y numerosas piezas para contrabajo y piano. Bottessini murió en Parma, el 7 de julio de 1889, a los sesenta y siete años, siendo considerado uno de los mayores virtuosos del contrabajo de la historia.

Claudia Camarasa/II Concierto de Weber/ Primer tiempo/ Orquesta de Valencia

Hace unos meses, recibí una llamada telefónica de José Vicente Herrera, clarinete solista de la orquesta de Valencia; Me invitaba a ir con él a escuchar una audición de una alumna suya. Una audición de Claudia Camarasa.Le dije que sí, sin pensarmelo dos veces, porque si me invitaba José Vicente, y la que tocaba era una alumna suya, la garantía que iba a escuchar a una clarinetista con mucha calidad estaba asegurada. No me equivoqué. Nada más empezar la audición, el sonido de Claudia, me cautivó. El programa que era muy exigente, lo salvó Claudia con Sobresaliente. Una hora y algo más, estuvo Claudia tocando y deleintádonos con su sonido y sus correctisimas interpretaciones. De tal palo....pensé yo. TErminó la audición y José Vicente me la presentó.Después de intercambiar unas palabras ( estaba muy solicitada ) me dí cuenta que no había terminado todavía los estudios en el Conservatorio, porque escuché ,"nos vemos en clase en el Conservatorio"Pregunté, ¿pero es que no ha terminado todavía? No, no ha terminado el superior.Por su calidad podría haberlo terminado, es lo que pensé. Si además de una excelente clarinetista,es una mujer simpática y no se le aprecia un ápice de vanidad, Claudia puede llegar muy lejos, puede ser una gran clarinetista. Sigue así Claudia, que somos muchos los que pensamos que tienes un gran futuro, y deseamos verte en lo más alto. _______________________________________________________________________________________________________________________ CV de Claudia Camarasa Rafelbuñol (Valencia), 1993. Comenzó sus estudios musicales a los 9 años en la Sociedad Musical “La Primitiva” de Rafelbuñol y continuó su formación en el Conservatorio Profesional de Música de Valencia. A los 16 años debuta como solista junto con la Orquesta de Valencia en los conciertos pedagógicos El maestro y sus jóvenes amigos y Experiencia Mozart. Desde entonces ha recibido clases de clarinetistas como José V. Herrera, David Martínez, Reinhard Wieser, Enrique Pérez, Vicent Alberola, Pascal Moragués, E. Raimundo, Johannes Peitz, Jonathan Cohler, José Franch, Vicent Alòs, etc. Miembro de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) y de la Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO). También ha participado en la Netherlands Jugend Orchestra (NJO), The World Orchestra (TWO), Joven Orquesta Sinfónica de Castellón (JOSC), Jove Orquestra Nacional de Catalunya (JONC) y Orquesta Filarmónica de la Universidad de Valencia (OFUV). Ha sido galardonada en numerosos concursos de jóvenes solistas, entre los que destacan: 1º premio en el IV Concurso de Juventudes Musicales de Sant Cugat del Vallès (Barcelona); finalista en el XIV Concorso Internazionale di Musica “Marco Fiorindo” (Turín, Italia); 1º premio XI Concurso de Jóvenes Intérpretes “Vila de Castellnovo” (Valencia); premio a la mejor interpretación de una obra del s. XX en el IV Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes “Ciudad de Cuenca” (Castilla La Mancha); accésit en el XVI Concurso Nacional de Música “Ciutat de Xàtiva” (Valencia), 1º premio en el XI Concurso para Jóvenes Intérpretes “Vila de Betxí” (Castellón), etc. Con lo que respecta a la música de cámara, ha realizado una intensa labor con los grupos Flügel Quartet, Da Capo Quartet y Liebe Quintet, con quien ha realizado giras por todo el territorio europeo y ha ganado concursos como el II Concurso de Música de Cámara de la Academia de la Música Valenciana, V Concurso Música de Cámara “Vila de Cox” (Alicante), VI Concurso CIM Mislata (Valencia), II Concurso “Ciutat de Borriana” (Castellón), III Concurso “Higini Anglès” (Reus, Tarragona), etc. En junio 2013 interpretó el Segundo Concierto para clarinete y orquesta de C. M. von Weber de nuevo junto con la Orquesta de Valencia en el ciclo de Conciertos para todos. Actualmente, estudia el 4º curso de Enseñanzas Superiores en el Conservatorio Superior de Música de Valencia “Joaquín Rodrigo” con el profesor Emilio Ferrando. Sus proyectos a medio y largo plazo son ampliar sus estudios en Centro Europa con la realización de un Máster de Interpretación y realizar audiciones de orquestas jóvenes europeas y profesionales.

Alexander May/ Weber Concerto No 2/ 3rd Movement

Hace casi un año, recibí un correo que guardè, y por ese mismo motivo, olvidé. Una pena. Y siento pena, porque el que me escribía era un niño, desde América, que estará totalmente decepcionado conmigo.Alexander, si por casualidad lees todavía mi blog, te pido me disculpes,porque es imperdonable lo mal que me he portado contigo.Lo siento mucho.Te merecías que hubiera publicado tu vídeo inmediatamente lo recibí, pero no fue así. Os dejo el correo literal como lo recibí, y por supuesto el vídeo. hola mi nombre es Alexander May. Soy un genio clarinete de América. He estado jugando el clarinete desde hace 3 años. He ganado muchas competiciones y pidió un prodigio ' Yo no hablo español, estoy teniendo un amigo escribir esto. ¿Habla Inglés? Por favor, responda a la brevedad posible a continuación es mi forma de tocar Por favor, publique esto en su página web Thank you, Alex May Alexander he perdido tu dirección de correo electrónico, si me lees, por favor escríbeme. Vas a tener muchos Me gusta, ya lo verás.

Masterclass de Wolfang Meyer, en Alfarrasí (Valencia)

Los próximos días 1 y 2 de Marzo, domingo y lunes respectivamente, Wolfang Meyer, y Carlos Casanova, como profesor asistente, impartirán una Masterclass en Alfarrasí (Valencia). Los horarios serán de 10,00 a 14,00 y de 16,00 a 20,00 horas . El precio del curso es de 180 Euros. Para más información podéis poneros en contacto llamando al número de teléfono 605 28 98 29. Un curso muy interesante.Muy recomendado dado la gran calidadd de los profesores que imparten el mismo.

Hablamos con el Dr. Tomás Martín sobre la salud en los músicos.

Una interesante entrevista con el Dr. Tomás Martín. No se trata de alarmar a nadie. Los músicos en mi época, hemos sufrido mucha lesiones, que en más de una ocasión se calificaban como "tiene más cuento que Calleja.( No se quien es Calleja, pero este dicho era popular entonces)Afortunadamente cómo os decia en mi anterior publicación ( por eso esta entrevista creo que completa ese Capítulo anterior), ahora hay solución para casi todas las enfermedades, que nos afectan, antes de que sean los suficientemente graves, que nos inhabiliten para seguir tocando un instrumento. Me limito a daros información y de hecho esta entrevista es copiada de un blog (http://www.entre88teclas.es/entrevista-tomas-martin-salud-lesiones-musicos) porque yo no conocía al Doctor Tomás Martín. Leerla con atención porque previene o nos dice cómo prevenir, algunas de las muchas lesiones que se padecen en nuestra profesión. Volverán los vídeos, las entrevistas, los artículos, etc.De momento para quien le pueda interesar os dejo la entrevista. Feliz dia a tod@s.________________________________________________________________________________________________________________ Un alto porcentaje de músicos sufre alguna lesión a lo largo de su vida profesional. Una buena formación y unos hábitos adecuados podrían ayudar a evitar las lesiones relacionadas con la praxis musical. Tomás Martín es profesor superior de percusión, percusionista de la Orquesta de Castilla y León, osteópata especializado en el tratamiento de las lesiones en los músicos y Doctor por la Universidad de Valladolid, y ha tenido la amabilidad de hablar con nosotros acerca de estos temas. ¿Cómo llegaste a ejercer la doble faceta de músico y terapeuta?____________________________________________________ Yo era un músico normal, estudie mi carrera de percusión, y cuando tenía dieciocho años me lesioné el antebrazo y la mano izquierda y tuve que dejar de tocar durante un año. Tras muchas vueltas (fui a traumatólogos, me hice todas las pruebas diagnósticas que estaban en la época, incluyendo dos escayolas, hice meses de rehabilitación, y hasta me infiltraron en los tendones) me encontraba en el mismo punto, sin tocar absolutamente nada. Ya a punto de dejar la profesión, encontré un osteópata y en unas 3 semanas me recuperé para tocar con normalidad. Por eso me decidí, después de padecer esta lesión, a tratar a otros músicos, ya que no parecía tener mucho sentido que después de tanto calvario la solución resultara ser tan obvia para otras disciplinas, y sin embargo para la traumatología llevara tanto tiempo ¿Por qué los músicos somos tan propensos, en general, a tener dolores y lesiones de diferentes tipos____________ Pues por la falta de educación. Nos educan en muchas materias, pero ninguna asignatura se utiliza para intentar solucionar los problemas que al final "acaban teniendo todos los músicos", que son siempre muchos, y que ocurren por realizar siempre los mismos gestos sin prepararse para realizarlos Ese es el problema, si lo comparamos con los deportistas, todos los días de entrenamiento empiezan con un calentamiento. En el caso de los músicos, el profesor que se preocupa, enseñará a los alumnos a evitar lesiones y el que no haya tenido esa formación posiblemente acabará teniéndolas. ¿Con eso quieres decir que con una buena prevención se podrían evitar las lesiones?________________________________________________________________________________________________________________ Claro, si tú incorporas estas disciplinas y estos conocimientos a los alumnos, éstos se hacen mucho más resistentes a las patologías, y sobre todo los estudiantes crean unos hábitos regulares de estudio, en los cuales entre el calentamiento, los descansos y el enfoque inteligente del estudio se puede evitar que finalmente se lesionen. ¿Entonces no hay relación entre la técnica y las lesiones?_________________________________________________________________________________________________________________ No, no. Hay mucha gente que piensa que los músicos se lesionan porque tocan mal, pero eso es incorrecto, no es que toquen mal, es que sobrepasan su límite fisiológico, o también que no toman una serie de pautas para evitar lesiones. Si eso fuera verdad sólo se lesionarían los músicos que tienen mala técnica, y eso no es verdad, se lesionan tanto aquellos que tienen una mala técnica como los que la tienen buena. Con mala técnica tendrás más riesgo pero con buena técnica también lo hay aunque sea menor. Has hablado de la importancia de la prevención. ¿Qué rutinas referentes a ésta deberíamos incluir en nuestras actividad cotidiana? _______________________________________________________________________________________________________ Calentamiento previo siempre a la sesiones de estudio y descanso. Los descansos tienen que ser cronometrados, 40/50 minutos de música y 10 de parar automáticamente, sin irse al ordenador, ni a la consola, ni hacer absolutamente nada con las manos. Si te apetece puedes estirar, beber un vaso de agua e hidratarte o simplemente descansar. Un estudiante de grado superior o un profesional necesita dedicarle muchas horas al instrumento. ¿Cuál es el máximo de horas diarias que recomiendas para tocar?_____________________________________________________________________________ Depende de la persona pero normalmente entre seis y siete horas como mucho. ¿Sobrepasar ese tiempo puede acarrearnos problemas?___________________________________________________________________ Claro, además es que si piensas en la cantidad de horas, a lo mejor es que el estudio no se está realizando de manera inteligente. Al igual que en un deporte programas tu entrenamiento, también podrías programar tu estudio en función de lo que quieres conseguir, cuantos días tienes hasta la siguiente clase, o el siguiente concierto. Yo creo que tampoco nos han enseñado cómo estudiar, eso es un problema que también es fundamental. Repetir por repetir no sirve para nada, si repites los pasajes siempre igual a la misma velocidad siempre fallarás en lo mismo. Dedicarle tantas horas al instrumento y el agotamiento que ello conlleva suele dejar poco tiempo para otras actividades, entre ellas el deporte. ¿La forma física en general influye?_____________________________________________ Si claro, si los músculos y tendones son más fuertes, son más resistentes a las lesiones, por eso hacer alguna actividad física aparte del instrumento es importantísimo. La alimentación también es fundamental. ¿Y qué tipo de actividad física es más recomendable?______________________________________________________________________________________________________________________ Pues correr, nadar... yo siempre recomiendo a mis pacientes que vayan al gimnasio al menos una vez a la semana a fortalecer la musculatura. ¿Hay algún deporte que no sea recomendable?_____________________________________________________________________________________________________________________ El tenis para pianistas e instrumentistas de cuerda, ya que haces que los músculos flexores y extensores, que trabajan continuamente, trabajen más aún. También los deportes de mano como el baloncesto pero por el riesgo de lesión que conllevan en las extremidades superiores más que por el deporte en sí. Todo lo relacionado con mantener una buena postura ante el instrumento también es fundamental. En este sentido, ¿yoga, técnica Alexander y otras disciplinas relacionadas son recomendables?______________________________________________________________________________________________________________________ Si, claro, y taichí o Feldenkrais también, todas esas técnicas que trabajan el equilibrio entre mente y cuerpo son muy recomendables, lo único es que ese tipo de disciplinas no curan si uno tiene una patología. Estas técnicas son muy saludables para tomar conciencia de nuestro cuerpo, de que tensiones tienes y de cómo eliminarlas, pero una vez que uno ya está curado de la enfermedad o lesión que pudiera tener. Centrándonos en los pianistas, ¿cuales son los problemas más comunes?__________________________________________________________________________________________________________________ Pues lesiones en las manos, tendinitis, codo de tenista y codo de golfista, tendinitis del bíceps y sobre todo problemas de contracturas a nivel cervicodorsal, dolores de espalda (dorsalgias y lumbalgias). Hay especialistas que dicen que unos instrumentistas generan unas patologías y otros otras, pero en realidad casi siempre son las mismas porque se utilizan siempre las extremidades superiores para tocar, así que la gran mayoría están relacionadas con el sobreuso de las extremidades superiores. ¿Y para este tipo de lesiones cual es el tratamiento más adecuado?___________________________________________________________________________________________________________________ Una mezcla entre osteopatía, masaje tradicional, masaje cyriax, la técnica de los puntos gatillo y utilización de frio. Esas cinco disciplinas juntas solucionan muy bien los problemas de tejido blando, como tendinitis o epicondilitis. Estas técnicas son con las que yo trabajo y los resultados son muy buenos. Cuando uno tiene un problema y acude al médico le suelen mandar reposo y antiinflamatorios. ¿Es eficaz este tratamiento?_____________________________________________________________________________________________________________________ No, el reposo no cura ninguna lesión. Si ha sido una lesión leve, producida por un momento puntual, el descanso sí que cura (siempre que descanses un par de días), pero si se trata de una lesión más severa no te va a hacer absolutamente nada. Hay una creencia muy extendida entre los instrumentistas y es que hay cosas que duelen, seguro que muchos de nosotros hemos escuchado cosas como “para que esto salga tiene que doler”, ¿es eso cierto?__________________________________________________________________________________________________________________ Eso es un error gravísimo. Si duele significa que te estás lesionando y tu cuerpo te va avisando. Y si lo sigues haciendo, vas a acabar lesionado. Esa creencia de que esa extensión o ese ejercicio deben crear dolor no tiene ningún sentido. Si hay ejercicios que son más complicados hay que trabajarlos más lento, más relajados, para que no produzcan dolor. Entonces, ¿cuáles son los síntomas realmente preocupantes para decir tengo que ir al médico o dejar de tocar, porque esto ya no es una cosa puntual como comentaste antes?______________________________________________________________________________________________________________________ Si es algo puntual normalmente paras, descansas esa tarde o un día y al día siguiente al realizar tu actividad deja de doler. Si dura más días significa que la lesión es más grave y si se mantiene en el tiempo, significa que el cuerpo no ha podido solucionarlo, entonces se empieza a cronificar. Cuando la lesión es permanente y siempre que tocas te molesta o ya incluso haciendo actividades de la vida diaria molesta también, significa que es una lesión seria y tienes que parar e intentar solucionarlo. ¿Lo óptimo que sería, parar de tocar? _____________________________________________________________________________________________________________________ Para de tocar, a no ser que sea algo muy, muy grave y que el dolor te impida tocar, no lo recomiendo nunca; se debería tocar un poquito para que no perder masa muscular y no perder agilidad. Y en el caso de que el músico note molestias pero tenga compromisos profesionales (conciertos, exámenes de cualquier tipo o sea pianista acompañante) y no pueda dejarlo, entonces ¿qué debería hacer?__________________________________________________________________________________________________________________ Si te ocurre eso tienes que buscar un terapeuta que te trate a la vez, en ese momento. Si no, lo que vas a hacer es acabar destrozado. ¿O sea, que se puede compaginar lo que es la práctica con el tratamiento?__________________________________________________________________________________________________________________ Si, yo he tratado a gente de alto nivel que tienen un calendario que no pueden cancelar, y se han curado. Depende también de tu edad, de tu técnica, como estés físicamente, si estás más saludable o menos. Si la lesión es muy grave tienes que parar totalmente, pero si la lesión no es demasiado grave se puede compaginar las dos cosas, y cambiando sobre todo la mentalidad del músico, que ha venido lesionado y cuando vuelve a su actividad tiene que cambiar unos parámetros, no puede hacer lo mismo que hacía antes, tiene que calentar, descansar, fortalecer un poco la musculatura, y esa es la piedra angular de toda esta historia, hay que intentar concienciar y que realmente cambie el concepto de músico y verse casi como un deportista. ¿Hay algún momento en el que la curación ya no sea posible, alguna frontera en la que la lesión sea ya irreversible?__ ________________________________________________________________________________________________________________ Yo no me he encontrado con nadie, pero supongo que si te han infiltrado, se ha degenerado el tendón y el tendón se ha calcificado (lo que significa que la hidrocortisona se ha quedado dentro del tendón), entonces ahí el único remedio es la cirugía, y ésta a veces puede empeorar aún más las cosas en vez de solucionarlas, pero en cuanto a lesiones músculo-esqueléticas que es lo que yo trato, no me he encontrado a ningún músico que haya tenido que dejarlo, a no ser que sea distónico, que es otra enfermedad totalmente distinta, un desorden del patrón de movimiento de origen neurológico que yo no trato. En España este tema como vemos está muy descuidado, apenas aparece en los planes de estudios de los conservatorios superiores, ¿por qué es eso?_____________________________________________________________________________________ La medicina de la música es una disciplina que empieza en 1981, hace treinta años, por lo que es bastante novedosa. Los músicos no han interesado demasiado a la medicina porque es un colectivo muy pequeño. Poco a poco habría que ir concienciando a los directores y sobre todo a los políticos de que los músicos son un campo en el cual el índice de lesiones es muy alto y si se previene desde los grados medios y grados superiores sería excelente para que pudieran realizar su carrera completamente. Pero el problema es que si los directores y los profesores no demandan esta asignatura, los planes de estudio se hacen siempre orientados a los aspectos teórico-prácticos de música, pero no de otras cuestiones, lo cual es un error lamentable. El hecho de que exista una asignatura en los conservatorios superiores ya es un avance, pero ¿sería bueno empezar desde grados inferiores, incluso desde grado elemental?_______________________________________________________________________________________________________________________ Grado elemental creo que no. En mi opinión el curso óptimo para empezar sería entre quinto y sexto de grado profesional. En el grado elemental los alumnos casi no tienen tiempo de estudiar, ahí se produce un filtro, y el otro filtro grande se produce entre quinto y sexto de grado profesional, ya que son alumnos que tienen que estudiar mínimo unas cuatro o cinco horas a la semana o más, y entonces los alumnos que no estudian esa cantidad lo suelen dejar. En el quinto sería un buen año porque ya toman conciencia de quien quiere ser músico profesional y quien quiere acabar el grado medio con una técnica y unos conocimientos más o menos aceptables. Aquí en el conservatorio de Valladolid se intentó incluir la asignatura en el Grado profesional, pero la Junta de Castilla y León dijo que no porque había que contratar a otro profesor. Yo sé que se ha intentado en más conservatorios pero la administración suele decir que no. La solución sería que un profesor del centro la impartiera, pero claro, hay que formarse para estas materias. ¿En otros países es igual?_________________________________________________________________________________________________________________ No, en otros países, por ejemplo en Estados Unidos o Inglaterra, las universidades de música tienen un departamento que colabora con las universidades de medicina, así que hay cursos permanentes donde los alumnos si se lesionan tienen orientación y formación. En España estamos siempre un poquito atrás pero estamos trabajando para que eso deje de ocurrir. ¡Gracias a gente como tú! Bueno, yo entré en esto por lo que me ocurrió, casi tengo que estar agradecido, pero yo conseguí curarme. Lo malo es la gente que no lo consigue y tiene que dejar su carrera, o que se tira muchos años lesionada, y eso es lo lamentable. Lo importante es que los profesores tomen conciencia de que los alumnos tienen que hacer ejercicio físico, calentar antes, y que adquieran unos hábitos posturales que van a ser luego cruciales, porque manos sólo tenemos dos y antebrazos igual y no podemos cambiarlos. Que sea algo constante, y de verdad que si se hace se consiguen resultados muy buenos. ¿Nos puedes recomendar alguna bibliografía para aquella gente que esté interesada en este tema? ______________________________________________________________________________________________________________________ En español está muy bien el libro de Esther Sardá Rico “En forma: ejercicios para músicos”. Hay otro libro que también está muy bien para pianistas que se llama “Aspectos posicionales y enfermedades profesionales de los pianistas”, de Marina Ferreira, pero es más complicado de conseguir ya que está editado en Chile. Yo, si tengo tiempo dentro de un año más o menos intentaré publicar un libro, si alguien me lo quiere publicar claro, porque cuando diga que los tratamientos convencionales no funcionan, no dan una solución real… pero intentaré hacerlo de todas formas, ya os contaré. Quién es Tomás Martín: El Dr. Tomás Martín es uno de los pocos Osteópatas españoles especializados en la prevención y tratamiento de las lesiones musculoesqueléticas relacionadas con la práctica instrumental. En la actualidad es Ayuda de Solista de Timbal en la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Catedrático de Percusión y Profesor de Ergonomía y Prevención de Lesiones Musculoesqueléticas en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. En enero de 2009 obtuvo el grado de Doctor por la Universidad de Valladolid, en su tesis: "Estudio sobre las lesiones producidas por movimientos repetitivos en músicos de Castilla y León. Factores de riesgo y tratamiento mediante osteopatía, masoterapia y crioterapia". Esta investigación despertó un gran interés en los medios de comunicación, haciendose eco de la noticia en prensa, radio y televisión. El aspecto más novedoso de esta investigación llevada a cabo con los estudiantes del grado superior de música de Salamanca, ha consistido en demostrar que la incorporación de un plan de prevención de riesgos e higiene postural en los conservatorios superiores provocaría una disminución muy significativa en el número de afectados entre los músicos, que con frecuencia padecen lesiones producidas por movimientos repetitivos debidas a la práctica de su instrumento. Por otro lado, la aplicación de tratamientos alternativos resultó de gran eficacia en el tratamiento de las epicondilitis laterales en músicos, siendo esta la primera tesis doctoral en España donde queda validada la eficacia de las diferentes terapias alternativas. Profesores de La Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Sinfónica de La Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta de La RTVE, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Nacional de España, profesores y estudiantes de los conservatorios profesionales y superiores de toda España, han utilizado La osteopatía y sus conocimientos sobre las patologías especificas que sufren los músicos como: sobrecarga muscular, tendinitis, tenosinovitis estenosante de Dequervain, síndrome del túnel carpiano, epicondilitis (codo de tenista) y epitrocleítis (codo de golfista), para recuperarse de sus lesiones y poder retomar su actividad profesional con normalidad. En los últimos años ha impartidos cursos y seminarios sobre la prevención y el tratamiento de lesiones musculoesqueléticas colaborando con los centros de formación del profesorado, conservatorios, universidades y orquestas sinfónicas de España y Colombia. En el verano de 2009 fue el director del curso sobre Prevención de Lesiones en músicos organizado por La Fundación Universidades de Castilla y León. Músico formado en Madrid y Amsterdam, premio extraordinario fin de carrera en el Real Conservatorio de Música de Madrid de 1993. Está en posesión de los títulos de Profesor Superior de Percusión, Doctor por la Universidad de Valladolid, Diplomado en Osteopatía Articular y Masaje Terapéutico. El Dr. Martín, miembro del P.A.M.A. (Performing Arts Medicine Association), investigaciones en el campo de las lesiones producidas por movimientos repetitivos en los tejidos blandos en músicos, ejerciendo como terapeuta especializado en el tratamiento de este tipo de patologías y ayudando al músico en su proceso de recuperación y concienciación. Web del Dr. Martín: www.musicosylesiones.com

Clarinetistas: Consejos para evitar lesiones

Algunas veces,más de las que sería conveniente, prolongamos las horas de estudio, sin los dencansos recomendados por los especialistas. Estamos "más estudiados" de lo que creemos. Los médicos, fisios, etc. están desde hace un tiempo, preocupándose mucho por las lesiones de los músicos,que son más de las que nos imaginamos. Perdonar que os hable de Valencia, pero es dónde vivo y de dónde más sé. Ya existen varias clínicas, especializadas en las enfermedades profesionales de los músicos. Las malas posiciones, la falta de relajación, y las muchas repeticiones de pasajes, nos hacen ponernos muy tensos, y seguimos sin darnos cuenta, que ha llegado el momento de descansar, y desconectar unos minutos. Cuando reanudamos el estudio, algunos pasajes que no salían, o aquel portamento que se resistía,ahora si que podemos tocarlo con más facilidad.Os dejo algunos consejos que deberiais seguir, para estudiar, o practicar, con las condiciones más favorables, para que el tiempo que estemos con el clarinete en nuestras manos, sea lo más productivo posible. (Elaborado por www.institutart.com y www.fcart.org) 1.No aumentes bruscamente las horas de ensayo o estudio (máximo 20 minutos más cada día). 2.Deja los pasajes y las piezas más difíciles para la mitad de la jornada, cuando la musculatura ya esté preparada pero todavía no agotada. 3.Empieza a una velocidad lenta y aumenta progresivamente la dificultad. 4.No te obsesiones en repetir un pasaje o gesto que no termina de salir bien. Busca alternativas u otras maneras de conseguir ese objetivo. 5. pausas de 5-10 minutos cada media hora. Puedes aprovechar para estirar la musculatura sobrecargada, mover suavemente las zonas más tensas o, simplemente, para andar un poco. 6.Mantén una posición correcta: apoyo equilibrado de los pies, buena postura sentado, trabajar la respiración, regular la altura del atril y la banqueta… 7.Trabaja en unas condiciones ambientales óptimas (luz, ruidos, temperatura). 8.Respeta las horas de sueño y las comidas. 9.Realiza alguna actividad física complementaria evitando los deportes de contacto. Esto te permitirá compensar desequilibrios y eliminar tensiones. 10.No toques nunca con dolor. En ese caso tienes que parar de tocar y realizar estiramientos suaves. Si reaparece en próximas sesiones debes pedir ayuda lo antes posible. 11.Realiza estiramientos de la musculatura antes y después de tocar.
 El objetivo del estiramiento es reducir la tensión, mejorar el rendimiento y la coordinación de los movimientos evitando la aparición de lesiones.


Andante y Allegro, de Hilarión Eslava David Val David Val

Una gratísima sorpresa encontrar un vídeo de una composición de Hilarión Eslava, por el que siento una profunda admiración y gratitud, pues con sus métodos empecé a estudiar Solfeo en mi pueblo, allá por el año...no me acuerdo. Además durante 8 ó 9 años toqué con la Orquesta Sinfónica Santa Cecilia de Pamplona, su Miserere, siempre el Jueves Santo, en la Catedral. Sus métodos de solfeo, sobre todo el primero, terminaron desahuciándolos por que sus lecciones eran demasiado pegadizas. Era así,en aquellos años, hasta los que no sabían música cantaban su celebérrima lección núm-22 de su primer método. do, mi,do,mi,sol,do,si,la,sol, fa,mi,do...etc,.Una vez terminabas el primer método, el segundo y tercero ya no era ni tan pegadizo ni tan fácil, por pegadizo. Curioso.Pasan los años y ahora se utilizan libros con canciones lo más pegadizas posibles para que los niños, " no se aburran" y les resulte fácil esos primeros años.Fue D. Hilarión Eslava un hombre que se adelantó a los que ahora piensan que los primeros años los métodos deben estar llenos de cancioncitas pegadizas? No lo sé, pero si que sé que nunca más se emplearon sus métodos. Os he hablado del Miserere de D. Hilarión. No puede ser más bonito, y seguro que la mayoría de vosotros nunca lo habéis escuchado. Yo tengo un recuerdo imborrable de aquellos Jueves Santos, cuando lo tocábamos en la Catedral,con el Orfeón Pamplonés, entonces junto al Orfeón Donostiarra, los mejores de España sin ninguna duda, la Catedral siempre abarrotada de público que año tras año se emocionaba escuchando el Gran Miserere, que algunos navarros,cantaban "por lo bajini", pues los sabían de principio a fin.Pues D. Hilarión también escribió para nuestro amado instrumento , y además para una prueba que ganó nada más y nada menos que D.Antonio Romero.Es un documento histórico en todos los sentidos. Soy un insensato, pues no le he escuchado, porque es muy tarde, pero estoy seguro que será muy bonito. Feliz día a tod@s La obra fue compuesta para las pruebas de clarinete a la Real Capilla de Madrid. No conocemos la fecha exacta de composición, ya que en el manuscrito que se conserva no aparece fecha alguna. Hilarión Eslava y Elizondo (1807-1878), nacido en Burlada (Navarra) fue un sacerdote recordado actualmente por su Método de Solfeo con el que han aprendido generaciones de músicos. Entró en la Real Capilla en 1847, pero desde 1844 estaba vinculado a ella supliendo en ocasiones al Maestro de Capilla, Rodríguez de Ledesma, muy enfermo por aquellos años. Es posible que la compusiera para las pruebas de clarinete que se celebraron en aquel año y que ganó Antonio Romero. El original es para clarinete y orquesta de cuerda. La versión de Bassus Ediciones ha sido adaptada a clarinete y piano y aparece en el CD "El clarinete romántico español" (Obras para clarinete y piano del siglo XIX). Al piano, Ana Benavides y, al clarinete, Pedro Rubio Olivares.

Curriculum-Entrevista a José Vicente Herrera, clarinete solista de la Orquesta de Valencia.

Cuando marché de Valencia, a trabajar cómo músico profesional después de ganar mi primera oposición,corría el año 1963. Ya ha llovido desde entonces. El atril de primer clarinete de la entonces Orquesta Municipal de Valencia, lo ocupaba D. Lucas Conejero, y también la plaza de profesor en el Conservatorio Superior de Valencia. Con él estudié todos los cursos de clarinete.Al regresar en el año 1983, el que ocupaba la plaza de primer clarinete, era un chico joven al que yo no conocía, pues aunque no lo sé seguro, seguramente tendría pocos años más, que esos 20 años que yo habia estado fuera de Valencia.No sé si fue en 1983 o un par de años después leí el programa del concierto que la Orquesta Municipal de Valencia daba los sábados por la mañana en el Teatro Principal. Nada más y nada menos, aquel sábado estaba programado el Concierto en La para clarinete y Orquesta de Mozart, y lo tocaba José Vicente Herrera. Naturalmente acudí con emoción a escuchar el concierto de Mozart, pues era la primera vez que lo iba a escuchar en directo. Para mí era un gran acontecimiento. Llegó el momento que salió José Vicente, con el clarinete y naturalmente acompañado por el director."Qué joven" pensé yo, y es que era muy joven.claro.Lo primero que llamó mi la atención fue su fantástico sonido.No era el sonido al que yo estaba acostumbrado, era distinto pero bellisimo.Cuando en aquel tiempo te alejabas de Madrid,Barcelona o Valencia ( 1963) perdías la oportunidad de escuchar lo mejor que había en España.En "Provincias" quedabas al margen de cualquier progreso, musical y sobre todo clarinetístico. Al terminar me encontré con un amigo que conocía a José Vicente, y me dijo que aunque ya era solista de la OMV estaba estudiando en Austria.Acabáramos, pensé yo.Cómo se notaba en el sonido, en el fraseo, en la musicalidad que aquel jovencito,había importado de aquellos magníficos profesores que estaban puliendo al ya magnífico clarinetista que era José Vicente.Pasados unos años, demasiados por cierto, coincidí con él en un almuerzo que todos los veranos organiza un amigo común y reune a los mejores clarinetistas valencianos que trabajan en las grandes orquesta españolas, Orquesta Nacional, Orquesta OBC, Orquesta de Valencia, Orquesta del teatro Les Arts,Valencia, etc,Desde aquel encuentro he tenido el placer de reunirme con este clarinetista varias veces, así cómo ir a escucharle al Palau de la Música dónde actualmente toca la Orquesta de Valencia.Es un buenísimo clarinetista y también una gran persona.Me honro con su proximidad, y tocar bajo su batuta en alguna ocasión en alguna que otra agrupación,Por cierto como director, hubiera podido ser tan bueno como tocando el clarinete. Os dejo su curriculum, una entrevista y una pequeña intervención suya, tocando como invitado en la OSRTVE. ________________________________________________________________________________________________________________________

JOSÉ VICENTE HERRERA ROMERO (Turís 1959) Procedente de familia de músicos, José Vicente Herrera ha dedicado toda su vida a la música, en concreto al clarinete. Primero, como estudiante, pasó en su juventud por el Conservatorio de Valencia, donde asistió a las clases de D. Lucas Conejero y D. José Mª Cervera. Después, decidió ampliar estudios en el “Mozarteum” de Salzburgo y en la "Musikhochschule" de Viena, así como en cursos en Suiza y Londres, con los profesores R. Jettel, A. Prinz, A. Brandhofer, K. Leister, J. Brymer y G. Pieterson. Es premio extraordinario fin de carrera, primer premio de Jóvenes Intérpretes de la Unión Musical Española y primer premio de Música de Cámara de Juventudes Musicales. Como solista ha interpretado los conciertos para clarinete de Stamitz, Mozart, Weber, Mendelssohn, Rossini, Debussy, Strauss y Krommer, con la Joven Orquesta de Cámara de España, Orquesta del Conservatorio de Valencia, Orquesta de Valencia y Orquesta Filarmónica de Mainz, así como los quintetos con clarinete de Mozart, Weber y Brahms con los cuartetos “Martín y Soler” y “Österreichisches Streichquartett”. También ha formado parte de diversas agrupaciones de Música de Cámara y Música Contemporánea. Además de su faceta como solista, destaca su labor docente desarrollada en cursos impartidos en diversos conservatorios, entre los que destaca el "Konservatorium Wien Privatuniversität". Desde 1981 pertenece a la Orquesta de Valencia, donde ocupa la plaza de solista. ENTREVISTA.- 1—Por qué el clarinete? Cuando empecé a los siete años, yo quería la percusión. Mi padre me lo quitó de la cabeza. Entonces dije que el clarinete como mi abuelo (materno) y mucho mas tarde comprendí que lo del instrumento es accesorio. Igual si hubiera sido ahora hubiera elegido el violín… no sé…________________________________________________________________________ 2—Vienes de un ambiente musical? En Valencia, ¿quien no viene de un ambiente musical?. Mi padre tocaba el bombardino, mi abuelo materno el clarinete. Me crié, como casi todos, en las bandas._________________________________________________________________________________ 3—Cuál es el maestro que más te ha impactado y por qué? He conocido a varios maestros: Hice la carrera en el conservatorio de Valencia con D. Lucas Conejero. Recibí algunas clases de Fco. Idilio Gimeno y José Talens. Despues, cuando pude, fui a cursos con Rudolf Jettel, Karl Leister, Alfred Prinz, Alois Brandhofer, Georg Pieterson, etc. El primer impacto fue con Jettel y después, quien me cambió la forma de ver la Música fue Prinz. No era solo “tocar” el clarinete, sino hacer Música. _____________________________________ 4—Me puedes decir si has ganado algún premio en tus estudios, concursos, etc? No soy muy fan de concursos. Gané el premio fin de carrera, un concurso de clarinete que convocaba la Unión Musical y, con un quinteto de viento, el de Música de Cámara de Juventudes Musicales.__________________________________________ 5—Cuál fue tu primera oposición. La ganaste? Tuve la grandísima suerte de aprobar la primera que hice (a la Orquesta de Valencia) y ahí sigo.___________________ 7—Trabajas cómo intérprete, enseñante, etc. Cuál de estos trabajos te gusta más y por qué? Cada faceta te da diferentes satisfacciones y te plantea diferentes problemas. Si hay un buen programa y un buen director, disfrutas mucho en los conciertos y sobretodo aprendes mucho en los ensayos. Y al contrario, con un director mediocre (que los hay) sufres de ver lo que se está haciendo con una obra. Dando clases obtienes satisfacción cuando ves un buen progreso en un alumno y también cuando algún alumno tuyo obtiene un triunfo en una prueba.___________________________________________________________________________________________ 8-- Cual es tu opinión sobre la música contemporánea? No es la Música que escucho. A veces tengo que tocarla en la Orquesta. Hay cosas muy bien escritas y otras que no tanto. Creo que como siempre, el tiempo hará su filtro._______________________________________________________________ 9—Puedes decirme que trabajo haces a diario para mantenerte y mejorar? Se podría decir que divido el estudio en “asignaturas” (sonido, escalas, etc.). Todos los días practico escalas (terceras arpegios, etc.) Si dominas esto tienes la mayor parte de la Música controlada. Algo de staccato, el repertorio que se me viene encima en la orquesta y, a veces, desenpolvo algún que otro estudio de algún método para divertirme._________________________________________________________________________________________________________ 10- Que sientes cuando sales al escenario? Si se que vamos a hacer una buena actuación (programa-director) me siento ilusionado. Por el contrario, cuando no va a ser así, es un poco como decimos en la orquesta, “vamos a la mina”. A veces hay que salvar al director o como decimos nosotros, salvar la obra a pesar del director.______________________________________________________________ 11- Que podrías decirnos sobre el miedo escénico? Mucha gente cree que por llevar muchos años en una orquesta te acostumbras. No es así, por lo menos en mi caso. Cada concierto es único. Siempre tienes el gusanillo en el estómago, sobretodo si tienes que enfrentarte a un solo complicado. Ayuda mucho el haberlo preparado a conciencia.___________________________________________________________ 12—Qué consejo le darías a un estudiante de clarinete? Que sea muy meticuloso en el estudio, muy crítico con él mismo. Y sobretodo que no se puede ser buen músico si no se es un melómano. Que escuche mucha música (no de clarinete), óperas, cuartetos de cuerda, lieder, cámara… desde contemporánea a renacentista, barroca, clásica… Y que no se deje deslumbrar por los malabarismos técnicos de algunas grabaciones. Se disfruta mucho más escuchando a Bach que a Jean Françaix.___________________________________________ Feliz día

Martinez Gallego / Spanish folk variations for Eb Clarinet and Wind Band./-clarinet Javier Llopis

Hace escasamente dos meses, publiqué del compositor Martínez Gallego, exactamente las mismas variaciones que publico hoy. Entonces la versión era para piano y clarinet en mib, y en esta ocasión, Martínez Gallego, la ha instrumentado para Banda Sinfónica, no sería extraño que en un futuro escuchemos una versión para orquesta. Del intérprete os dejé en aquella ocasión su curriculum y además publiqué una entrevista. Es un gran clarinetista, que está en una forma increible, pues muy en forma hay que estar, para ponerse delante de una partitura tan difícil y tocarla con esa facilidad.Cómo decia entonces, es una fantasia que el virtuosismo se convierte casi en malabarismo, y Javier, lo toca con una gran claridad, gran y bello sonido, y además, "hace música" Es de justicia que haga mención al compositor de la obra. Un hombre joven, que está, como suele decirse en racha.Gana premios, uno tras otro.Eligen sus obras para que se interpreten como obligadas en el Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia.Viaja a EEUU a asesorar bandas de las universidades que interpretan sus magnificas composiciones,y en definitiva es un TRIUNFADOR.(Sus horas de estudio le habrá costado) Os dejo, una pequeña biografía que he encontrado en Wikipedia, ya desfasada, pues faltan muchas composiciones posteriores entre la que destaca Spanih folk variations for Eb clarinete and Wind Band.Felicidades Maestro. MARTINEZ GALLEGO ------------------------- Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de la Sociedad Musical La Armónica de San Antonio de Requena, posteriormente al cabo de los años entró en conservatorios de Murcia, Torrente y en la ciudad de Valencia donde obtuvo el título superior de clarinete en el año 1994, pasando a centrarse principalmente en trabajar como profesor de clarinete, director de bandas y también como compositor de obras musicales. En 1998, decidió ampliar más sus estudios teniendo como profesores entre los más destacables Jan Cober y José Rafael Pascual Vilaplana, que luego centró su trabajo como director se centró en las agrupaciones S.M. El Arte de Sinarcas, la banda juvenil de la S.M. La Armónica de San Antonio y el grupo Armónic Brass. No obstante también se quería dedicar plenamente a la composición, la cual amplió su formación teniendo como profesores a los compositores Daniel Flors, Ferrer Ferrán, Teodoro Aparicio Barberán y Miguel Ángel Matéu. Entre sus composiciones contiene un amplio catálogo de obras con más de 20 pasodobles, marchas moras, marchas procesionales, música de cámara y música clásica para banda y orquesta entre las que destacan Cantata Profana, Concierto para Piano y Orquesta, Concierto para Trompeta y Orquesta de Cuerda, Akhenatón, La Concepción 1910, Monumentos, Theatrum, Españolada nº 1, Los Caprichos de Goya, etc, con sus obras musicales ha logrado ganar numerosos concursos de composición. En el mes de junio de 2010 finalizó el grado superior de composición por el Conservatorio Superior de Música Salvador Seguí de Castellón de la Plana, donde estudió con profesores como por segunda vez con Ferrer Ferrán y con César Cano Forrat, Miguel Ángel Berbis López, Claudia Montero, Jesús Vizcaíno y Emilio Calandín Hernández. Actualmente es profesor de armonía, análisis y fundamentos de la composición en el Conservatorio Profesional Mestre Molins de Cuart de Poblet. También es miembro de la Asociación de Compositores Sinfónicos Valencianos (COSICOVA) y de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). Feliz dia a tod@s.Se admiten seguidores. Hace tiempo que el 72 está ahí.Gracias

Dr. Tomás Martín sobre la salud en los músicos

Me preocupa las lesiones que los músicos al pasar los años sufrimos. En realidad a mí ya no me preocupa, porque a mi años NO creo que no voy a sufrir ya ninguna lesión.Es por que a falta de una desinformación total y abosuluta en los años que yo estudiaba el clarinete, y los muchos años más que he sido profesional, he padecido alguna dolencia, que desconocía su prervención. En más de una ocasión me dolia el brazo derecho muchisimo, y nunca se me ocurrió pensar que era por mantener el clarinete tantas horas, algunas veces sin mediar un descanso a su debido tiempo. Pues bien ahora existe muchisima información y no sólo información sino que en muchas clínicas y hospitales privados se tratan las enfermedades profesionales de los músicos.Enfermedades que son muchas, y en algún caso irreversibles.Encontré un blog muy interesante que habla de un doctor osteópata, que además es músico. El Dr. Tomás Martín del cual os dejo su CV. y una entrevista que figura en el blog.El blog es muy interesante y naturalmente os dejo la url, por si os apetece visitarlo, y para citar la fuente de la cual he copiado la entrevista.Ese ha sido todo mi "mérito".. http://www.entre88teclas.es/entrevista-tomas-martin-salud-lesiones-musicos ______________________________________ CURRICULUM.- ------------------- ------------------ Tomás Martín López ------------------- El Profesor Martín es uno de los pocos Osteópatas Europeos especializados en la prevención y tratamiento de las lesiones musculoesqueléticas relacionadas con la práctica instrumental. El Dr. Martín, asesor-revisor de la Journal of Sport and Health Research, investiga en el campo de las lesiones producidas por movimientos repetitivos en los tejidos blandos en músicos, ejerciendo como terapeuta especializado en el tratamiento de este tipo de patologías, ayudando al músico en su proceso de recuperación y concienciación, es miembro del P.A.M.A. (Performing Arts Medicine Association). En la actualidad es Ayuda de Solista de Timbal en la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Catedrático de Percusión y Profesor de Ergonomía y Prevención de Lesiones Musculoesqueléticas en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. Imparte cursos y seminarios regularmente sobre la prevención y el tratamiento de lesiones musculoesqueléticas colaborando con los centros de formación del profesorado, conservatorios, universidades y orquestas sinfónicas de España y Colombia. En el verano de 2009 fue el director del curso sobre Prevención de Lesiones en músicos organizado por La Fundación Unversidades de Castilla y León. Músico formado en Madrid y Amsterdam, premio extraordinario fin de carrera en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid de 1993. Está en posesión de los títulos de Profesor Superior de Percusión, Doctor por la Universidad de Valladolid, Diplomado en Osteopatía Articular y Masaje Terapéutico ENTREVISTA ----------------- ----------------- Un alto porcentaje de músicos sufre alguna lesión a lo largo de su vida profesional. Una buena formación y unos hábitos adecuados podrían ayudar a evitar las lesiones relacionadas con la praxis musical. Tomás Martín es profesor superior de percusión, percusionista de la Orquesta de Castilla y León, osteópata especializado en el tratamiento de las lesiones en los músicos y Doctor por la Universidad de Valladolid, y ha tenido la amabilidad de hablar con nosotros acerca de estos temas. ¿Cómo llegaste a ejercer la doble faceta de músico y terapeuta? Yo era un músico normal, estudie mi carrera de percusión, y cuando tenía dieciocho años me lesioné el antebrazo y la mano izquierda y tuve que dejar de tocar durante un año. Tras muchas vueltas (fui a traumatólogos, me hice todas las pruebas diagnósticas que estaban en la época, incluyendo dos escayolas, hice meses de rehabilitación, y hasta me infiltraron en los tendones) me encontraba en el mismo punto, sin tocar absolutamente nada. Ya a punto de dejar la profesión, encontré un osteópata y en unas 3 semanas me recuperé para tocar con normalidad. Por eso me decidí, después de padecer esta lesión, a tratar a otros músicos, ya que no parecía tener mucho sentido que después de tanto calvario la solución resultara ser tan obvia para otras disciplinas, y sin embargo para la traumatología llevara tanto tiempo ¿Por qué los músicos somos tan propensos, en general, a tener dolores y lesiones de diferentes tipos? Pues por la falta de educación. Nos educan en muchas materias, pero ninguna asignatura se utiliza para intentar solucionar los problemas que al final "acaban teniendo todos los músicos", que son siempre muchos, y que ocurren por realizar siempre los mismos gestos sin prepararse para realizarlos Ese es el problema, si lo comparamos con los deportistas, todos los días de entrenamiento empiezan con un calentamiento. En el caso de los músicos, el profesor que se preocupa, enseñará a los alumnos a evitar lesiones y el que no haya tenido esa formación posiblemente acabará teniéndolas. ¿Con eso quieres decir que con una buena prevención se podrían evitar las lesiones? Claro, si tú incorporas estas disciplinas y estos conocimientos a los alumnos, éstos se hacen mucho más resistentes a las patologías, y sobre todo los estudiantes crean unos hábitos regulares de estudio, en los cuales entre el calentamiento, los descansos y el enfoque inteligente del estudio se puede evitar que finalmente se lesionen. ¿Entonces no hay relación entre la técnica y las lesiones? No, no. Hay mucha gente que piensa que los músicos se lesionan porque tocan mal, pero eso es incorrecto, no es que toquen mal, es que sobrepasan su límite fisiológico, o también que no toman una serie de pautas para evitar lesiones. Si eso fuera verdad sólo se lesionarían los músicos que tienen mala técnica, y eso no es verdad, se lesionan tanto aquellos que tienen una mala técnica como los que la tienen buena. Con mala técnica tendrás más riesgo pero con buena técnica también lo hay aunque sea menor. Has hablado de la importancia de la prevención. ¿Qué rutinas referentes a ésta deberíamos incluir en nuestras actividad cotidiana? Calentamiento previo siempre a la sesiones de estudio y descanso. Los descansos tienen que ser cronometrados, 40/50 minutos de música y 10 de parar automáticamente, sin irse al ordenador, ni a la consola, ni hacer absolutamente nada con las manos. Si te apetece puedes estirar, beber un vaso de agua e hidratarte o simplemente descansar. Un estudiante de grado superior o un profesional necesita dedicarle muchas horas al instrumento. ¿Cuál es el máximo de horas diarias que recomiendas para tocar? Depende de la persona pero normalmente entre seis y siete horas como mucho. ¿Sobrepasar ese tiempo puede acarrearnos problemas? Claro, además es que si piensas en la cantidad de horas, a lo mejor es que el estudio no se está realizando de manera inteligente. Al igual que en un deporte programas tu entrenamiento, también podrías programar tu estudio en función de lo que quieres conseguir, cuantos días tienes hasta la siguiente clase, o el siguiente concierto. Yo creo que tampoco nos han enseñado cómo estudiar, eso es un problema que también es fundamental. Repetir por repetir no sirve para nada, si repites los pasajes siempre igual a la misma velocidad siempre fallarás en lo mismo. Dedicarle tantas horas al instrumento y el agotamiento que ello conlleva suele dejar poco tiempo para otras actividades, entre ellas el deporte. ¿La forma física en general influye? Si claro, si los músculos y tendones son más fuertes, son más resistentes a las lesiones, por eso hacer alguna actividad física aparte del instrumento es importantísimo. La alimentación también es fundamental. ¿Y qué tipo de actividad física es más recomendable? Pues correr, nadar... yo siempre recomiendo a mis pacientes que vayan al gimnasio al menos una vez a la semana a fortalecer la musculatura. ¿Hay algún deporte que no sea recomendable? El tenis para pianistas e instrumentistas de cuerda, ya que haces que los músculos flexores y extensores, que trabajan continuamente, trabajen más aún. También los deportes de mano como el baloncesto pero por el riesgo de lesión que conllevan en las extremidades superiores más que por el deporte en sí. Todo lo relacionado con mantener una buena postura ante el instrumento también es fundamental. En este sentido, ¿yoga, técnica Alexander y otras disciplinas relacionadas son recomendables? Si, claro, y taichí o Feldenkrais también, todas esas técnicas que trabajan el equilibrio entre mente y cuerpo son muy recomendables, lo único es que ese tipo de disciplinas no curan si uno tiene una patología. Estas técnicas son muy saludables para tomar conciencia de nuestro cuerpo, de que tensiones tienes y de cómo eliminarlas, pero una vez que uno ya está curado de la enfermedad o lesión que pudiera tener. Centrándonos en los pianistas, ¿cuales son los problemas más comunes? Pues lesiones en las manos, tendinitis, codo de tenista y codo de golfista, tendinitis del bíceps y sobre todo problemas de contracturas a nivel cervicodorsal, dolores de espalda (dorsalgias y lumbalgias). Hay especialistas que dicen que unos instrumentistas generan unas patologías y otros otras, pero en realidad casi siempre son las mismas porque se utilizan siempre las extremidades superiores para tocar, así que la gran mayoría están relacionadas con el sobreuso de las extremidades superiores. ¿Y para este tipo de lesiones cual es el tratamiento más adecuado? Una mezcla entre osteopatía, masaje tradicional, masaje cyriax, la técnica de los puntos gatillo y utilización de frio. Esas cinco disciplinas juntas solucionan muy bien los problemas de tejido blando, como tendinitis o epicondilitis. Estas técnicas son con las que yo trabajo y los resultados son muy buenos. Cuando uno tiene un problema y acude al médico le suelen mandar reposo y antiinflamatorios. ¿Es eficaz este tratamiento? No, el reposo no cura ninguna lesión. Si ha sido una lesión leve, producida por un momento puntual, el descanso sí que cura (siempre que descanses un par de días), pero si se trata de una lesión más severa no te va a hacer absolutamente nada. Hay una creencia muy extendida entre los instrumentistas y es que hay cosas que duelen, seguro que muchos de nosotros hemos escuchado cosas como “para que esto salga tiene que doler”, ¿es eso cierto? Eso es un error gravísimo. Si duele significa que te estás lesionando y tu cuerpo te va avisando. Y si lo sigues haciendo, vas a acabar lesionado. Esa creencia de que esa extensión o ese ejercicio deben crear dolor no tiene ningún sentido. Si hay ejercicios que son más complicados hay que trabajarlos más lento, más relajados, para que no produzcan dolor. Entonces, ¿cuáles son los síntomas realmente preocupantes para decir tengo que ir al médico o dejar de tocar, porque esto ya no es una cosa puntual como comentaste antes? Si es algo puntual normalmente paras, descansas esa tarde o un día y al día siguiente al realizar tu actividad deja de doler. Si dura más días significa que la lesión es más grave y si se mantiene en el tiempo, significa que el cuerpo no ha podido solucionarlo, entonces se empieza a cronificar. Cuando la lesión es permanente y siempre que tocas te molesta o ya incluso haciendo actividades de la vida diaria molesta también, significa que es una lesión seria y tienes que parar e intentar solucionarlo. ¿Lo óptimo que sería, parar de tocar? Para de tocar, a no ser que sea algo muy, muy grave y que el dolor te impida tocar, no lo recomiendo nunca; se debería tocar un poquito para que no perder masa muscular y no perder agilidad. Y en el caso de que el músico note molestias pero tenga compromisos profesionales (conciertos, exámenes de cualquier tipo o sea pianista acompañante) y no pueda dejarlo, entonces ¿qué debería hacer? Si te ocurre eso tienes que buscar un terapeuta que te trate a la vez, en ese momento. Si no, lo que vas a hacer es acabar destrozado. ¿O sea, que se puede compaginar lo que es la práctica con el tratamiento? Si, yo he tratado a gente de alto nivel que tienen un calendario que no pueden cancelar, y se han curado. Depende también de tu edad, de tu técnica, como estés físicamente, si estás más saludable o menos. Si la lesión es muy grave tienes que parar totalmente, pero si la lesión no es demasiado grave se puede compaginar las dos cosas, y cambiando sobre todo la mentalidad del músico, que ha venido lesionado y cuando vuelve a su actividad tiene que cambiar unos parámetros, no puede hacer lo mismo que hacía antes, tiene que calentar, descansar, fortalecer un poco la musculatura, y esa es la piedra angular de toda esta historia, hay que intentar concienciar y que realmente cambie el concepto de músico y verse casi como un deportista. ¿Hay algún momento en el que la curación ya no sea posible, alguna frontera en la que la lesión sea ya irreversible? Yo no me he encontrado con nadie, pero supongo que si te han infiltrado, se ha degenerado el tendón y el tendón se ha calcificado (lo que significa que la hidrocortisona se ha quedado dentro del tendón), entonces ahí el único remedio es la cirugía, y ésta a veces puede empeorar aún más las cosas en vez de solucionarlas, pero en cuanto a lesiones músculo-esqueléticas que es lo que yo trato, no me he encontrado a ningún músico que haya tenido que dejarlo, a no ser que sea distónico, que es otra enfermedad totalmente distinta, un desorden del patrón de movimiento de origen neurológico que yo no trato. En España este tema como vemos está muy descuidado, apenas aparece en los planes de estudios de los conservatorios superiores, ¿por qué es eso? La medicina de la música es una disciplina que empieza en 1981, hace treinta años, por lo que es bastante novedosa. Los músicos no han interesado demasiado a la medicina porque es un colectivo muy pequeño. Poco a poco habría que ir concienciando a los directores y sobre todo a los políticos de que los músicos son un campo en el cual el índice de lesiones es muy alto y si se previene desde los grados medios y grados superiores sería excelente para que pudieran realizar su carrera completamente. Pero el problema es que si los directores y los profesores no demandan esta asignatura, los planes de estudio se hacen siempre orientados a los aspectos teórico-prácticos de música, pero no de otras cuestiones, lo cual es un error lamentable. El hecho de que exista una asignatura en los conservatorios superiores ya es un avance, pero ¿sería bueno empezar desde grados inferiores, incluso desde grado elemental? Grado elemental creo que no. En mi opinión el curso óptimo para empezar sería entre quinto y sexto de grado profesional. En el grado elemental los alumnos casi no tienen tiempo de estudiar, ahí se produce un filtro, y el otro filtro grande se produce entre quinto y sexto de grado profesional, ya que son alumnos que tienen que estudiar mínimo unas cuatro o cinco horas a la semana o más, y entonces los alumnos que no estudian esa cantidad lo suelen dejar. En el quinto sería un buen año porque ya toman conciencia de quien quiere ser músico profesional y quien quiere acabar el grado medio con una técnica y unos conocimientos más o menos aceptables. Aquí en el conservatorio de Valladolid se intentó incluir la asignatura en el Grado profesional, pero la Junta de Castilla y León dijo que no porque había que contratar a otro profesor. Yo sé que se ha intentado en más conservatorios pero la administración suele decir que no. La solución sería que un profesor del centro la impartiera, pero claro, hay que formarse para estas materias. ¿En otros países es igual? No, en otros países, por ejemplo en Estados Unidos o Inglaterra, las universidades de música tienen un departamento que colabora con las universidades de medicina, así que hay cursos permanentes donde los alumnos si se lesionan tienen orientación y formación. En España estamos siempre un poquito atrás pero estamos trabajando para que eso deje de ocurrir. ¡Gracias a gente como tú! Bueno, yo entré en esto por lo que me ocurrió, casi tengo que estar agradecido, pero yo conseguí curarme. Lo malo es la gente que no lo consigue y tiene que dejar su carrera, o que se tira muchos años lesionada, y eso es lo lamentable. Lo importante es que los profesores tomen conciencia de que los alumnos tienen que hacer ejercicio físico, calentar antes, y que adquieran unos hábitos posturales que van a ser luego cruciales, porque manos sólo tenemos dos y antebrazos igual y no podemos cambiarlos. Que sea algo constante, y de verdad que si se hace se consiguen resultados muy buenos. ¿Nos puedes recomendar alguna bibliografía para aquella gente que esté interesada en este tema? En español está muy bien el libro de Esther Sardá Rico “En forma: ejercicios para músicos”. Hay otro libro que también está muy bien para pianistas que se llama “Aspectos posicionales y enfermedades profesionales de los pianistas”, de Marina Ferreira, pero es más complicado de conseguir ya que está editado en Chile. Yo, si tengo tiempo dentro de un año más o menos intentaré publicar un libro, si alguien me lo quiere publicar claro, porque cuando diga que los tratamientos convencionales no funcionan, no dan una solución real… pero intentaré hacerlo de todas formas, ya os contaré. Web del Dr. Martín: www.musicosylesiones.com

B.H.Crusell Three Progressive Clarinet Duets. Nr.1 in F.

El dúo nº 1 de Crusell, para dos clarinetes, de los tres que compuso, quizá sea el menos conocido. Los clarinetistas Carlos Casanova y Wolfang Meyer, nos ofrecen una excelente versión del mismo. De Carlos Casanova, existe un vídeo ( creo que ya, no, porque se eliminó de Youtube), que toca un disco titulado Una noche en la ópera, con fantasias sobre varias óperas. Magnífica la interpretación de Carlos Casanova, que desgraciadamente, se eliminó.No obstante si queréis leer sobre su vida profesional tiene una página Web dónde podéis acceder http://carloscasanova.es/.y además contiene varios vídeos dónde podéis escucharle. Wolfang Meyer, clarinetista con un gran talento, es el hermano de Sabine Meyer, que a decir verdad no sé si le ha perjudicado o lo contrario. No me atrevo a opinar ni menos a comparar entre su hermana y él, pero desdeluego si gran clarinetista es Sabine,también lo es Wolfang.

Dn. Julio Belda Vaguer, es un hombre que si no estoy equivocado es médico. Tiene un magnífico blog, dedicado a la música en general, y merece la pena visitarlo de vez en cuando pues sus aportaciones musicales, y sus comentarios son extraordinarios. De su blog, copio, lo que a continuación podéis leer sobre Crusell. Gracias D. Julio por su labor impagable. Crusell fue famoso, primero por su virtuosismo y después, como indicábamos, por haber escrito música principalmente para su instrumento, en este caso, el clarinete, que, tras estudiar en Berlín con el pionero Franz Tausch, contribuyó a mejorar de forma significativa siguiendo posteriormente en París donde tomó también contacto con otro artista importante como Jean-Xavier Lefevre, que llegó a dar al clarinete su sexta llave. Crusell en sus mejores etapas llegó a tocar un clarinete que tenía de ocho a once llaves fabricado en Dresde por Grenser y Wiesner de manera específica para él. De su etapa alemana se afianza en él la máxima del maestro Tausch: primar la belleza del sonido del instrumento sobre la técnica. Comenzó a estudiar composición inicialmente en la Banda de Música Militar de Sveaborg uno de cuyos miembros lo acogió en su familia y facilitó su traslado posterior a Suecia en donde logró el puesto de clarinetista principal de la Real Orquesta de la Corte y pudo proseguir de forma seria esos estudios iniciales a partir de 1790 y lo hizo con Vogler, Böritz, Berton y Gossec entre otros maestros. Su ámbito de formación y actuación básicamente estuvo entre Suecia, Francia, Alemania con alguna salida a Rusia e Inglaterra. En cualquiera de estos lugares el éxito obtenido como intérprete fue siempre notorio. Sus composiciones más destacadas fueron para el clarinete pero escribió también para muchos otros instrumentos y abundante música vocal amén de ser un reputado traductor al sueco de las óperas más célebres del repertorio de la época (era un experto lingüista). Los tres Conciertos para Clarinete de Crusell fueron editados en Leipzig entre 1811 y 1829 y nos dan muestra de unas obras de relativa dificultad instrumental, pero que precisan de gran belleza sonora, limpieza de ataque, afinación y agilidad y sutileza en su interpretación. Es una música de gran belleza, bien hecha y desarrollada, con estructuras sonatísticas, unos muy animados movimientos extremos y melodiosos andantes que son verdaderamente bellos y reconfortantes. Particularmente bellos resultan el Andante de su Segundo Concierto, el tercer movimiento Alla Polacca del nº 3 y el precioso Adagio del nº 1. http://juliosbv.blogspot.com.es/2013/02/bernhard-henrik-crusell-conciertos-para.html Feliz día a tod@s

Respiracion Diafragmática

Más sobre la respiración diafragmática? Pues si, puesto que más vale una imagen que mil palabras, os dejo un vídeo donde se ve, perfectamente cómo actúa el diafragma y todo el sistema respiratorio.Muy pedagógico si lo queréis enseñar a vuestros alumnos.Total son menos de tres minutos, pero merece la pena visionarlo. Nunca lo ví tan claro como en este vídeo. Espero que ya que cada vez nos preocupa más la columna de aire, y la enseñanza afortunadamente, va encaminada , a enseñar a inspirar y expirar lo mejor posible seguro que os ayudará a los que no lo tenéis claro, y como digo anteriormente, para que lo vean vuestros alumnos, aquellos que tenéis la bonita profesión de enseñantes. Feliz día a tod@s.

Cuarteto Manuel de Falla. Nuevo CD

Desde hace unos días  se encuentra a la venta un magnífico Cd. grabado por el cuarteto de clarinetes,
Manuel de Falla .El cuarteto de clarinetes Manuel de Falla, está compuesto por cuatro destacados clarinetistas, a los que supongo conocéis. Enrique Pérez Piquer,Adolfo Garcés, Jorge Gil, José V.Selva.
Un  CD. sumamente interesante , en el que todas sus obras son de cuatro compositores españoles. Nada más y nada menos que Manuel de Falla, Joaquín Turina, Isaac Albéniz y Enrique Granados. Todos los arreglos, los han hecho los componentes del cuarteto  y además me consta que han dedicado mucho tiempo para preparar el CD.
De Falla, nada menos que una fantasía sobre el Amor Brujo, y una suite de Danzas,
De Isaac Albéniz las célebres, Cádiz,Granada,Cuba Asturias. La Oración del torero de Joaquín Turina.
Danza  Oriental y Andaluza de Enrique Granados.

No  he tenido el placer de escucharlo todavía, pero mañana sin falta lo adquiero, y lo escucho porque tengo la seguridad que va a ser un disco muy interesante, con una gran interpretación , pues los  cuatro clarinetistas, además de grandes      profesionales de nuestro amado instrumento,tienen un enorme formación musical en todos los aspectos.
Bienvenido el Cd. y espero  tenga un gran éxito de ventas, porque estos  clarinetistas merecen el reconocimiento a su valía y a su magniifica labor  al dedicar un CD. a cuatro compositores españoles, que compusieron música que suena en todo el mundo. Felicidades al cuarteto Manuel de Falla.

P. Sarasate: Zigeunerweisen (Jaehee Choi/ Charles Neidich/ NFA Orchestra/

Ya he publicado dos vídeos de esta joven y magnífica clarinetista. En más de una ocasión he dejado de publicar vídeos por no poder ilustrarlos, con algún dato, del o de la clarinetista protagonista del vídeo. Es cómo si la publicación no estuviera a la altura de lo que yo pretendo, que no es sino, dar a conocer a nuevos intérpretes.Cómo podréis comprobar Jaehee Choir es una chicka oriental, que cómo otros intérpretes de nuestro querido instrumento, emergen de China, Japon, Corea,etc. con una fuerza y calidad impresionantes. En fin siento mucho no poder deciros nada más sobre la intérprete, y al director,Charles Naidich lo conocéis de sobra. No sería extraño que Jaehee, sea alumna de Naidich,clarinetista que se ha desplzado en muchas ocasiones a los paises orientales,a dar conciertos y muchas Master Class. FEliz día a tod@s