viernes, 15 de diciembre de 2017

Crusell clarinet concerto number 2/ Clarinete Vicenzo Casale

El concierto de Crusell número 2, es uno de los conciertos más interpretados por la mayaría de los clarinetistas en conciertos,y creo no equivocarme figura en los programas de la mayoría de los consevatorios. Escucharlo tocado con un clarinete de época,es un verdadero lujo. Si además el resto de la orquesta también usa instrumentos históricos, la audición es sumamente placentera y con sabor de autenticidad.
 Dispongo de televisión por cable y dos cadenas que emiten música clásica durante las 24 horas. Los conciertos con instrumentos históricos están de plena actualidad. La programación de la mencionada cadena, emite muchos conciertos con estos instrumentos, que si al principio resultan un tanto "extraños" al oído, después se escucha la versión con instrumentos actuales y son los que suenan "extraños" Ese sonido tan sumamente dulce del clarinete de la época de Mozart o de Weber, o sea el clarinete clásico y el romántico tienen algo especial en el sonido y en la afinación que no poseen los actuales, mucho más "poderosos" en todos los sentidos. 
En el SMUC de Barcelona existe la asignatura a cargo de Lorenzo Coppola, pero desgraciadamente en el resto de concervatorios españoles no. Me decía un gran clarinetista que toca todos los clarinetes históricos, que después de tocar el concierto de Mozart con el clarinete de la época, mejoró mucho su interpretación con el clarinete actual. Los tiempos primero y tercero del mencionado concierto en la actualidad se tocan según mi modesto criterio, con un metrónomo altísimo que sin duda desvirtúa lo que Mozart escribió para el clarinete de la época porque entre motivos con el clarinete de entonces no se podía tocar tan rápido, ni sonar tan amplio.Una de las versiones mas fieles del concierto de Mozart, creo que es la que grabó Alfred Prinz (q.e.p.d.)con la Filarmónica o Sinfónica de Viena que dirigió el gran especialista en Mozart, Karl August Leopold Böhm,nacido en Graz, en 1894 y que falleció en Salzburgo en 1981. No quiero ocultaros que hay clarinetistas que no están de acuerdo en lo que yo opino, pero para que podáis comprobarlo os recomiendo la audición de la versión que os menciono.Está en la etiqueta correspodiente en el blog. Gracias por visitar el blog y feliz día.  








Vicenzo Casale 








Vincenzo Casale (1981) es un clarinetista y director de orquesta italiano, que se ha especializado durante los últimos 10 años en la práctica la música  histórica con instrumentos originales. Él es muy solicitado en Europa

lunes, 11 de diciembre de 2017

Lyuta Kobayashi ( Age 9 ) plays F.Krommer Clarinet Concerto Es Dur op.36 1.Movement

Sorprendente Lyuta Kobayashi. Con sólo 9 años toca Krommer con una soltura increible no exenta de calidad.. Me encanta descubrir niños con ese talento que augura un futuro fantástico.
He buscado y encontrado, otro vídeo en el que toca Weber, con 13 años.Crecer no ha crecido mucho de estatura, pero clarinetisticamente, vosotros mismos podréis juzgar que camino tiene este chaval por recorrer. Puede llegar a ser un "monstruo" del clarinete.Desear que ese futuro por la razón que sea no se trunque y dentro de unos años estaremos escuchando en Lyuta Kobayashi, un grandísimo clarinetista. 
 Feliz día
.  
Lyuta Kobayashi ( Age 13) plays C.M..v.Weber clarinet concerto Es Dur op.74

viernes, 8 de diciembre de 2017

François Etienne Mozart Concerto pour clarinette KV 622 Orchestre Maurice Hewitt

Según mi criterio una publicación muy interesante, nada menos que del año 1954 , con un clarinetista nacido en 1901,nada más y nada menos.En la actualidad es obvio que tendría 116 años. No nos preguntamos muchas veces, cómo sonaría el clarinete, en aquellos años,?,( yo no,que ya tocaba , y eso quiere decir lo viejo que soy), pues para los jóvenes creo que será sumamente pedagógico escuchar a François ETIENNE, en el sublime concierto de Mozart, y también a la orquesta.No es necesario comentar nada.Escuchad y preguntaros cómo es posible que en aquellos años, con materiales infames, con recursos mínimos, se podía tocar con tanta calidad. Muchas gracias por visitar el blog y feliz día  
Intérpretes 
François Etienne, clarinette 
Orchestre Hewitt 
Direction: Maurice Hewitt 







François Etienne










Hijo de Jean François Marius, un trabajador portuario de Toulon, y Augustine Celestine Veslin, François Marius Louis ETIENNE nació el 12 de abril de 1901 en Toulon. Sus padres, que no eran insensibles a la música, lo hicieron comenzar estudios de música en el Conservatorio de su ciudad natal, y luego dirigidos

martes, 5 de diciembre de 2017

¿Es importante el material de construcción en el sonido de los instrumentos de viento-madera?

Mucho se ha escrito y en la actualidad   mucho más, sobre el materail utilizado en la construcción de los clarinetes y la influencia del mismo en la sonoridad. Creo que todos sabéis que los clarinetes de la gama alta, y los de no tan gama alta, se construían de madera de Ebano y en el presente de Granadillo Negro, aunque ni esto se ponen de acuerdo los entendidos. Hay quien dice que el Ebano y el Granadillo Negro son la misma madera con nombres distintos por aquello de que en cada sitio se denomina al árbol que produce la madera de distinta manera. Si os soy sincero yo no lo sé con certeza, pero lo que si he leído  mucho sobre la sonoridad de los clarinetes de distintas maderas.Las opiniones son dispares, pues los científicos  y los músicos no suelen opinar lo mismo, inclinándose aquellos por la  teoría que suenan igual auque el material de fabricación sea distinto y lo contrario algunos  músicos. 
La opinión del Catedrático y Doctor en Música Vicente Pastor, creo que es lo suficientemente interesante, y por lo tanto publico un artículo relacionado con el tema.
Gracias por visitar el  blog...feliz día

Los músicos a menudo utilizamos adjetivos de color para describir el sonido de nuestro instrumento: sonido brillante, oscuro, mate, rico… Al mismo tiempo, solemos asociar un determinado sonido en función del material de construcción. Sin embargo, los científicos no han encontrado suficientes evidencias que permitan relacionar el material de construcción del instrumento con su calidad tonal. Entonces, ¿en qué medida el material de fabricación tiene un efecto en el sonido que produce el instrumento?
El efecto del material con el que se construyen los instrumentos sobre sus propiedades acústicas ha sido motivo de controversia entre los músicos y los físicos. Un músico experimentado es capaz de reconocer la mínima diferencia de sonido que se produce entre dos instrumentos construidos con diferentes materiales –por ejemplo una flauta de plata o de oro, o un clarinete de madera de ébano o de un material sintético como el Delrin-, aunque le resultaría complicado identificarlos. Los fabricantes y los instrumentistas también son conscientes de los sutiles cambios en las propiedades acústicas de un instrumento cuando se utilizan diferentes materiales para las almohadillas de las llaves o para el diseño del tubo. Sin embargo, se plantean numerosas dificultades para evaluar y cuantificar la influencia del material de construcción del instrumento en su respuesta acústica, y por tanto, en su sonido. Varios experimentos de percepción sonora a un público especializado han sido realizados con instrumentos fabricados por diferentes materiales, pero ninguno ha demostrado suficientes evidencias. En este sentido, aunque la mayoría de músicos sí han sido capaces de distinguir sutiles diferencias de color entre un instrumento y otro, no ha habido consenso en cuanto a asociar esas diferencia tímbricas con un material u otro.
El sonido que percibimos es el resultado de la cantidad de energía en varias frecuencias relacionadas armónicamente que el instrumento es capaz de radiar. En el caso de los instrumentos de cuerda o de percusión, las propiedades mecánicas del material es fundamental dado que el cuerpo del instrumento también participa de la vibración, y por tanto, el sonido es radiado por toda su estructura. Sin embargo, en los instrumentos de viento-madera esta influencia es prácticamente despreciable ya que las paredes del tubo no vibran lo suficiente como para radiar sonido audible debido a su densidad y/o grosor, y por tanto el sonido en este caso depende estrictamente de la geometría del tubo y  del comportamiento de la columna de aire que encierra. En este caso el sonido se radia estrictamente por los orificios abiertos y la vibración de las paredes es prácticamente despreciable. No obstante, coexisten otros factores físicos, pero también psicológicos, que coadyuvan al músico a percibir sutiles cambios en el color del sonido de su instrumento. Generalmente estos ligeros cambios solo son percibidos por el instrumentista.
Por lo que respecta a los factores físicos, las paredes del tubo del instrumento influyen en cierta medida en el comportamiento de las vibraciones de la columna de aire debido a las pérdidas de energía sonora -viscosas y termales- que se producen por la porosidad de la pared, pero también, por los rozamientos y los intercambios de calor entre la sustancia vibrante y las paredes del tubo. Estos factores se traducen en pérdidas de intensidad de algunos de los armónicos constitutivos del sonido que escuchamos, lo que da lugar a cambios en el color sonoro percibido por el oyente.
La principal propiedad que debe tener el material en estos instrumentos es reducir el efecto de la humectación y la condensación del agua, así como prevenir las pérdidas que se producen por absorción e intercambios de calor entre la sustancia sonora y las paredes del tubo, pero también por los rozamientos del aire con las paredes. Por ello, las paredes del tubo deben ser rígidas y lisas y no presentar porosidades ni rebordes para evitar al máximo turbulencias y pérdidas. Estas pérdidas pueden generarse como consecuencia de la reflexión en las paredes del tubo, pero especialmente, en las zapatillas de las llaves que obturan los orificios, con coeficientes de absorción mayores al de la madera del tubo.
Las pérdidas de energía por los intercambios de calor entre la sustancia vibrante y las paredes del tubo también es un factor a tener en cuenta en la calidad del sonido. Nótese que las paredes del tubo tienen una temperatura constante, mientras que la temperatura de la columna de aire que encierra el tubo oscila con un máximo de temperatura en las zonas de máxima presión –vientres- y un mínimo en las de mínima presión –nodos-. En este sentido, materiales más densos o gruesos también contribuyen a paliar las pérdidas de energía por absorción, pero también por los intercambios de calor dado que un mayor grosor en las paredes del tubo contribuye a mantener constante la temperatura de las paredes.
Un factor a considerar también es la calidad de la superficie de la madera. Un material poroso incrementa las pérdidas de energía y por tanto reduce las intensidades de los armónicos, lo que se traduce en cambios en el timbre del instrumento. En este sentido, sonidos cuyos armónicos constitutivos están debilitados se asocian con un color más oscuro, y viceversa. Del mismo modo, sonidos que escuchamos con picos de intensidad desnivelados dan lugar a un timbre inconsistente.
También la estabilidad dimensional del material puede influir en el color tonal, dado que cambios bruscos en la humedad o temperatura pueden modificar las propiedades mecánicas de ciertos materiales e incluso su geometría interna, lo que provocará una modificación del comportamiento de la columna de aire que encierra. Y por supuesto su maleabilidad ya que el instrumento debe ser moldeado y taladrado sin fisuras hasta conseguir su diseño final.
En cuanto a los factores psicológicos, hay que tener en cuenta que la energía que produce el sonido en los instrumentos de viento se suministra directamente por el soplo del instrumentista. En este sentido, la embocadura, el tracto vocal y el sistema respiratorio del músico introducen variables en una compleja vía que es difícil de cuantificar. Por ejemplo, el tracto vocal actúa como un resonador adicional que puede ajustar su presión y volumen de aire según las necesidades que se planteen. Del mismo modo, la embocadura aplicada por el músico modifica el comportamiento del sistema de excitación del instrumento -la lengüeta o la presión de soplo-, lo que introduce cambios en el color del sonido al potenciar o debilitar determinados componentes armónicos de la vibración fundamental. Pero lo más interesante de este factor lo constituye el hecho de que generalmente estos cambios sutiles en la embocadura o el tracto vocal son aplicados por el músico casi de forma intuitiva e inconsciente, sin tener en cuenta, por ejemplo, qué músculos están implicados o qué volumen de aire alberga nuestro tracto vocal.
Otro factor psicológico a tener en cuenta es la percepción sonora que espera el músico de un instrumento fabricado con un material u otro. Estamos de alguna forma sugestionados en cuanto al sonido que debe producir un clarinete o un oboe fabricado con madera negra africana –Dalbergia melanoxylon– o un fagot de madera de arce, y esperamos inconscientemente que el sonido producido por estos instrumentos sea un sonido con mayor calidad tonal que el generado por un instrumento fabricado con un material sintético o una madera de menor calidad. Del mismo modo, el sonido de un instrumento se ha ido consolidando a lo largo de su historia y se ha asociado a un tipo de material determinado, lo que ha supuesto de alguna forma estandarizar el sonido de cada instrumento. Esta cuestión, sin ser baladí, constituye un factor muy determinante, ya que los músicos son muy reacios a aplicar cambios en su instrumento, tanto en lo que se refiere a digitaciones como al sonido que produce el instrumento.
Otro interesante fenómeno que puede tener de forma indirecta relación con el efecto de la calidad del material sobre el sonido y que ha sido estudiado por varios físicos es el acople que puede producirse entre un modo de vibración del tubo y otro de la columna de aire que encierra. En este sentido, diferentes estudios han demostrado que las paredes de un tubo perfectamente cilíndrico no pueden vibrar lo suficiente para radiar sonido en el espacio. De la misma forma que las vibraciones del piano pueden cambiar las frecuencias naturales de los modos de la cuerda, las vibraciones de la pared del tubo también pueden modificar las frecuencias de la columna aérea. Así, si la frecuencia natural de uno de los modos de resonancia de la pared está próxima a uno de los modos de resonancia de la columna es posible el enganche y la consiguiente inestabilidad del tono. En estas condiciones, la presión de amplitud generada en el interior del tubo puede ser lo suficientemente importante como para producir una deformación en la estructura del material y por tanto radiar sonido por las paredes. En este sentido, varios físicos han estudiado este fenómeno de acoplamiento entre el tubo y el fluido interno y han concluido que la amplitud de presión generada en el interior de un tubo cilíndrico no produce una deformación -a no ser que la geometría del tubo se modifique a una forma elíptica o incluso cuadrada- y por tanto el efecto en la radiación de energía por las paredes del tubo es despreciable. Por tanto, no queda bien definida la influencia de este factor sobre la calidad del tono, aunque es evidente que las vibraciones de la pared pueden excitarse por presiones internas ya que, por ejemplo, el tubo del clarinete no es un cilindro ideal.
En resumen, las opiniones son muy variadas en lo relativo a este tema. Mientras los músicos somos conscientes de sutiles cambios en el color sonoro de instrumentos fabricados con materiales diferentes, la mayoría de científicos convienen en que el material de fabricación no tiene efecto perceptible en el timbre del instrumento. En este sentido, el material no puede influir en el sonido de forma notoria en la medida en la que el sonido depende de la radiación de la paredes del tubo, y éstas no vibran lo suficiente como para radiar energía sonora perceptible. El sonido que le llega al oyente está determinado principalmente por la geometría interior del tubo del instrumento, el diseño de los orificios tonales y el efecto de la caña y las resonancias de la cavidad bucal del instrumentista. Paredes de un tubo rígidas y lisas contribuyen a evitar pérdidas de energía por absorción o rozamientos que sí tienen un efecto en el color sonoro que es percibido por el intérprete. Otros factores como el tipo de material y el grosor de la pared pueden en algunos casos tener efectos que pueden ser percibidos subliminalmente por el instrumentista, pues está en contacto físico con el instrumento y es el que mejor oye el sonido irradiado del instrumento, pero es difícil que el oyente perciba alguna variación. Sin olvidar los factores psicológicos, teniendo en cuenta que el sonido es una sensación que se produce en el oyente y que depende de los datos almacenados en su memoria a lo largo de su entrenamiento musical. En definitiva, el rol del material es un tema habitual de debate entre músicos, constructores de instrumentos y científicos y todavía queda mucho por demostrar.

sábado, 2 de diciembre de 2017

MOZART Adagio in B-Flat, K. 411 - "The President's Own" United States Marine Band

Me admira lo bien organizados que están las  bandas de música de las FFAA de EEUU. Se oposita para especialidades.Orquesta, banda de conciertos, música de cámara, orquesta de baile,etc. Cada cual a lo suyo.Qué distinto de las bandas de  música militares de España que tienen que desfilar y después acto seguido dar un concierto, o lo que se surga. Supongo que es cuestión de dinero, no lo sé. Estos músicos militares además tienen una graduación militar de Suboficiales, pero parece ser que por la especialidad cobran bastante dinero. La verdad que tienen mucha calidad cómo podréis observar en el  vídeo,tocando el nada fácil quinteto de Mozart K. 411.
A mi me gusta no sé a vosotros..
Feliz día




Podéis descargar la partitura clicando AQUI

jueves, 30 de noviembre de 2017

ADEC/ VII Congreso Nacional de Clarinete

Os dejo el cartel del VII congreso Nacional de Clarinete que organiza ADEC.También el enlace para que podáis acceder a la web oficial del Congreso, dónde tenéis las condiciones para inscribiros, las fechas, y demás información.


















Para acceder a la  web oficial del Congreso clicar  AQUI

Feliz día. 

sábado, 25 de noviembre de 2017

Chansons Innocentes/ Jesús R. Picó. 1953/Clarinete; Josep Fuster

Del CD, que grabó Josep Fuster con obras para clarinete solo, os dejo hoy, Chansons Innocentes de Jesús R.Picó. Dos tiempos contiene la obra de R. Picó, el segundo para dos clarinetes, que grabadas por separado y unidas después toca Josep Fuster. Resulta muy interesante escuchar dos voces tocadas por el mismo intérprete, por lo que supone escuchar el mismo sonido, el mismo picado,etc. que sin lugar a dudas es muy complicado conseguir con dos clarinetistas. Espero os guste y os animéis a grabar dúos con esta técnica que no es nada complicada para montarla después en cualquier editor de audio. 

Feliz día.
  

Biografía de Jeús R. Picó

Nacido en Barcelona, realizó los estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música del Liceu, obteniendo el título Superior.
Instrumentista y compositor, amplió los estudios de clarinete en Francia. Posteriormente se familiarizó con el repertorio de música contemporánea, colaborando como clarinetista con diversos grupos de cámara. Entre los años 1976 y 1990 realizó numerosos conciertos difundiendo la música para clarinete, estrenando y grabando obras de compositores contemporáneos.
En el año 1976 inicia su catálogo de obras. En las primeras composiciones utiliza algunos procedimientos flexibles así como nuevas grafías. Es la época de Polisonia 1 y 2, Volt y Apsû, también incorpora características que provienen del teatro musical como en Autour de la Lune obra estrenada por el pianista Jean-Pierre Dupuy.
A partir del año 1979 prescinde de las nuevas grafías, de este año es la primera de las numerosas obras para orquesta, La ciutat i les estrelles. A partir de este momento las obras para orquesta se suceden, a veces como consecuencia de encargos como el Concert núm.1 per a clarinet i orquestra o la Sinfonía Americana (encargo de la Orquesta Nacional de España). Las obras para orquesta se pueden distribuir en dos ámbitos: el concertante, como los dos conciertos para clarinete y orquesta o Cadmos et Harmonie para guitarra y cuerdas, y las obras relacionadas con el poema sinfónico como El lleó afamat, Pluja interior para narrador y orquesta, Sinfonía Anàbasi o Danses d’Ibèria.
Las numerosas obras de cámara son el resultado de la amistad y colaboración con diferentes instrumentistas, teniendo una cierta preferencia las obras donde intervienen el clarinete o el saxofón, como La sonata Colombina para clarinete y piano, la Sonata Marina para saxofón y piano, Volt, Preludi i dansa, Horo (para clarinete), Catul canta para clarinete, barítono y siete instrumentos, etc.
En el catálogo se encuentran diversas obras que llevan el título de Danses (Danses d’Isaura, de Fedora, de Moriana, de Zaira, de Zora etc.), estas obras de cámara sugeridas por el libro de Italo Calvino Le Cittá Invisibili, tienen el virtuosismo y el ritmo como elementos comunes.
La primera obra escénica fue la ópera de cámara El paradís de les muntanyes, texto de Miquel Desclot a partir de Alfred Jarry, estrenada en el Teatre Lliure de Barcelona en el año 1998. Posteriormente ha compuesto otras obras escénicas como Hotel Occident, y Urbs.
Paralelamente a su actividad de compositor, ha ejercido la pedagogía musical a diferentes escuelas de música y en el Conservatorio Profesional de Música de Badalona. Ha colaborado en diversos medios de comunicación como Radio Barcelona y diferentes revistas especializadas, En el año 1987 elaboró el proyecto de la emisora de música “Catalunya Música”, de la que fue responsable de la programación hasta diciembre de 1990. Finalizado este período volvió a la actividad pedagógica, añadiendo a su catálogo numerosas obras para ser interpretadas por estudiantes de música, destacan los diversos Fragments d’estiu y las cantatas Disssabte matí y El partit del segle.
Es autor del libro Xavier Benguerel, obra y estilo, publicado por Idea Books

jueves, 23 de noviembre de 2017

Bolsa de trabajo temporal de profesores de clarinete





Conservatorio de Jávea







Con el fin de poder cubrir temporalmente las plazas no cubiertas por cualquier causa, se constituye una bolsa de
trabajo de Profesores de Clarinete para el Conservatorio de Música. A partir de hoy lunes 20 de noviembre, los interesados en formar parte de esta convocatoria tienen un plazo de 20 días naturales para presentar la documentación necesaria en el Registro General de Entrada del Ayuntamiento.
La contratación de esta plaza será de una jornada laboral de 37,5 horas semanales y las funciones a realizar serán: Impartir clases de Clarinete y asignaturas complementarias en el Conservatorio municipal de Música. Los aspirantes deberán adaptarse al horario ya establecido para esta asignatura, cinco días a la semana, según programación del Conservatorio. El servicio comprende además, preparación de clases, reuniones de claustro, guardias, tutoría y
participación en conciertos y actividades que se programen.
El sistema de selección de los aspirantes será el de concurso de méritos teniendo en cuenta la experiencia profesional, la formación, otros méritos, etc.
 Número teléfono ayuntamiento  965 79 05 00
Feliz día

lunes, 20 de noviembre de 2017

Olli Koskelin - Exalté-Clarinete.Gleb Kanasevich

Olli Koskelin - Exalté -Clarinet-Gleb Kanasevich

Será por que yo he tenido que trabajar mucho el staccato,para poder hacer frente a  algunos pasajes, que a pesar de todo he tenido que articular.Será porque cada vez me sorprendo más de la cantidad de clarinetistas que al menos yo no conozco, y que cómo Gleb Kanasevich,son auténticos virtuosos. Es muy complicado,según mi modesto criterio, tocar Exalté de Olli Koskelin, con la facilidad que lo toca este gran clarinetista. El picado, los mordentes, los saltos de intervalos dificilismos,la métrica, ect.hacen de esta "pieza" para clarinete solo, un auténtico reto para cualquier clarinetista, por muy bueno que sea. 
Bien es verdad que las grabaciones, pueden estar "alteradas" en cuanto a velocidad,  pero yo confío en que no sea así.Además el CV. que os dejó,de Kasanevich, nos ilustra claramente de la calidad de este enorme clarinetisa del que habrá que buscar música de  otro estilo, para terminar de conocerlo más a fondo.
Que lo paséis bien escuchándole.
Feliz día.






Gleb Kanasevich










Gleb Kanasevich es un solista de clarinete aclamado internacionalmente, compositor, colaborador de música experimental, músico de cámara y especialista en música contemporánea. Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica de Baltimore, la Filarmónica Nacional de Bielorrusia, SoundSCAPE Ensemble, la Orquesta del Festival de Música del Atlántico, la Orquesta Sinfónica de Peabody y más. Como artista residente, Gleb ha aparecido en los escenarios de Spoleto Festival USA, el festival soundSCAPE para música contemporánea (profesora invitada en 2013/14/15), la 50ª Conferencia Nacional SCI, el Festival Internacional de Música Audeamus en Zagreb, MusicArte Panamá, y ha sido invitado como artista visitante

sábado, 18 de noviembre de 2017

IV Concurso ciudad de Orense.






















Os dejo el enlace para que accedáis a la página donde están las bases y demás requisitos.Sólo tenéis que clicar AQUI
 

miércoles, 15 de noviembre de 2017

El Clarinete de amor: un raro especímen.

Otro interesante artículo de Vicente Pastor García. En las ocasiones anteriores que publiqué artículos de este gran estudioso del clarinete, profesor del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia, os aconsejé que  visitaráis su página web. Una vez más insisto, porque la información que Vicente  publica sobre el clarinete, su acústica, su historia, etc. de cosecha propia, no la vais a encontrar en ninguna otra página. 
En esta ocasión os dejo su CV. para que conozcáis sus conocimientos. 
Vicente Pastor García.






http://vicentepastorgarcia.com/





Titulado Superior de Música, especialidad Clarinete, por el Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia y Doctor en Música cum laude por la Universidad Politécnica de Valencia.
Profesor Numerario de Clarinete del cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas desde 1993. Como docente, he trabajado como Profesor de Clarinete en varios Conservatorios Elementales y Profesionales de la red pública, y como Profesor de Organología y Acústica, en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia desde el curso 2006/07.
He sido Director del Conservatorio Elemental de Música de Olula del Río (Almería) durante cinco cursos académicos y Jefe de Estudios del Conservatorio Elemental de Baeza (Jaén) durante un curso académico, estando acreditado para la función directiva por la administración educativa.
En mi faceta como intérprete, he ofrecido varios recitales como miembro de diversas formaciones de cámara y ha publicado un disco compacto con el Cuarteto de Clarinetes Vert.
Mis intereses de investigación incluyen la acústica y el desarrollo histórico de los instrumentos de viento-madera, especialmente del clarinete. He recibido dos becas postdoctorales de la Conselleria de Educaciò, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana para estudiar el desarrollo histórico y acústico del clarinete en las Universidad de Oxford y la Juilliard School de New York, y he completado el estudio con estancias en la Universidad de Edimburgo y el Royal College of Music de Londres.
Soy autor de varias publicaciones en revistas nacionales especializadas sobre la acústica y organología del clarinete, así como de los instrumentos musicales en general. Asimismo, he publicado un método para el Grado elemental de clarinete en cuatro volúmenes, un libro de ejercicios técnicos para el clarinete, un libro sobre la acústica y organología del clarinete y un libro didáctico-científico sobre Acústica Musical para los Estudios Superiores de Música.
Además, imparto periódicamente cursos y conferencias sobre la acústica y organología de los instrumentos musicales en diversos foros e instituciones educativas.
He participado activamente en el proceso de adaptación de las Enseñanzas Artísticas Superiores al Espacio Europeo de Educación Superior con la elaboración del curriculo de los Estudios Superiores de Música en el Ministerio de Educación y la coordinación a nivel autonómico. También he participado como ponente y coordinador en varios Seminarios, Jornadas y Congresos sobre estas enseñanzas y su adaptación al nuevo contexto europeo, y ha publicado varios artículos sobre las Enseñanzas Artísticas Superiore. Asimismo, he trabajado como Asesor Técnico Docente durante varios cursos en el Instituto Superior de Enseñanzas Artísticas de la Comunidad Valenciana (ISEACV) dependiente de la Conselleria de Educaciò, Cultura i Esport.
He trabajado como Profesor de Tecnología y Acústica, Coordinador del Máster Oficial de Interpretación Musical e Investigación performativa y Jefe de Estudios en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia desde el curso 2010/11 hasta el curso 2015/16.
Actualmente soy Catedrático de Clarinete en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia, además soy Profesor colaborador en el Máster de Música y en el Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación, de la Universidad Politécnica de Valencia, y en el Máster de Interpretación e Investigación Musical de la Universidad Internacional de Valencia.
El clarinete de Amor.


















Existe poca información acerca del clarinete de amor, un instrumento raro, especialmente por el diseño de su campana y su tudel. Con unas dimensiones mayores que el clarinete soprano, solía afinarse en Sol, a diferencia del modelo típico de la época de tres llaves afinado en Re.
El clarinete de amor es un clarinete alto que se desarrolla alrededor de 1740, probablemente a partir del oboe de amor barroco, instrumento que también se diseñaba con una campana similar. Los primeros modelos se afinaban en Sol, aunque posteriormente también se fabricaron modelos en Fa, Lab, e incluso en Do, Sib y La. El instrumento se fabricaba en madera de boj y su diseño era similar al clarinete alto -salvo la campana-, con cinco secciones: boquilla, una sección o tudel curvado de metal o un barrilete de madera, un cuerpo superior y uno inferior, y la sección con las llaves para I4 y D4 con la campana integrada. Su principal característica era la forma de pera de su campana, a diferencia del clarinete alto con una campana similar, en los primeros modelos, a la de los clarinetes sopranos. Este diseño condicionaba toda su sonoridad, más oscura y aterciopelada, y le confería un aspecto más singular.
Algunos autores han sugerido que este instrumento inspiró el diseño del corno di basseto inventado por los fabricantes Mayrhofer en 1770.
Los primeros clarinetes de amor, así como los altos se fabricaron en Alemania y Viena a mediados del siglo XVIII (entre 1740 y 1760) con tres llaves. Los primeros modelos fueron construidos por los fabricantes barrocos Georg Walch, Dotzell y los Stinglwagner. Estos primitivos instrumentos mantienen el mismo patrón en el diseño y disposición de las llaves que los clarinetes barrocos de tres llaves: una llave de registro, la llave para el La3 y la llave para el Mi2/Si3 que permitía enlazar el registro grave con el agudo. A partir de 1760 ya se empezaron a construir modelos de cuatro llaves en Austria y Alemania, y unos años después también de cinco llaves. En los modelos de cuatro llaves alemanes, la cuarta llave estaba destinada al Lab2/Mib4, mientras que los fabricantes franceses preferían la llave para el Fa#2/Do#4. El instrumento de cinco llaves se diseñaba con las tres llaves que montaba el clarinete barroco, y estas dos llaves.
Se conservan varios modelos de los fabricantes Stinglwagner, Johann Michael (1709-1771) y su hermanastro Joseph (1726-1805). Afincados en una pequeña ciudad alemana llamada Triftern, estaban especializados en la construcción de clarinetes sopranos de tres, cuatro y cinco llaves, y clarinetes de amor y altos. De acuerdo a las referencias bibliográficas, estos fueron los únicos fabricantes concidos (junto con Walch y Dotzell) que construyeron clarinetes de amor, además de clarinetes sopranos, cornos di bassetos y altos. Se conservan varios clarinetes de amor de estos fabricantes: dos con tres llaves, seis con cuatro llaves, un con cinco y un con seis. Todos sus instrumentos llevaban su sello estampado en el barrilete,”I.S.W”: “I” la inicial de Johann o Joseph, “S” de Stingl y “W” de Wagner.
Un ejemplo de modelo alemán de cuatro llaves es el fabricado por Joseph Stinglwagner, hermanastro de Johann Michael Stinglwagner, afincados en una pequeña ciudad alemana llamada Triftern. Este modelo de cuatro llaves dispone, según la tendencia germana, de una llave para Lab2/Mib4, diseñada con una palanca doble, y un orificio doble para Fa2. Ambos rasgos, junto con la llave de palanca del Mi2/Si3 situada en el dorsal del instrumento para el pulgar derecho, permitían, al igual que los clarinetes sopranos de tres y cuatro llaves, situar ambas manos arriba o abajo, indistintamente. El instrumento, con el sello grabado de su fabricante (I.S.W), está fabricado en cinco secciones con una longitud de 77 cm. Las llaves eran de metal y con forma cuadrada para tapar el orificio, tal y como se instalaban en el clarinete soprano de tres llaves en Re. Se colocaban con un alfiler de cobre encajado en las mismas y montadas directamente sobre una especie de anillo torneado en el mismo tubo. Cómo se aprecia en la imagen que se ilustra en la figura 1, el diseño era similar a los clarinetes sopranos de la época, salvo la campana y el tudel.
Entre 1800 y 1850 se fabricaron varios modelos desde seis hasta catorce llaves en Alemania, Austria, Bélgica, Italia, Francia e Inglaterra.

Feliz día

domingo, 12 de noviembre de 2017

Theo Loevendie - Clarinet Concerto

Theo Loevendie, escribió para George Pieterson, el concierto de clarinete,que publico hoy. Un concierto contemporáneo para un clarinetista, que hasta que estrenó el concierto de Loenvendie, sólo había grabado música de la época romántica. Os recomiendo que lo escuchéis entero, y por eso os dejaré un link para que podáis descargar el audio, en alta fidelidad, porque en la época de "las prisas" se escucha la música en cualquier sitio menos en casa.Qué complicado resulta en este tiempo sentarse delante de un buen equipo, seleccionar lo que quieres escuchar y pasar un par de horas. Un gran clarinetista con una grandísima orquesta y un concierto complicado que merece la escucha tranquila y sosegada. 
Feliz día y feliz audición.

George Pieterson, clarinet 
Orchestra: Koninklijk Concertgebouworkest 
Conductor: Ingo Metzmacher
  






 George Pieterson







George Pieterson (5 de marzo de 1942, Amsterdam - 24 de abril de 2016) 

Estudió clarinete con su tío, Jos d'Hondt, en el Amsterdam Muzieklyceum. 
Pieterson fue miembro de la Aulos quinteto, que incluía Martine Bakker (flauta), Edo de Waart (oboe), Joep Terweij (fagot) y Jaap Verhaar (trompa), bajo la dirección de Thom de Klerk.  
El quinteto de Aulos se expandió más tarde al Nederlands Blazers Ensemble (Conjunto de viento de los Países Bajos), con Pieterson como miembro fundador. Se unió a Radio Filharmonic Orkest a la edad de 18 años en la segunda silla de clarinete,y más tarde se convirtió en clarinete principal de la Orquesta Filarmónica de Rotterdam.
De 1975 a 2004, Pieterson fue clarinete principal de la Royal Concertgebouw Orchestra en Amsterdam. Tocó en un clarinete reformista, Wurlitzer-boehm.  
En 1977, de Leeuw, Vera Beths, Anner Bijlsma y Pieterson formado la Rondom Quartet, grabando ,Quatuor de Messiaen. Otras grabaciones comerciales incluyen, por Philips, las sonatas para clarinete de Brahms y tríos de clarinete de Beethoven y Brahms, y por lo que el concierto para clarinete de Paul Hindemith . Su trabajo con la música contemporánea incluye la composición de un concierto de clarinete para él por Theo Loevendie. La mala salud, incluida la distrofia muscular, el cáncer y la depresión, lo llevaron a retirarse de la orquesta. Era un coleccionista de clarinetes históricos, con su colección  representa alrededor de 40 clarinetes.
(Traducido con Google traductor)

jueves, 9 de noviembre de 2017

Bekavac - Bach: Partita 2 (Sarabande)

Recuerdo que una de las primeras publicaciones del blog, fue la fantasía de Carmen, que tocaba Mate Bekavac.Impresionante la interpretación, sobre todo, el gran virtuosismo de Bekavac en la mencionada fantasía.Quizá debería publicar los vídeos que más éxito han tenido de todos los publicados y sin duda uno de ellos, fue la que os comento. De ello han pasado ya algunos años,,,(¿ 7,8 ? no recuerdo, pero muchos. Bach y su Partita (Sarabande) adaptada de violín para clarinete, tiene una gran dificultad interpretativa.Todos supongo que conocéis los métodos editados para clarinete, con adaptaciones para clarinete, tanto de violín como de violonchello, y que yo durante muchos años, no he dejado de tocar, todos los días. Todo parace más fácil después de tocar Bach que según mi criterio, es dificilísimo.La verdad que si después lo escuchas a un violonchello o a un violín, en mi caso, siento una "pequeña" frustación", porque por mucho que me esmere,es dificilisimo imitar las interpretaciones para de los intrumentos de cuerda. La dobles y triples cuerdas en la adaptación se sustituye por mordentes, y por muy bien que se toque, no es lo mismo la simultaneidad de los acordes, que los mordentes. Espero que Mate Bekavac, os guste como interpreta la Sarabande de la Partita núm 2 de Bach. 
 Feliz día

martes, 7 de noviembre de 2017

De Mary Wurm a Susanna Mälkki Directoras femeninas y la Filarmónica de Berlín

Espero os guste el artículo que la revista de la Firlarmónica de Berlín, dedica a las mujeres que han dirigido la mencionada orquesta.
Debieron de pasarlo mal, pues a lo largo de la historia, de la que en muchos momentos se ha considerado la "mejor orquesta del mundo", el machismo ha hecho acto de presencia en muchas ocasiones. Basta mencionar el caso de la gran clarinetista Sabine Meyer, que fue "recibida" con desagrado por el hecho de ser mujer. Sólo la "amenaza" de Herbert Von Karajan, de marcharse de la orquesta sino era admitida Sabine, hizo el "milagro" y Sabine pasó a ser la segundo clarinete. No obstante recibió un trato tan desagradable por parte de la mayoría de los "compañeros" que decidió dejar la orquesta. 
 Feliz día.









Antonia Brico dirigió la Filarmónica de Berlín en 1930 


La suiza Madeleine Carruzzo fue la primera mujer en ser auditada con la Filarmónica de Berlín, y en 1982 tomó su posición en la primera sección de violín, exactamente cien años después de la fundación de la orquesta. Este evento atrae mucha atención en la prensa, que es lo que sucede en la historia de la orquesta.

Mary Wurm - Pianista, Compositor, Director de orquesta

La primera mujer en el podio de la orquesta fue Mary Wurm de Inglaterra, que realizó un concierto en la Sing-Akademie de Berlín hace 130 años, el 5 de noviembre de 1887. A la edad de 27 años, la estudiante de Clara Schumann ya disfrutó Gran éxito como pianista en Europa. Pero no solo tenía talento como pianista, sino también como compositora y directora. Y querían demostrar estas habilidades también. En concierto con la Filarmónica, interpretó sus propias obras: un concierto de piano, una obertura de concierto, además de canciones y piezas para piano solo. Como muestra el folleto del programa, Mary Wurm solo realizó la obertura. Para el concierto para piano, asumió el papel de solista, mientras que la orquesta fue dirigida por Gustav Kogel. Y una cosa más que revela el folleto del programa: Mary Wurm es mencionada como la "organizadora de conciertos", lo que significa que contrató a la Filarmónica de Berlín para presentar sus obras al público. En ese momento, la búsqueda de los llamados "conciertos de solistas" constituyó una importante fuente de ingresos para la orquesta.

Lise Maria Mayer y el "escándalo de la cocaína"

Y siguen siendo una fuente importante durante mucho tiempo. En 1929, la compositora vienesa Lise Maria Mayer, estudiante de Gustav Mahler, contrató a la Filarmónica de Berlín para el estreno mundial de su sinfonía "Cocaína". Desafortunadamente, el esposo de Lise Maria Mayer fue recurrido a una estratagema inusual: fue liberado en el periódico, en el que una Viuda Rica se interesó en un concierto para una primera reunión. Muchos hombres casaderos respondieron, pero se descubrió el engaño: hubo un escándalo y el esposo de Mayer tuvo que soportar las consecuencias financieras. Además de eso, Lise Maria Mayer tampoco logró convencer artísticamente. El crítico de la revista Signals para el mundo musical describió al director como aburrido y poco inspirado, y pensó que su sinfonía era una impertinencia.

Graduados universitarios con mucho talento

En ese momento, había varias mujeres que no llamaron la atención de la prensa. Entre ellos estaba Eva Brunelli que, el 8 de noviembre de 1923, fue la primera mujer en conducir un programa de larga duración con la Filarmónica de Berlín. Ella tenía "seguridad musical e inteligencia artística", según informaron las señales . Solo un año después, la inglesa Ethel Leginska estaba en el podio de la Philharmoniker. 13 de noviembre de 1924. En 1930, dos mujeres se presentaban con la Filarmónica de Berlín: la brasileña Joanidia Sodré y Antonia. Brico, que nació en Rotterdam y creció en Nueva York. Para ambas mujeres, el concierto de la Filarmónica formó la parte final de sus títulos de música en Berlín. La violinista húngara Marta Linz y la pianista Elly Ney trabajaron juntas con la orquesta durante la década de 1930, tanto como solistas como como directoras.

La generación más joven de mujeres conductoras

Después de la Segunda Guerra Mundial, Sylvia Caduff fue la primera mujer invitada a dirigir la Filarmónica de Berlín. Herbert von Karajan, director de Solingen y alumno, estaba en el indispuesto maestro el 15 de octubre de 1978 y recibió premios de la audiencia de Berlín. Programas de la Filarmónica: Simone Young, Konstantia Gourzi, Petra Müllejans, Barbara Hannigan, Emmanuelle Haïm - y Susanna Mälkki, quien hizo su debut filarmónico esta temporada en marzo de 2008 con obras de Ferruccio Busoni, Béla Bartók, Johann Sebastian Bach y Jean Sibelius.

 (Perdón por la traducción)
 
 

sábado, 4 de noviembre de 2017

Max BRUCH: Doble Concierto para Clarinete & Viola y orquesta en Mi menor Op. 88

El dia 25 de noviembre del pasado año, la Orquesta Sinfónica de Valencia, con los solistas J.V. Herrera (clarinete) y Pilar Marín (viola), tocaron el doble concierto de Max BRUCH. 
Escuchar a J.V.Herrera siempre es interesante, pues sin duda es uno de los clarinetistas españoles,del que siempre se puede aprender. 
J.V.Herrera, fue quizá el primero o uno de los primeros clarinetistas españoles, que después de estudiar en Valencia, marchó a Austria a perfeccionar sus estudios.Si no me equivoco esto ocurrió sobre los años 1980. Conozco a Herrera y mantengo una relación de amistad .No es un hombre dado a publicar ni tan siquiera su biografía, en internet. Lo que escribo son detalles que conozco de las charlas que he mantenido con el mismo. Sé que estudió con grandes profesores en Austria, quedando en mi memoria, uno de ellos;Alfred Prinz. 
Gran clarinetista y según mi modesta opinión mejor músico, es clarinete solista de la Orquesta Sinfónica de Valencia.Toca con un un clarinete marca Seggelke, boquilla austriaca, y cañas Legere Signature, corte austriaco.
 José Vicente Herrera, ha formado a muchisimos clarinetistas que actualmente ocupan primeros atriles en grandes orquestas tanto en España cómo en el extrajero.
 Bienvenido a mi blog José Vicente y enhorabuena por tu trayectoria como clarinetista y como persona. Concerto for clarinet, viola, and orchestra in E minor, Op. 88 (1911) MAX BRUCH
 I - Andante con moto
 II - Allegro moderato 
III - Allegro molto
José Vicente Herrera - Clarinete
Pilar Marín - viola 
Andrey Boreyko - Director 
Orquesta de Valencia 
Palau de la Música - Valencia - España
 25/11/2016
 

miércoles, 1 de noviembre de 2017

Tolo Genestar/.CV/.Entrevista. Vídeos

Es posible que nunca hubiera tenido la oportunidad de conocer a Tolo Genestar.Las redes sociales bien empleadas,sirven para conocer a personas que de lo contrario y como queda dicho anteriormente sería muy difícil que ocurriera, sobre todo dada mi edad,y lo poco que salgo de casa. Escuché a Tolo, en un vídeo que publicó en su muro, o quizá en la página "clarinetistas españoles", presentación de un CD. que en los próximos días verá la luz. En el vídeo suena música klezmer, y no pude más que escucharlo varias veces, pues ahora a la vejez, he descubierto una música, festiva que no deja de tener su buena dosis de dificucltad interpretativa. Me puse en contacto con Tolo, y muy amable me dió todas las facilidades para poder charlar, aún en la distancia que separa Valencia de Mahón sólo con la frialdad que supone no estar frente a frente tomando un café .Es por ello que agradezco a Tolo Genestar, su amabilidad, cordialidad y sus ganas de colaborar en el blog que administro lo mejor que sé y puedo.Muchas gracias, y que tu carrera clarinetística vaya in crescendo, pues no te faltan ni condiciones, ni calidad ni ganas.












CV. Tolo Genestar.
Ciutadella de Menorca ,1991. Empieza sus estudios de clarinete en el Conservatorio de su isla natal y posteriormente, entra en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona donde realiza los estudios de grado superior de clarinete con Isaac Rodriguez y música de cámara con Guerassim Voronkov. Recientemente, ha cursado un máster de clarinete en Niza (Francia) con el reconocido clarinetista francés Michel Lethiec acabando con las máximas calificaciones por unanimidad del jurado. Aparte, ha asistido a diferentes cursos y academias dónde ha recibido clases de Yves Didier, Michael Rusineck, Eduard Brunner, Josep Fuster, entre otros. En su carrera figuran diferentes premios procedentes de diferentes concursos, entre ellos, el 1r Premio de Música de Cámara Arjau 2012, el Premio del Público en la final de la VIII edición del Concurso Internacional de Música de "Les Corts" de Barcelona, el 1r Premio Solista en la XX edición del Concurso Arjau 2015, Finalista en la Birkfeld International Music Competition 2015 (Austria) o el Premio Especial Orquesta Unesco de Barcelona. Como solista, ha tocado con la Orquesta de Birkfeld (Austria), la Banda de Ciutadella de Menorca y con la Orquesta Unesco de Barcelona en una gira nacional interpretando el Concierto k622 para Clarinete y Orquesta de W.A. Mozart. En el ámbito camerístico y orquestal ha tocado con las diversas formaciones de Cataluña y Baleares y en sus auditorios y salas más representativas. Actualmente es miembro de la OCIM. En 2015 nace MazikDuo junto al Pianista catalán Marc Sumsi, dónde Realizan un viaje alrededor de la música de la II Guerra Mundial con pinceladas de músicas populares de la cultura judía, como el 'Klezmer'. Este proyecto ha sido estrenado en el Teatro Principal de Mahón en febrero de 2016 con gran audiencia y buenas críticas. 

Entrevista 
.-Según me dijiste en la conversación que mantuvimos por teléfono eres de Menorca, y me gustaría que nos dijeras, dónde empezaste a estudiar música.

¡Efectivamente, soy de Menorca! esa pequeñita isla que apenas sale en los programas del tiempo y que la gente confunde con Mallorca pero que si tienes oportunidad de descubrirla te enamoras de ella al instante. Un paraíso natural en medio del Mediterráneo. No se ha notado ni nada que admiro mi tierra…jajaja
Nací y crecí en uno de los pueblos más grandes de la Isla llamado Ciutadella, donde empezé mis estudios de música. Puede parecer que en un sitio tan pequeñito y “aislado” la música puede que no tenga mucha importancia pero la verdad es que Menorca es un lugar con una gran tradición musical y de grandes talento, donde han salido grandes músicos, y también en el plano clarinetístico, como Juanjo Mercadal (Solista Teatro Liceu) o Ona Cardona (solista y profesora del Conservatorio Superior de Aragón).
Con siete escuelas municipales, un conservatorio profesional, seis Bandas de música y una Orquestra Profesional con apenas 90.000 habitantes se puede decir que hay una gran actividad musical, la cual se refleja con el gran número de alumnos que hay en las escuelas, principalmente de viento.

Aunque soy el primer músico (clásico) de mi família siempre ha habido un gran ambiente musical en ella. A raíz de ello e influenciado por mi hermano mediano (actor-cantante de teatro musical) empecé con 5 añitos a recibir las primeras clases de lenguaje musical y unos años más tarde las de clarinete en la Escuela Municipal de Ciutadella con el clarinetista y director Joan Mesquida. Aparte de enseñarme los primeros pasos con el instrumento, él me enseñó a apreciar la música, a quererla en su variedad de estilos y sobretodo a entenderla para poder expresarla. No era tan importante la técnica o hacer obras del repertorio, sino lo importante era hacer música, disfrutar con ella y poner atención en conseguir el mejor sonido. Comparto completamente esa visión del primer pedagogo de clarinete.

.-Supongo que después de tus principios como músico, pasaste a un Conservatorio, donde te titulaste... ¿no es así? 

Exactamente, tras bastantes años en la escuela y la banda de Ciutadella y después de tomar la decisión de querer estudiar profesionalmente el clarinete, ingresé al 4º curso de estudios profesionales en el Conservatorio de Menorca donde terminé el grado medio con Atoni Carrillos (hijo del compositor Antonio Carrillos, Alicante).

Terminando con 18 años, llegó la hora de afrontar las primeras pruebas de ingreso a un Conservatorio Superior. Como en Menorca no hay centro superior, sí o sí tienes que desplazarte a vivir a otra ciudad, cosa que añade una tarea a tu final de grado; la de buscar un clarinetista/profesor que creas que te puede ayudar para hacer ese gran salto profesional, punto muy importante a mi criterio. Por eso, durante dos años asistí a cursos, masterclases,etc para conocer profesores.

En el curso de clarinete de Prades (Tarragona) conocí a Isaac Rodríguez, un joven clarinetista que me dejó alucinado. Su fuerza, su expresividad, su técnica, su visión ‘actual’ de entender la música…y más cualidades que me dejaron claro que quería estudiar con él.
Así pues, me presenté en el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona (donde da clases Isaac) y entré (2009).
Tras cuantro años muy intensos y fantásticos a nivel clarinetístico y en una ciudad como Barcelona, donde hay una programación musical “top” en el panorama de orquesta, ópera, cámara, solistas…me nutrí muchísimo de todo ello para generar aquella primera lista de ideas de hacia donde quieres enfocar tu siguiente etapa y tanto la música de cámara como conocer nuevos repertorios ya ocupaban las primeras posiciones.
Así que en 2013, cuando terminé en el Liceo, me fui a estudiar a Niza (Francia) con Michel Lethiec, el que ha sido uno de los grandísimos referentes en mi carrera musical.

.-Supongo que hiciste cursos, con distintos clarinetistas, puedes citarnos con cuáles, y quién de ellos dejó s huella en ti como clarinetista.

He realizado cursos con Eduard Brunner, Josep Fuster, Michel Rusineck, Francesc Navarro, Yves Didier, Philippe Berrod, entre otros y todos y cada uno de ellos han dejado huella en mi de alguna manera.
El curso que más me marcó fue la Academia del Festival Pablo Casals de Prada (Francia) donde conocí a Michel Lethiec, director artístico de este magnífico festival, profesor del Conservatorio de París y de Niza, solista internacional…pero ante todo una persona con una sesibilidad y una energía increíble que entre otras cosas me ha ayudado a ser mejor tanto como persona y como músico.

.-¿Cuál es el maestro que más te ha impactado y por qué
Diría que he tenido excelentes profesores y que tuve la suerte de tener el profesor correcto e idóneo en cada momento de mi trayectoria musical. Cada uno de ellos me ha aportado cosas muy diferentes, experiencia, inspiración, confianzasiempre teniendo en cuenta que son personas y músicos muy diferentes, cada uno de ellos único y especial.

Pero está claro que tanto Isaac Rodríguez como Michel Lethiec (también profesor del primero) han sido los dos maestros que más han impactado en mi carrera. He pasado mucho tiempo con ellos, lo que hace que se cree algo más que una relación profesor-alumno. Se establece aquella conexión humana que si conecta bien con la musical es la combinación perfecta.
Michel, que ha sido mi profesor más reciente (terminé con él en 2015), ha sido la persona que me ha influenciado en la idea y criterio que tengo hoy sobre el clarinete, la música y como interpretarla. De Mozart al repertorio del siglo XXI, músicas de tradición popular, jazz y alguna que otra improvisación.
Otra gran persona que me ha impactado ha sido Guerassim Voronkov, pianista, violinista y director de Orquesta con el que aprendí muchísimo en la música de cámara durante mis años en Barcelona.

.-¿Me puedes decir si has ganado algún premio en tus estudios, concursos, etc? 
Creo que todos los estudiantes, cuando estamos en la época final, presentarse a concursos es algo bastante común y motivador. Estás en una forma óptima y ganar un concurso puede ser el trampolín para dar el salto y ascender de división. Tener recitales y tocar, adquirir tablas, experiencia, etc…
Sí he ganado algún premio en conursos, tanto en música de cámara como solista y por destacar alguno, me quedo con el 1r premio Solista en la XX edición del concurso Arjau de Barcelona, llegar a ser finalista en la International Birkfeld Competition 2015 (Austria) o el Premio Especial Orquesta UNESCO 2015 donde pude realizar una gira en 2016 por Catalunya interpretando el Concierto k622 de Mozart junto a la Orquesta Unesco y el Quinteto de Mozart con el cuarteto de solistas de la orquesta nombrada anteriormente.

.-¿Desde que terminaste tu estancia en Niza en 2015, en qué te has centrado?

Cuando terminas los estudios superiores o de máster llega el momento de la verdad. ¿Ahora qué hago? La famosa pregunta que cada año muchos jóvenes se plantean. La carrera del músico profesional no es fácil pero no imposible, aunque creo que la filosofía del cliché de intérprete clásico aún sigue la misma tendencia de años atrás: o bien ganas una oposición en una Orquesta Sinfónica, una oposición en un Conservatorio o pocas salidas más hay que dar clases en la escuela de tu pueblo.
Las tecnologías y la rápida evolución de la sociedad en la que vivimos han hecho que la  cultura y por consiguiente, la música clásica también tengan que cambiar o de no ser así, dentro de 20 años ya no tendremos público. Por tanto me pregunto: ¿los programadores tendrán la necesidad de programar música clásica? ¿Será necesaria? Es un tema serio que creo que todos los músicos tendríamos que planetearnos alguna vez y mirar qué estamos haciendo mal. Es fácil decir que la sociedad ha cambiado, que la vida se mueve por estímulos, etc pero esta claro que nosotros también estamos haciendo algo que no va bien. Tenemos que reinventarnos, llegar al público y transmitir el poder de la música de otra forma.

Por eso, desde que terminé con Michel en 2015 he intentado marcarme unos objetivos, una de las claves del éxito; tener metas y sueños. Tener claro donde quieres llegar es algo muy importante y los músicos somo especialistas en constancia y sacrificio.

Creo en proponer la música clásica desde la perspectiva del músico del siglo XXI y salir de los estereotipos. Crear proyectos propios, mezclar disciplinas artísticas, tocar en orquesta, música de cámara, investigar en el repertorio, organización de ciclos y dar clases son varias de las cosas que me fascinan por lo que intento trabajar a nivel profesional en todos estos ámbitos. Por eso, me defino como músico Freelance, un concepto un tanto moderno que me permite hacer de todo, tocar en diferentes lugares, viajar y compartir la música con gente muy diversa.

Mi principal proyecto en el que estoy ahora mismo centrado y al que le tengo mucho cariño es un estudio musical alrededor de la historia de la cultura judía contemporánea. Soy un gran seguidor de las músicas tradicionales y la cultura judía fue un descubrimiento que me hizo estar días y noches investigando y escuchando música alrededor de esta comunidad. Todo empezó en Niza entre clase y clase cuando oía a Michel tocando de esa forma y con aquella sonoridad mágica que caracteriza el género Klezmer.  

Y finalmente en 2016 nace MazikDuo (www.mazikduo.com) junto al pianista catalán Marc Sumsi y con quién acabamos de producir Jewish Life, portraits of the past, un singular proyecto entre la fusión de la música clásica y el klezmer y que va a salir en CD a finales de año.
A parte de MazikDuo, colaboro con otras formaciones camerísticas como el galardonado cuarteto de Cuerda COSMOS de Barcelona con que el que he tocado recientemente el Quinteto de Mozart, soy miembro y clarinete principal de la Orquesta de Cámara Isla de Menorca -OCIM- y también soy profesor en las Escuelas Municipales de Ferreries y Sant Lluís (Menorca) donde puedo ejercer la docencia y compartir la pasión por el clarinete con mis alumnos.


.-¿Va a ser tu primer trabajo discográfico? ¿Qué importancia tiene sacar un CD a día de hoy donde las plataformas online se llevan el premio en consumo de música?

Efectivamente, va a ser mi primer disco como solista y desde MazikDuo estamos muy ilusionados en la producción de este CD. A raíz de nuestro estreno en 2016 en el Teatro Principal de Mahón (Teatro de Ópera más antiguo de España) como concierto experimento y tras el buen recibimiento por parte del público, vimos que teníamos que seguir adelante con este repertorio y con el nuevo formato de concierto que proponíamos. Voces en off, visual arts, contacto con el público, interludios improvisados…desde entonces, en un año hemos podido presentar Jewish Life una veintena de veces en salas y auditorios de Mallorca, Ibiza, Barcelona, Andalucía y recientemente en la Fundación Juan March de Madrid.
El interés del público, el valor musicológico, histórico y social y que hay obras que aún no han sido registradas han impulsado a llevar adelante la edición del disco, grabado durante el verano en el estudio Sol de Santos Studio de Barcelona y mezclado, masterizado y editado por la productora y discográfica Temps Record S.L. (Terrassa).

Sacar un CD hoy en día es muy distinto que hace 20 años pero es muy importante y en la música clásica no se acostumbra a hacer. Toda banda de música no culta tarda poco en sacar sus primeros singles, después va el primer LP y así…el objetivo no es ganar dinero con un disco sino que una producción bien hecha puede ser una buenísima carta de presentación para tener un fuerte impacto mediático y ayudarte a demostrar tus cualidades. Además, la creatividad y las propuestas altamente originales, así como el papel de la creación de vanguardia y de los proyectos especialmente innovadores serán un buen producto para poder tener una buena presencia posterior en los medios, festivales, etc. 




.-¿Puedes explicarnos algo más de MAZIKDUO y su JEWISH LIFE PORTRAITS OF THE PAST? (ver vídeo de presentación https://youtu.be/EB-envqMd2E)

Junto a Marc Sumsi, gran pianista y clavecinista con quién compartí estudios en el Liceu de Barcelona formamos MazikDuo (puedes seguir la actividad en su página de Facebook: www.facebook.com/mazikduo) y como he dicho anteriormente, JEWISH LIFE, PORTRAITS OF THE PAST es un singular proyecto entre la fusión de la clásica y el klezmer, donde ambos géneros conviven mostrando una música variada pero con una temática común como es la historia de la comunidad judía contemporánea.

Basándose en la idea de cómo las músicas constituyen cultura, Jewish Life incursiona en la identidad y la historia judías explorando algunos remanentes que dejó el devenir de la cultura judía a lo largo del siglo XX. Desde la música presente en la crudeza de los muros de un campo de concentración o aquella música latente en la memoria de un joven exilliado de su patria.

Por ello, MazikDuo presenta un disco innovador e interesante con obras que germinaron en momentos y contextos muy diversos, desde la sonoridad más sombría de la II Guerra Mundial con obras de Messiaen y su Quatuor pour la fin du Temps o la interesante sonata para clarinete y piano de Miecyslaw Weinberg a las melodías más frenéticas de su género festivo más popular, el cual defino como unasica que ríe y llora al mismo tiempo. En esta parte encontramos la explosiva Sonatina for Klezmer clarinet and Piano de Paul Schoenfield, Sholem-Alekhem de kovács o la transcripción al clarinete de los tres sketches del From Jewish Life de Ernst Bloch (original para cello y piano).

Mi interés por la música klezmer surgió des del primer segundo que escuché al rey Giora Feidman. Me gusta la concepción de un clarinetista con una formación clásica que se permite el lujo de tocar como siente la música en su corazón. Su libertad y su increíble modo de hacer cantar al clarinete me fascinan, motivo por el cual, ha sido una gran inspiración para este proyecto al igual que otros clarinetistas como David Krakauer,  David Orlowsky, Corrado Giuffredi o Alessandro Carbonare. Todos ellos, musicazos en todo regla y que son capaces de integrarse en cualquier estilo y técnica.

.-¿Ha sido complicado encontrar la financiación para llevar a cabo la producción? ¿Con que medios habéis contado? ¿Verkami?

La verdad es que llevar a cabo una buena producción requiere una inversión económica costosa ya que no solo está la grabación y la fabricación. También está el diseño, promoción, marketing, distribución física y online y sobretodo una buena campaña de comunicación.
Por eso es imprescindible contar con un buen apoyo económico. Por suerte, por una parte hemos contado con el apoyo económico del Instituto de Estudios Baleáricos (Illenc), organismo del Gobierno de las Islas Baleares encargado de fomentar la Cultura y la proyección de sus artistas más consolidados.

Y por otra, desde ayer 1 de noviembre tenemos activa una campaña VERKAMI, la plataforma de micromezenazgo donde cualquier persona puede aportar una cantidad al proyecto y recibir como obsequio una de las recompensas que ofrecemos: desde CD’s personalizados, entradas para conciertos de presentación, conciertos privados y mucho más…

.-Aquí se puede acceder al VERKAMI: http://vkm.is/jewishlife


.-¿Cuando va a salir al mercado y tenéis ya fijada alguna fecha de presentación del disco?

Desde el pasado 12 de octubre ya tenemos disponible en los portales On-line como Spotify, Itunes, Apple Music…el primer single del CD que corresponde con el primer track: el ya famoso Sholem-Alekhem, rov Feidman! de Béla Kovács (pueden escucharlo aquí https://open.spotify.com/album/0k3tzQGPqyJ94C9ZnZfp2w)

En breves sacaremos otro single correspondiente al Jewish Song de Bloch y finalmente el CD estará diponible ON-LINE el 20 de diciembre. En las tiendas físicas el disco vendrá con la primera presentación que tendrá lugar el 25 de enero a las 20.00 en La Quinta de Mahler de Madrid, el lugar asiduo para las presentaciones. El día 1 de febrero se presentará en Barcelona, en la Biblioteca Nacional de Catalunya, el 22 de febrero volvemos a Madrid en el Centro Nicolás Salmerón, organizado por el Centro Sefarad Israel, 14 de abril estaremos en Menorca, entre otras fechas aún por confirmar.


.-Trabajas cómo intérprete, enseñante, etc. ¿eres más pedagogo que intérprete?

Pregunta compleja…jajaja. Para empezar, el concepto de intérprete no me gusta mucho ya que carece de poca presencia artística y se centra básicamente en saber ejecutar bien un instrumento y decir lo que hay escrito en una partitura. Prefiero el concepto de músico (sea cuál sea su especialidad), aquél que entiende la música, que entra en ella, que conoce bien aspectos de teoría musical, harmonía, análisis, técnicas de otros instrumentos e incluso tocarlos, aquél que se reúne con unos amigos e improvisa alguna cosa y después se pone delante de una orquesta y toca con una delicadeza extrema el concierto de Mozart.
Más bien me definiría así y por consiguiente creo que si eres “músico”, no estás tan lejos de ser un buen pedagogo. Hecho que sí veo difícil si te limitas a ser intérprete.

La pedagogía es algo muy complejo, y más hoy, donde existen cantidad de nuevas metodologías. Es difícil ser un buen profesor ya que cada niño, adolecente, adulto es distinto y hay que saber adaptar bién un currículo a cada persona. No todos pueden hacer lo mismo y si tienes un alumno que te lee el swing de maravilla, ábrele las puertas de la música moderna pero por eso tienes que tener unas nociones y sobre todo tener un interés y tu mente abierta. Creo que hoy en día, gracias al grado de pedagogía del instrumento que se puede estudiar en conservatorios como la ESMuC, estan saliendo buenos profesores. En lo personal, me gusta dar clases y compartir mi visión y mis conocimientos, cosa que hace que necesite un equilibrio entre ser músico como “intérprete” y profesor.


.-¿Cuál es tu concierto preferido escrito para clarinete? ¿Y tu sonata?

Es difícil dar una respuesta. El clarinete es un instrumento increíble y han sido muchos  los compositores que han escrito para él, donde econtramos grandes tesoros. Aparte de los grandes clásicos Mozart, Weber, Spohr, Nielsen o Françaix, soy un enamorado de Copland, Tomasi, Artie Shaw, etc…
Hay tanta música fantástica para clarinete…me encanta la Sonata de Salvador Brotons y la verdad es que es una obra que está cogiendo mucha popularidad en Europa. Soy fan de Osvaldo Golijov y su quinteto con cuarteto de cuerda llamado The Dreams & Prayers of Isaac The Blind.

.-Me gustaría que nos dijeras, cómo se debe estudiar el clarinete a diario. Me refiero a un estudio de mantenimiento, de clarinetistas que ya han terminado sus estudios. Por ejemplo, ¿crees necesarias la notas largas, la práctica diaria de escalas, terceras, arpegios, etc.?.

Buena pregunta y muy amplia, hahaha. Depende de los compromisos y los repertorios que uno tenga que afrontar pero por norma general tengo unas rutinas que no me las quita nadie y donde las notas largas ocupan el primer lugar. Son muy importantes y esenciales no solo para el mantenimiento sino para trabajar uno de los aspectos más importantes de nuestro instrumento: el sonido.
En cuanto a la técnica y ejercicios de mecanismo son muchos los libros y estudios que tenemos a nuestra disposición. Yo uso dos libros diariamente. Por un lado “Les Gammes Clarinetistiques” de Yves Didier y por otro el “Everyday Scale Exercicies” de Béla Kovács.


.-Las cañas sintéticas, son usadas actualmente por grandes profesionales de nuestro instrumento, por ejemplo en Alemania y Austria, los hermanos Otenssamer, Wenzel Fuch, Reinhar Weiser, tocan con ellas; y en España, Enrique Pérez Piquer, solista de la ONE, José Vicente Herrera, solista de la Orquesta de Valencia, también tocan con cañas sintéticas. ¿Puedes decirnos si las has probado, si te gustan, o si crees que por el contrario, las cañas vegetales son insustituibles?

Pregunta obligada hoy en día dentro de los clarinetistas, jajaja. Cada día salen nuevos materiales y más marcas. Creo que esto es genial para salir del monopolio y del estándar de como se debe tocar. Soy un antisistema en este sentido ya que creo que cada uno debe tocar con aquello que le guste y se sienta más cómodo. Ya sea modelo de clarinete, boquilla, caña, abrazadera…me encanta ver como vamos hacia un mundo en que te encuentras con cinco clarinetistas y cada uno toca con materiales distintos. Al respeto de eso, creo que el sonido está en el interior de cada uno y el material solo es una pequeña ayuda para sacar tu sonoridad.

Soy un defensor de las cañas sintéticas y toco con ellas. Hace un par de años, un alumno mío me hizo descubrir las cañas Légère European Cut (y también su magnífico blog -un saludo Luís que seguro que lo estás leyendo-). En esos momentos me estaba preparando para dar unos conciertos con el Quinteto de Mozart en los Pirineos. Ya ves, yo en Menorca al lado del mar a un 90% de humedad y tener que ir a tocar a 2.000 m de altura en un clima seco…pues me dispuse a probar las cañas sintéticas y aún sigo tocando con ellas. Des de la primera emisión me fueron perfectamente, buenas dinámicas, perfecto staccato…y lo mejor, se acabó batallar con las cañas.
También se debe (creo) a la combinación con mi boquilla ya que toco con Pomarico y estas funcionan muy bien con las cañas sintéticas. Otro tema, el cristal…jajaja


Muchas gracias por darme la oportunidad de compartir un rato contigo y felicitarte otra vez por tu trabajo y aportación al mundo del clarinete. ¡¡UN ABRAZO!

Bug, Bruno Mantovani - Tolo Genestar


MazikDuo                                                                             

Podéis escuchar el vídeo presentación clicando AQUI