domingo, 22 de octubre de 2017

Kilian Herold and Sarah Maria Sun - Màtyàs Seiber 3 Morgenstern-Lieder

Gran calidad la de Kilian Herold. No hay día que no me sorprenda de la cantidad de grandísimos clarinetistas, que existen en la actualidad. Y no sólo la calidad que atesoran, sino el repertorio al que se enfrentan, afortunadamente porque existe. Pocos compositores han dejado de escribir para nuestro instrumento.Y lo hacen porque encuentran en el clarinete, un instrumento que se adapta a todos los estilos y además "empasta" perfectamente con la mayoria del resto de instrumentos, y hasta con la voz cómo es el caso.                                          
 Kilian Herold.
Después de estudiar en Berlín, Chicago y Hannover, Kilian Herold ganó la audición para director Clarinete de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen en 2004, a la joven edad de 23 años. Desde entonces, su excelente interpretación ha aparecido en muchas grabaciones de CD y DVD realizadas por la famosa orquesta de cámara (por ejemplo, los ciclos sinfónicos de Beethoven y Schumann con Paavo Järvi), y también en sus presentaciones en vivo en Alemania y en el extranjero. Kilian Herold tuvo éxito temprano en una serie de competencias y fue seleccionado para becas por la Fundación Cusanus y el Consejo de Música Alemana (Deutscher Musikrat). Ha actuado como clarinetista solista con una serie de reconocidas orquestas como la Filarmónica de Berlín, la Staatskapelle de Dresde, la Orquesta Filarmónica de Dresde y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart, en colaboración con directores como Paavo Järvi, Daniel Harding, Christoph Eschenbach, Herbert Blomstedt y Valerie Gergiev. . Su apasionada música de cámara y actuaciones en solitario han entusiasmado al público del festival en el Rheingau Music Festival, Schleswig-Holstein y el Festival Internacional Brahms de Baden-Baden, junto con otros recitales en toda Europa, en América del Sur, India y Japón. En abril de 2010, Kilian Herold actuó en el concierto de apertura del International Schumannfest en Düsseldorf junto con Thomas Hampson tocando el concierto de clarinete de Weber acompañado por la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. En 2011 se convirtió en el nuevo clarinete principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Friburgo / Baden-Baden. En otoño de 2012, Avi-Music lanzó su nuevo CD con obras de Brahms y Comtemporaries grabadas con el pianista Amir Katz. 
Fuente; página web Kilian Herold




Mátyás György Seiber , 4 de mayo de 1905 - 24 de septiembre de 1960) fue un compositor de origen húngaro que vivió y trabajó en el Reino Unido desde 1935 en adelante. Su obra relacionó muchas influencias musicales diversas, desde la tradición húngara de Bartók y Kodály , hasta Schoenberg y la música en serie , el jazz, la canción popular, el cine y la música más ligera.(wikipedia)

jueves, 19 de octubre de 2017

Gioacchino Rossini/ Introduction thème et variations clarinette /Guy Deplus /Yoav Talmi

 Me consta que habéis tocado y escuchado  Introducción ,Tema y Variaciones de Rossini, muchísimas veces. Creo que esta grabación es lo suficientemente interesante para publicarla. Una leyenda del clarinete,Guy Deplús, y sobre todo el año en que la grabó pueden enriquecer nuestra percepción de cómo se tocaba el clarinete en una época ya lejana.
 No hace muchos días publiqué "Café concierto" en el que pudistéis escuchar a Juan Vercher (q.e,p.d.) en una grabación del año 1979.Guy Deplús grabó Rossini en 1974, exactamente cuando tenía cincuenta años. La calidad que tiene Guy Deplús como clarinetista es muy grande.Quién diría que esta grabación tiene prácticamente 50 años,bueno exactamente 38.Qué bien le suena el clarinete,excelente emisión, y no menos excelente su picado.Una versión fantástica, la que nos ofrece Guy Deplús.
Guy Deplús. · País de origen: Francia · Fecha de nacimiento:24 de agosto, 1924. · Clarinetes: Buffet Crampon. · Curiosidad: Fue mencionado como un gran instrumentista por el compositor Igor Stravinsky en su libro '
Biografia: 
Guy Deplus, uno de los clarinetistas con mas renombre mundial, estudió en el Conservatorio de París donde obtuvo su primer premio tanto en clarinete como en música de cámara. Luego asumió el profesorado de ambas cátedras en la misma institución. Ha sido miembro del grupo "Domaine Musical" con Pierre Boulez y del Concerts Colonne, el ensemble Ars Nova (con Marius Constant), y el Octeto de París. También ha sido Primer Solista de la Opera de París, y es actualmente maestro en la Escuela Normal de Música de París. Deplús viaja muy a menudo, y ha ofrecido conciertos como solista o músico de cámara en Alemania, USA, Japón, Latinoamérica, Sudáfrica, Suiza, Bélgica, Holanda, España, Italia, Bulgaria, y Rusia. Ha presentado clases maestras en las grandes ciudades del mundo, que incluyen Darmstadt (Alemania), Seúl (Korea), Montreal (Canadá), Denver, Seattle, La Eastman School at Rochester, New York, Boston, Chicago, Denton, Los Angeles (USA) y algunos conservatorios en Japón. También ha sido miembro del jurado de prestigiosas competencias internacionales de clarinete como Munich, Génova, Praga, París, Reims, Bruselas y Mercadante(Italia)
Fuente biografía;Clariperu

Feliz día

lunes, 16 de octubre de 2017

M.Glinka Trio Pathetique for clarinet, piano and cello

Mijaíl Ivánovich Glinka (en ruso: Михаил Иванович Глинка; Novospásskoie, provincia de Smolensk, 1 de junio de 1804-Berlín, 15 de febrero de 1857) fue un compositor ruso, considerado el padre del nacionalismo musical ruso.
 Biografía 
 Durante sus viajes visitó España, donde conoció y admiró la música popular española, de la cual utilizó el estilo de la jota en su obra La jota aragonesa. Recuerdos de Castilla, basado en su prolífica estancia en Fresdelval, «Recuerdo de una noche de verano en Madrid», sobre la base de la obertura La noche en Madrid, son parte de su música orquestal. El método utilizado por Glinka para arreglar la forma y orquestación son influencia del folclore español. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas españolas”. Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se lo considera el 'padre' de la música rusa. 
Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país. Sus obras más conocidas son las óperas Una vida por el Zar (1836), la primera ópera nacionalista rusa, y Ruslán y Liudmila (1842), cuyo libreto fue escrito por Aleksandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto. En Una vida por el Zar alternan arias de tipo italiano con melodías populares rusas   No obstante, la alta sociedad occidentalizada no admitió fácilmente esa intrusión de "lo vulgar" en un género tradicional como la ópera. Sus obras orquestales son menos conocidas. Inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco": Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov, Aleksandr Borodín, Cesar Cui, Mili Balákirev) para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo, más tarde, fundaría la Escuela Nacionalista Rusa. Es innegable la influencia de Glinka en otros compositores como Vasili Kalínnikov, Mijaíl Ippolítov-Ivánov, y aún en Piotr Chaikovski. 
 DE M.Glinka podéis escuchar el Trio Pathetique para clarinete, piano y violonchelo, interpretado en el Festival "International Conservatory Week" Saint-Petersburg, Russia 2009  

La partitura la podéis descargar clicando
AQUI
Gracias por visitar el blog.Feliz día 

sábado, 14 de octubre de 2017

Ciencia en el arte del legato - Ganador del concurso de investigación 2016





En la revista International Clarinet Association, publican este  artículo, que  esperando no les moleste, os ofrezco por su interés para todos nosotros (al menos para mí).
Os podéis hacer miembros de la Asociación que publica artículos relacionados todos ellos con el clarinete.Al final os dejo el enlace por si queréis visitar la página y bucear.
Espero os agrade.
Feliz día.

Cuanto más tiempo pueda mirar atrás, más lejos podrá mirar hacia adelante. - Sir Winston Churchill (1874-1965)

Artículo por Ron Odrich

HISTORIA
Todo comenzó con Leonardo da Vinci. A principios del siglo XVI, descubrió que cuando el flujo de un gran volumen de fluido se comprimía a través de una pequeña abertura bajo presión constante, demostraba un rápido aumento de la velocidad. 1 Descubrió esto introduciendo pequeños gránulos de material opaco en el agua y observando el efecto en una replicación de vidrio de un corazón de buey a medida que el fluido pasaba bajo presión a través de la válvula que separaba el corazón de la aorta. Significativamente para los futuros clarinetistas, da Vinci también notó que cuanto menor era la apertura, mayor era la velocidad. En física, el estudio de la dinámica de fluidos incluye el flujo de gases y líquidos.
Nuestras preocupaciones como clarinetistas involucran la mecánica de la dinámica del flujo de aire. Generalmente se reconoce en la pedagogía del clarinete que una columna de aire con alta velocidad es indispensable para lograr un tono y un legato exquisitos. Esta correlación es un punto clave para comprender el papel de la ciencia en el arte del clarinete legato.


Esta formulación a su vez fue refinada aún más por Giovanni Battista Venturi (1746-1822), un físico y sacerdote italiano. El "aparato Venturi" demostró claramente una reducción recíproca de la presión dentro de la columna de aire al pasar de un volumen mayor a través de una abertura más pequeña a una velocidad mayor (ver Figura 2). 4 (También es interesante notar que el cañón Hans Moennig aplica el "principio da Vinci" - justo antes de que el flujo de aire entre en la articulación superior pasa a través de un orificio invertido cónico ... un tubo Venturi). Los principios establecidos por estos desarrollos históricos forman la base para crear un legato de clarinete efectivo.
Hay tres requisitos para aplicar estos principios a tocar el clarinete:
  1. La creación de un volumen expandido de aire para actuar como fuente primaria, que se configurará en una columna de aire dirigida
  2. Un método para dar forma al flujo de la columna de aire cuando se dirige a la punta de la caña: el "punto de velocidad"
  3. La formación de una pequeña abertura en el punto de velocidad, que logrará la velocidad óptima de la columna de aire cuando activa la caña.
1. Establecer un gran volumen de aire
Según lo informado por Luis Rossi en The Clarinet , Anton Stadler en 1800 recomendó la técnica vocal de "abrir la garganta" para producir un hermoso tono de clarinete. 5 En su día, Stadler fue celebrado por la hermosa y similar calidad de su sonido. Para aplicar este método, es necesario ampliar el espacio en la orofaringe (el espacio en la garganta directamente detrás de la lengua) como forma de obtener un sonido más vocal en el clarinete (ver Figuras 3 y 4). Elevar el paladar blando logra esto y tiene muchas otras funciones útiles en la interpretación de clarinete. 6
 Se ha observado que al enrollar el labio superior contra los aspectos faciales de los dientes frontales superiores y al tirar suavemente hacia atrás se eleva el paladar blando en la parte posterior de la boca. 7 Esta acción crea automáticamente el espacio más grande deseado en la orofaringe, a la que Stadler se refirió como la "garganta abierta". El espacio más grande albergará un mayor volumen de aire como fuente primaria. Comúnmente una acción de este tipo desencadena un bostezo, que resulta de elevar significativamente el paladar blando. 8 Los clarinetistas que usan una embocadura de labio doble crean automáticamente este espacio, pero también se puede lograr fácilmente usando una embocadura de un solo labio, curvando el labio superior y estirándolo hacia atrás sobre las superficies faciales de los dientes frontales superiores, tal como se describe.
2. Dar forma a la columna de aire
La posición de la lengua es fundamental para dar forma a la columna de aire. Para lograr este objetivo, la retracción muy suave de la mandíbula inferior a lo que se llama la "posición retuída" reduce el espacio para la lengua, haciendo que se arquee y se extienda lateralmente. Esta posición de la lengua sirve tanto para dar forma a la columna de aire y actuar como el piso de una válvula que entrega la columna de aire a la punta de la lengüeta. De esta manera, la lengua puede esculpir con precisión el tamaño y la forma de la columna de aire y controlar el tamaño de la abertura en su punta, haciéndola tan pequeña como se desee. La sensación inconfundiblemente identificable de la corriente de aire que fluye rápidamente sobre la punta de la lengua al dirigir la columna de aire hacia la abertura de la punta de la boquilla / valija, valida que la lengua ha dado forma y entrega la columna de aire al punto de velocidad.
3. Incremento de la velocidad
Para lograr una velocidad óptima, es necesario crear una pequeña abertura en el punto de velocidad a través del cual la columna de aire de la orofaringe fluirá y será entregada a la punta de la caña. Hay tres elementos involucrados en la formación de la apertura más ideal:
  • la punta de la lengua
  • la punta del complejo caña / boquilla
  • el paladar duro justo detrás de los dientes delanteros superiores
Estos deben acercarse a "exprimir" el aire a través de la caña (ver Figura 5). Es importante reconocer que es la velocidad del flujo de aire lo que crea una conexión fluida de notas y logra el mejor resultado, no un aumento de la presión ejercida . La abertura más pequeña posible crea la velocidad máxima. Usar el llamado empuje diafragmático para intentar obtener un mejor legato entre las notas al aumentar la presión y, por lo tanto, el volumen, solo crea un crescendo a la siguiente nota. Es contraproducente.
De las tres estructuras que forman la pequeña abertura, una es inmóvil: el paladar duro directamente detrás de los dientes anteriores superiores. Es un tejido anatómico fijo.
La colocación del segundo elemento, la punta de la caña / boquilla, es un factor ajustable que se puede acercar al paladar duro. La ubicación de la punta de la boquilla depende de ciertas variables. Para la mayoría de los clarinetistas, colocar la punta de la boquilla más cerca del paladar duro requeriría sostener el clarinete más cerca de lo normal para el cuerpo. Una posición de este tipo gira el pico en el borde de los dientes frontales superiores y acerca la punta de la boquilla al paladar duro, o en algunos casos, incluso puede descansar sobre el paladar duro.
La más móvil y flexible de estas tres estructuras es la lengua. Para formar la lengua correctamente al dar forma a la columna de aire, es útil retraer suavemente la mandíbula inferior, arqueando la parte posterior de la lengua. La lengüeta lateralmente arqueada y arqueada se coloca más cerca de la punta de lengüeta.
Eliminar el aumento de la presión de aire "entre las notas" y reemplazarlo por una mayor velocidad del flujo de aire permite un legato conectado sin problemas a cualquier volumen .
EJEMPLOS FAMOSOS
Dos clarinetistas, Daniel Bonade y Robert Marcellus, fueron particularmente famosos por sus magníficos legatos. Como alumno de Bonade y Marcellus, el autor señaló que cada uno de ellos retiró el labio superior y sostuvo el clarinete en esta posición hacia abajo, colocando la punta de la boquilla cerca del paladar. Ambos también sintieron que para alcanzar un hermoso sonido de clarinete, la punta de la lengua debe estar muy cerca de la caña.
Tal unión de los tres componentes importantes, la punta de la lengua, la punta de la caña y el paladar duro, además de elevar el paladar blando, es ideal para crear la abertura más pequeña a través de la cual se puede "exprimir" la columna de aire más grande "Para lograr la máxima velocidad. Es apropiado también recordar que Marcelo y Harold Wright, en su enseñanza, enfatizaron la necesidad de tener la punta de la lengua cerca de la caña para producir un hermoso sonido de clarinete.
Escuche a Marcellus en la grabación del Octeto Szell Schubert, o en sus solos en la grabación Szell de la Obertura Rosamunde , y a Bonade en el solo en ascenso y descenso rápido en Scheherezade .




 









Figura 6: Daniel Bonade  y Robert Marcellus; Observe la posición del clarinete con la punta de la boquilla cerca o tocando el paladar. 

MÉTODO PRÁCTICO
El siguiente es un método paso a paso para encontrar el enfoque óptimo para adaptarse a la configuración anatómica de cada individuo. Todos estamos construidos de manera similar pero no idéntica. Existen muchas variables en la anatomía oral y craneal y la forma de la boquilla que evitan el éxito probable de dictar reglas fijas para colocar la boquilla, los labios y la lengua en la boca de un individuo. Una breve lista incluiría: tamaño de la lengua, alineación de los dientes, grados de sobremordida y reborde, altura de la bóveda del paladar, grosor de los labios, prominencia del mentón y curvatura del pico de la boquilla y su punta .
El enfoque propuesto aquí establece un método ideal para lograr los resultados óptimos para cada individuo. Claramente, cada clarinetista necesita adaptar los principios a su compuesto anatómico particular. La idea es establecer el enfoque ideal como punto de partida y aproximarlo lo más cerca posible.
Posicionamiento de la boquilla, lengua y paladar blando
Comience colocando la punta de la boquilla para que descanse suavemente contra el paladar duro anterior (el tejido de la encía directamente en la parte posterior de los dos dientes frontales superiores). Para la mayoría de los clarinetistas esto requeriría sostener el clarinete más cerca del cuerpo, posiblemente levantando la cabeza y retirando suavemente la mandíbula inferior. Esto permite que el labio inferior soporte la caña y le permite vibrar más libremente. Esto también coloca correctamente la parte posterior de la lengua, la arquea hacia el paladar y la extiende lateralmente para que los lados de la lengua se asienten sobre las superficies mordedoras de los dientes posteriores y descansen sobre las mejillas. En esta posición, la lengua forma la columna de aire correctamente para su entrega a la caña. Luego, la punta de la lengua se coloca cerca de la punta de la lengüeta, creando una pequeña abertura a través de la cual fluirá la columna de aire. El labio superior en los jugadores de un solo labio luego se acurruca contra las superficies faciales de los dientes superiores y se retrae. Esta posición crea un mayor volumen de aire en la orofaringe al elevar automáticamente el paladar blando. Los jugadores con doble labio reflexivamente lo hacen y es la razón por la cual la mayoría de los jugadores con un solo labio, al experimentar con la embocadura de doble labio, notan que hay una diferencia en la calidad del sonido.
La "técnica Lisp" para posicionar la lengua
Para ubicar la posición propuesta para la punta de la lengua, diga "s" como si estuviera cisando. Coloque su lengua entre sus dientes superiores e inferiores y produzca un "thhhhh" no sordo. Mantenga el aire fluyendo y lentamente vuelva a introducir su lengua en su boca mientras continúa formando el sonido "thhhhhh" hasta que la punta de la lengua siga las superficies de la boca Parte posterior de los dientes delanteros superiores y descansa justo arriba y detrás de ellos. La columna de aire en un punto dado hará que se escuche un silbato. Sonará como una tetera en el punto de ebullición. Este método establece
la colocación recomendada para la punta
de la lengua
Puede probar este método en la muy delicada entrada F-sharp al comienzo del Concierto Copland, o la primera entrada ppp en una A por encima del pentagrama en el olvido de Piazzola. Experimentar con estas entradas ayuda a establecer cómo es sentir la columna de aire fluir sobre la punta de la lengua. Un enfoque práctico sería comenzar con una presión de aire estable, colocar la punta de la lengua ligeramente sobre la caña y retirarla lentamente, deslizando la punta hacia arriba cerca del paladar, manteniéndola en la posición donde la nota aparece por primera vez al nivel de ppp . A continuación, mantenga un tono largo allí para obtener la sensación de la columna de aire que fluye sobre la punta de la lengua.
Otra sugerencia es probar el estilo "Detachés" del Vade Mecum du Clarinettiste de JeanJean . El flutter-tongue trae la punta de la lengua directamente detrás de la parte más avanzada del paladar duro, el tejido de la encía justo detrás de los dientes anteriores superiores.
Consideraciones prácticas y ajustes
En muchos casos, sostener el clarinete en un ángulo tan agudo puede ser casi imposible. El autor, por ejemplo, tiene un mentón prominente, lo que impide alcanzar la posición ideal recomendada y limita la cercanía de la punta de la caña al paladar. Los clarinetistas con una mordida tendrán la misma limitación. En tal caso, la punta de la boquilla puede ser más baja en la boca de lo prescrito. Sin embargo, la punta de la lengua aún se puede colocar lo suficientemente cerca de la caña y el paladar para crear una abertura lo suficientemente pequeña que funcione con bastante eficacia para aumentar la velocidad del aire. Esta posición también establece una forma interesante de articular, ya que la parte inferior (ventral) de la lengua puede entrar en contacto con la punta de la caña para obtener una articulación distintiva. Esto puede parecer extraño al principio, pero es muy recomendable para la experimentación y la posible adopción para algunos como una forma permanente de jugar. Una vez que estos pasos iniciales se convierten en rutina, lo que al principio se consideró un enfoque extraño se convierte en una norma cómoda.
Cada jugador, para aplicar estos principios, debe encontrar su posición más adecuada para colocar las puntas de la boquilla y la lengua junto con la posición de la mandíbula inferior y la acción de los labios. El grado en el que este método puede ser aproximado por cada clarinetista dependerá de la configuración anatómica de todas las estructuras individuales involucradas.
Presión y velocidad
Una vez más, una palabra sobre la relación entre presión y velocidad en lo que se refiere al juego de clarinete: un aumento de la presión creará un aumento de volumen, pero un aumento en la velocidad garantiza la continuidad de la vibración de la caña, lo cual es importante para alcanzar el objetivo de "Jugar entre las notas" (el legato) en cualquier nivel dinámico. Otra aplicación práctica de este método se aprecia rápidamente cuando, al final de una frase, se toma una nota en un diminuendo cónico. Intenta mantener una línea media B que comienza en forte y disminuye lentamente a un pianissimo. Cuanto más se acerca a ppp , más difícil es mantener la nota. A medida que esto ocurre, levanta lenta y delicadamente la punta de la lengua más cerca del paladar. Esto apretará aún más la columna de aire, haciendo posible que la caña siga vibrando, continuando así el diminuendo sin cambio de tono. Se necesita práctica y también funciona muy bien en los registros superiores. Recuerde que aumentar la presión hace que el sonido sea más fuerte. El aumento de la velocidad de la columna de aire sigue generando el sonido incluso a niveles dinámicos delicados.
PENSAMIENTOS FINALES
Con la aplicación cuidadosa de estos principios, es posible idear un método eficiente y altamente personalizado para formar la forma óptima y la entrega de la columna de aire para cada individuo. Esto facilitará el logro de un tono centrado y un legato lo más óptimo posible dadas las diversas estructuras anatómicas de cada individuo y el equipo utilizado.
Se espera que la aplicación de
estos fundamentos científicos para las artes
de enseñar y tocar el clarinete ayudará a comprender la importancia de los principios de la dinámica de fluidos para lograr un bello sonido de clarinete y un precioso legato. 

Fuente;http://clarinet.org/2017/10/04/science-in-the-art-of-the-legato-2016-research-competition-winner/ 

miércoles, 11 de octubre de 2017

Café Concierto/Juan Vercher y Angeles López.1979

Nunca creí poder escuchar a Juan Vercher (.q.e.p.d) después de tantos años, ni sabía que en Televisión a la carta, "alguien" ha encontrado esta histórica grabación. Juan Vercher fue durante muchos años catedrático de clarinete del Conservatorio Superior de Música en Valencia. Por sus aula pasaron cientos y cientos de alumnos.
No sé si los que no sois de Valencia, habréis oído hablar del Sr.Vercher, pero lo que sí estoy seguro es que lo conocen todos los valencianos.Los de su época cómo es mi caso ( fui condiscipulo suyo, en la clade de D. Lucas Conejero), y los más jóvenes, incluso los actuales alumnos del Conservatorio de Valencia. 
Tenéis que perdonarme que no haga una mención ni artística ni personal de D. Juan.Falleció hace unos años y lo único que puedo hacer es desear que descanse en paz. 
Sí hacer una mención al programa Café Concierto que se emitía en TVE.a primeras horas de la tarde, una vez a la semana.Si no recuerdo mal creo que era por la Segunda de TVE.Después de casi 50 años, hoy TVE. no tiene ningún programa de música clásica, pues si queremos escuchar un concierto en diferido tenemos que levantarnos a las 7,30 de la mañana,los sábados y domingos, para despejarnos y sentarnos a ver la pequeña pantalla. La programación es nefasta. Ni una sola vez, he podido escuchar la ONE. Suelen programar conciertos de la orquesta de RTVE,y alguns ocasiones del coro del mismo medio. Me levantaba todos los sábados y domingos, pero ya no.No merece la pena.Algunos días si lo que mal programan dura 40 minutos, pues con eso es suficiente, y después del madrugón un dia de asueto, te quedas con una cara de "tonto" que te dura todo el día. Por eso es histórico que en 1979, existiera el programa Café Concierto, en el que además entrevistaban al instrumentista que tocaba, para que diera una pequeña explicación del instrumento. 
Nada más. Al clarinete D. Juan Vercher Grau (q.e p.d.)
 Feliz dia de la Hispanidad. 

Cilcar aqui para accder al vídeo

domingo, 8 de octubre de 2017

Malcon Arnold/Fantasía para clarinete solo.Clar; Josep Fuster

Del CD que grabó hace unos meses Josep Fuster, para clarinete solo, os ofrezco otra de las obras que se incluyen en el mismo.La fantasía para clarinete solo de Malcom Arnold. Agradecer una vez más a Josep Fuster, la oportunidad que me ofrece de poder publicar en exclusiva, la mayoría de sus grabaciones. No tendría ningún problema ( al contrario ) de publicar de todos los clarinetistas al igual que lo hago con Josep Fuster, pero evidentemente, no es fácil la tarea que me facilita Fuster, dada la amistad que nos une. En la Fantasía de Malcom Arnold, Josep, demuestra una vez más su enorme calidad, tanto sonora,interpretativa y virtuosa.
 Feliz día
.  
 Malcon Arnold.









Malcolm Henry Arnold, CBE (Northampton, 21 de octubre de 1921Norwich, 23 de septiembre de 2006) fue uno de los compositores británicos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Comenzó su carrera como trompetista profesional, pero alrededor de los treinta años decidió dedicarse exclusivamente a la composición. Compuso más de quinientas obras, tanto música clásica como documental y cinematográfica (obteniendo, en 1957, un Óscar a la mejor banda sonora por El Puente sobre el Río Kwai). Fue uno de los más polémicos compositores ingleses del siglo XX, debido a un estilo neorromántico y neoclásico que ya había sido prácticamente relegado al pasado y sus consiguientes roces con la crítica especializada.
Malcolm Arnold nació en Northampton el 21 de octubre de 1921, en una familia acomodada: su padre

jueves, 5 de octubre de 2017

Parto, parto. La Clemenza di Tito.

Un placer poder publicar un nuevo vídeo en el que interviene como clarinete solista Silvia Insa. En su día publiqué el CV. de Silvia, una entrevista a la misma, que figura en la etiqueta correspondiente ( por si alguien no la ha leido y quiere hacerlo)y un par de vídeos.
No hay instrumento que me conmueva más que el clarinete, pero si además interviene junto a un@ cantante en una ária de cualquier ópera, me conmueve,estremece y me emociona doblemente.Silvia está francamente a una gran altura tanto en sonido como en interpretación en el ária, "Parto, parto" de la Clemenza de Tito,del inigualable Mozart, que desde que conocíó el clarinete, le dió un enorme protagonismo.
Espero que lo disfrutéis.
Feliz día
Kate Lindsey, mezzo
Sílvia Insa, clarinete
.


La clemencia de Tito (título original en italiano, La clemenza di Tito) ,
es una ópera seria en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Caterino Tommaso Mazzolá, basado en Pietro Metastasio. Lleva por número KV 621.
Fue compuesta para la coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia. Muestra la imagen de un gobernante recto pero clemente con su pueblo, incluso ante un intento de asesinato contra su persona preparado por Vitelia y llevado a cabo por Sexto, su amigo.
Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791. Es un “drama serio per musica”, con texto en italiano.

martes, 3 de octubre de 2017

Oposiciones a la Banda Municipal de A Coruña

Siempre es una satisfacción poder anunciaros que tenéis la oportunidad de opositar. En este caso para la Banda Municipal de A Coruña. 
Lamento profundamente que el primer ejercicio si no he leído mal, sea el conocimiento del idioma Gallego, en una prueba,que podréis leer en que consiste.
Nunca entenderé que la primera prueba sea un idioma que la mayoría de los españoles no hablamos, a no ser que sea, para favorecer a las instrumentintas de la tierra sin importar si tocan mejor o peor que otros opositores que no son gallegos. 
Comprendo que se pida el gallego, porque la plaza es para funcionarios de la Comunidad, pero creo que lo primero es escuchar a todos y elegir a los mejores.Tiempo habrá después para que el que apruebe haga todos los cursos necesarios para aprender el mencionado gallego. Y lo mismo pasa, para el Pais Vasco, para Cataluña, y para Valencia. Sencillamente vergonzoso.
Os dejo la convocatoria y el enlace de las bases. Cuidado que sólo hay diez dias de plazo,,,siempre dando    facilidades.

Confección urxente de listas para a cobertura de prazas de músicos

Grupo:

A2

Fecha de actualización:

3 de octubre de 2017

Observaciones:

Publicación convocatoria B.O.P.: 3 de outubro de 2017
Prazo presentación de instancias: 10 días hábiles, contados desde o seguinte ao da publicación do anuncio da convocatoria no Boletín Oficial da Provincia, isto é, do 4 ao 18 de outubro de 2017, ambos incluidos.

Bases de la convocatoria.Clicar aqui. 
Solicitud.Clicar Aqui 
 Feliz dia

sábado, 30 de septiembre de 2017

Una audición de orquesta desde dentro: qué sienten los músicos, qué buscan los tribunales

Una audición de orquesta desde dentro: qué sienten los músicos, qué buscan los tribunales



Artículo muy interesante, publicado en la revista Gran Pausa. No dejar de leerlo, por que describe de forma muy real, las situacione por las que pasa un opositor, sus miedos, sus nervios , sus ilusiones y esperanzas, y también que"busca" un tribunal en un opositor.Muy recomendable.

miércoles, 27 de septiembre de 2017

Quatuor Anches Hantées

Una grata sorpresa ha sido encontrar este fantástico cuarteto de clarinetes.Después de escucharles en varios vídeos que tienen en Youtube, he llegado a la conclusión de que con Vienna Clarinet Connection, son los dos mejores cuartetos de clarinetes de todos los que he escuchado. Estilos diferentes , quizá por aquello de las "escuelas",pero según mi criterio están a una gran altura los dos, que por cierto en el caso del Quatuor Anches Hantées,se dedican exclusivamente como intérpretes, a realizar audiciones en las salas más dispares, viviendo exclusivamente de las mencionadas audiciones. 





 Quatuor Anches Hantées








Danse espagnole n° 2 - Danza española nº2 - Spanish dance n°2 - La Vida Breve - Manuel De Falla Candide Overture by Leonard Bernstein- Quatuor de Clarinettes Anches Hantées

Quatuor de Clarinettes Anches Hantées

Compuesto por Élise Marre ( primer premio de la Haute Ecole de musique de Ginebra en 2006), Nicolas Châtelain (primer premio CNSMDP en 2007), Romain Millaud (primer premio CNSMDP en 2010) y Bertrand Hainaut en 2007), este cuarteto de clarinetes participa en numerosos festivales y actuaciones en varias salas, incluida la Casa de Radio Francia, como parte del espectáculo Génération jeunes interprètes de Gaëlle le Gallic transmitido por France Musique .
"Para apreciar a estos artistas a su verdadero valor, no hay necesidad de cantar alabanzas: una abundancia de sellos, una demanda artística impecable para la mayor felicidad de nuestros oídos encantados"
- Pascal Moraguès , concertista y clarinete solo de la Orquesta de París
Es regularmente programado en las ondas de France Musique y France Inter, lo que le valió ganar el Coup

domingo, 24 de septiembre de 2017

Maslanka: Concerto for clarinet and wind ensemble












  David Maslanka (q.e.p.d.)








David Maslanka (New Bedford, Massachusetts, Estados Unidos, 30 de agosto de 1943- 6 de agosto de 2017​) 
 Músico y compositor estadounidense que escribió para una variedad de géneros, incluyendo obras para coro, banda de música, música de cámara y orquesta sinfónica. Falleció por un cáncer de colon. 
 Conocido por sus composiciones para bandas de música, Maslanka ha publicado cerca de 100 piezas, entre ellas nueve sinfonías, siete de ellas para banda, nueve conciertos y una misa. El estilo compositivo de Maslanka es rítmicamente intenso y complejo, pero también muy tonal y melódicamente orientado. Las composiciones de Maslanka se han interpretado en todo Estados Unidos y Europa, así como Australia, Canadá y Japón. Obras Muchas de las composiciones de Maslanka para viento y percusión han pasado al repertorio de diversas bandas. 
Entre estas piezas están A Child's Garden of Dreams, Rollo Takes a Walk, y numerosos conciertos que ofrecen una amplia variedad de instrumentos solistas, entre ellos el bombardino, la flauta, el piano, la marimba, el saxofón alto y el trombón. 
La segunda y la cuarta sinfonías de Maslanka se han convertido en obras para viento particularmente populares. Entre sus obras para percusión están Montana Music: Three Dances for Percussion, Variations of 'Lost Love', My Lady White, Arcadia II: Concerto for Marimba and Percussion Ensemble, and Crown of Thorns. Maslanka también escribió una misa completa para coro completo, soprano y barítono, con acompañamiento por una completa banda sinfónica. Después de haber pasado su infancia en la zona de Nueva Inglaterra, una serie de composiciones de Maslanka fueron influenciadas por su estrecha relación con el mar. Sea Dreams, por ejemplo, así como el segundo movimiento de su segunda sinfonía, poseen referencias de grandes extensiones de agua. Las obras de Maslanka se han grabado y producido principalmente por Albany Records, así como Cambria Records, entre otros. La mayor parte de su música ha sido publicada por Carl Fischer.  
 

miércoles, 20 de septiembre de 2017

Los "piteros" de Cantabria.

Hace un par de años, publiqué un pequeño artículo que encontré sobre los "piteros de Cantabria". Lo publiqué porque me sorprendió que los piteros de Cantabria,pudieran tener alguna relación con nuestro instrumento.Y no es que tienen alguna relación sino que son músicos no profesionales que tocan el Requinto, o clarinete en Mi b, que en Cantabria le llaman "el Pitu". "El pitu" en Cantabria es un instrumento tradicional de aquellas maravillosas tierras, que a saber por qué adoptaron cómo instrumento típico. 
 Ser pitero en Cantabria es cómo ser Gaitero en Galicia o dulzainero en la mayoría de las Communidade españolas. Con el Requinto los "piteros" amenizan bailes, fiestas, bodas,etc.Son los "piteros" personas de alta consideración en Cantabria, pues de ellos y de sus "pitus" (Requintos) dependen la diversión de la mayoria de las fiestas de los pueblos de la tierra.Se me ha ocurrido, buscar algunos vídeos dónde podéis ver y escuchar piteros y piteras, amenizando todos los eventos que menciono anteriormente.
 


Requinto o "pitu", el sexto de arriba abajo y de izquierda a derecha.


















Clicar para ampliar.

LOS PITEROS.
Artículo de Paco San José; fuente;http://treujenngaol.over-blog.net/article-1394922.html
Bernardino Blanco ha sido músico profesional, clarinetista y un buen pitero, y ha dejado grabaciones de música popular de mucha calidad. Sin embargo cuando tenía más de 80 años se publico en el Centro de Estudios Montañeses un artículo suyo sobre los piteros, con muchos errores y muy graves. El primero es que en su artículo él mismo no se incluye como pitero y habla de ellos como alguien que lo analiza desde fuera. Analiza en ese artículo únicamente de lo que ha conocido, es decir entre 1950 y 1980 aproximadamente, dejando fuera todo lo anterior y los últimos 25 años, donde las escuelas de folklore han revolucionado la música popular. Un resumen de los demás errores sería lo siguiente:
 
Los piteros de requinto o clarinete mi bemol no son los únicos instrumentistas para animación de fiestas en Cantabria, dependiendo de las zonas de la región además del requinto había clarinete en si bemol, gaitas, dulzainas y flauta de tres agujeros, y más antiguamente violines. El clarinete era un 60% mi b, un 30% si b y un 10% otras afinaciones. Actualmente y desde 1980 todos los piteros usan requinto en mi bemol.
 
Los piteros no son solo de pueblo, ha existido una expresión rural de los piteros más famosa para los no

domingo, 17 de septiembre de 2017

"LOCURA" Obra para clarinete sólo

Antonio Jesús Arias Domínguez, es el compositor de "Locura" para clarinete solo. Me imagino que también es el intérprete, pero no puedo asegurarlo.
Siempre es grato para mí poder publicar nuevas composiciones para clarinete de autores actuales.
Locura a pesar del título y de ser una obra contempóranea, no es lo que solemos llamar "música rara" . Al principio cuatro o cinco multifónicos, la parte central, con largos intervalos, y  un final con unos efectos de eco, muy  interesantes. También en algunos momentos suenan dos clarinetes superpuestos que imagino, está grabado por separado y después mezclado en algún programa de audio.

LOCURA.


ANTONIO JESÚS ARIAS DOMÍNGUEZ

Natural de Bollullos par del Condado, comenzó sus estudios musicales con la edad de 9 años, en el Conservatorio Elemental de música de Bollullos par del Condado. Con 13 años se traslada al Conservatorio Profesional de música de Huelva en el cuál durante tres años continuó sus estudios de grado medio con el profesor Sergio Jiménez Arias, obteniendo Mención de Honor. Más tarde se traslada al Conservatorio Superior de Música "Manuel Castillo" de Sevilla donde terminará la carrera de clarinete en 2003.


En el registro de cámara a pertenecido a diferentes grupos como, el ensemble de clarinetes del Conservatorio profesional

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Cecilia Serra Bargalló.CV/Entrevista.











 Cecilia






A Cecilia Serra Bargalló, la conocí cómo a varios clarinetistas más en la “cafetería” Facebook. Las redes sociales es la forma actual de conocer a muchas personas, aunque a decir verdad, tienes que filtrar las peticiones de amistad que te llegan, o tener claro a que personas pides su amistad. Con Cecilia fue muy fácil, porque tenemos amigos comunes que sí conocemos personalmente y que también comparten el café diario en Facebook. Las publicaciones de Cecilia eran todas ellas muy interesantes. Nada de lo que ha comido, ni dónde está, ni selfis, recetas de cocina y ,mucho menos ningún ápice de ego. Todo lo contrario. Publicaciones interesantísimas, casi todas ellas relacionadas con la música en general y con el clarinete en particular. Publicaciones de las que se aprende. Técnicas de estudio, respiración, y un sinfin de temas relacionadas con la pedagogía del clarinete. Sin duda había que “hacerse” amigo de Cecilia y así es desde hace ya un par de años aproximadamente. Agradezco a Cecilia que accediera a contestar unas preguntas, y nos informara de quien es , dónde estudió, a que se dedica, etc. Que no se me olvide recomendaros sus blogs. Son muy buenos, yo diría que destacan sobre todos los que conozco dedicados especialmente a la pedagogía del clarinete, y dónde ella sí que realiza unas charlas con clarinetistas jóvenes que son un ejemplo.
 Gracias Cecilia. 
 Sobre Cecilia
Nací en Reus (Tarragona) y tuve mi primer contacto con la música en el ambiente familiar. Mi padre, Pere Serra, fue profesor de piano y lenguaje musical y mi madre, Mª Isabel Bargalló, profesora de guitarra e historia de la música, ambos en el Conservatorio Profesional de Música de la Diputación de Tarragona. Inicié los estudios oficiales en el Conservatorio Profesional de Música de la Diputación de Tarragona: piano con mi padre, clarinete con Eleuteri Sanchis y canto con Mª Teresa Català. De esta etapa destacan el Premio Extraordinario de Grado Elemental de clarinete y la Mención Honorífica de Grado Elemental de piano, así como el Premio Extraordinario de Grado Medio de clarinete. 
Titulada Superior de clarinete por el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona (modalidad libre), cursé mis estudios en Valencia con José V. Herrera (clarinete solista de la Orquesta de Valencia). De 1996 a 1998 estudié clarinete con Josep Fuster (ayuda de solista y clar. en mib de la Orquesta Ciudad de Barcelona) en Barcelona. Durante esta época también estudié piano con Carme Flexas y repertorio de clarinete con el pianista Jorge Romero. En 1998 ingreso en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena donde estudié clarinete-concertismo con el profesor Horst Hajek (Filarmónica de Viena) hasta 2002, obteniendo el Primer Diploma de Concertista “con Distinción” en 2001. También estudié piano con Eveline Heinisch, repertorio de clarinete con Maria Prinz y música de cámara con diversos profesores (Volker Altmann, Stepan Turnovsky, Gottfried Pokorny, Teresa Leopold y Marialena Fernandes). En 2001 obtuve el Diploma en lengua alemana “Mittelstufe C1” (Viena) y el Título de Profesor de Piano (CSMM Barcelona). Durante mis estudios me fueron otorgadas becas de “Agrupació Mútua” (1999), la Generalitat de Catalunya (2001) e “Ibercaja” (2003). 
Desde los 10 años he participado activamente en cursos de perfeccionamiento con Juli Panyella, Vicente Peñarrocha, Alfred Prinz (en la Academia de verano del Mozarteum-Salzburg, de 1993 hasta 1996 y 1998, participando en conciertos públicos -Wiener Saal y Leopold Mozart-Saal- y estrenando “Metamorphosen” del compositor francés P. Thilloy, junto al profesor de composición A. Müllenbach), Wolfgang Meyer, Walther Seyfahrt, Justo Sanz y Sabine Meyer, entre otros. En 1999 me invitan a participar en el “Attergauer Orchester Institut” (Salzburg; Sir N. Marriner, R. Weikert) con el patrocinio de la Orquesta Filarmónica de Viena. 
He tocado en recitales con los pianistas Jorge Romero, Maria Prinz, Alan Branch, Miguel Huertas, Jorge Blasco y Gabriel Jiménez. En el campo de la música de cámara he actuado en conciertos con diferentes formaciones en Austria, Alemania, España, México y EEUU. Fuí miembro de la “Orquesta Transversal de Catalunya”, reserva de la “Orquesta Juvenil Iberoamericana” (1997) y colaboré con la “Orquesta Sinfónica Europea” (con quien interpreté como solista el Concierto para clarinete y orquesta de W. A. Mozart bajo la dirección de Cristian Florea), la “Orquesta de cámara de Moldavia” y la orquesta de la Fundación “José Luís Moreno” (2005). He grabado para RTVE y ORF. 
He sido profesora de clarinete en “L’estudi de Música” (Tarragona), “Musicaeduca” (Alcalá de Henares), Escuela Municipal “Raimundo Truchado” en Ciempozuelos, así como en los Conservatorios Profesionales de Segovia, Ávila, Salamanca, “Teresa Berganza” (Madrid), Alcalá de Henares, “Federico Moreno Torroba” (Madrid) y “Amaniel” (Madrid). 
Desde 2006 imparto un “Curso de respiración para músicos“. He tenido la oportunidad de presentarlo en los Conservatorios Profesionales de Tarragona, Reus, Ávila, A Coruña, Lugo, Madrid (“Teresa Berganza”, “Adolfo Salazar”), Palencia, Tortosa, La Vall d’Uxó y Segovia, en el CEPSA “Oriol Martorell” de Barcelona, en las Escuelas Municipales de Música de Cambrils, Flix, Torredembarra y Hospitalet de l’Infant (Tarragona), en las Escuelas de Música “Afinarte”, “Progresión armónica” y “Musicaeduca” (Madrid), y en la Escuela de Altos Estudios Musicales de Santiago de Compostela.
 Afincada en Madrid desde 2003, proseguí los estudios de clarinete con Miguel Espejo (clarinete solista RTVE), de música de cámara con Esperanza Aldana y de canto con Linda Mirabal y Nelson Toledo. 
 Soy Graduada Superior en Estudios Alemanes por la Universidad Rovira y Virgili de Tarragona (2006) con Premio Extraordinario Final de Carrera. 
 Soy profesora de clarinete en la escuela de música “Afinarte” en Madrid. 
 Entrevista.-
 ¿Dónde naciste, Cecilia? 
  Nací en Reus, en la provincia de Tarragona, aunque mi familia residía por aquel entonces en Vila-seca de Solcina, a pocos kilómetros de allí. Mi madre quería sí o sí que mi hermana y yo naciéramos en Reus... jajajaja!!!! 
He leído tu CV y en él dice que tu primer contacto con la música lo tuviste en tu propio hogar; así pues, ¿tus padres eran músicos? ¿Crees que decidiste ser músico por ese motivo? 
Sí, mi padre era profesor de piano y mi madre de guitarra, ambos en el Conservatorio Profesional de Música de Tarragona. Cuando mi hermana y yo éramos pequeñas, también daban algunas clases particulares en casa y mi madre dirigía el coro del colegio, donde también cantamos. Nuestra casa estaba llena de instrumentos: pianos, guitarras, violines (mi madre también había estudiado piano y violín, además de la formación como directora de coro)... también una flauta travesera, que fue el instrumento que escogió mi hermana; también había muchísimas partituras, discos y libros sobre música, era algo normal en el día a día de la familia. De parte de los abuelos maternos también había antecedentes musicales.
 Después de tus primeras lecciones en casa, seguro que pasarías a estudiar en algún Conservatorio. ¿Fue en el de tu ciudad, donde tus padres ejercían de profesores? 
 Sí, fue en el Conservatorio Profesional de Música de la Diputación de Tarragona. En casa había empezado a aprender guitarra con mi madre. Llegada la edad "reglamentaria", fue natural pasar a los estudios del Conservatorio, donde yo elegí el piano, pasando entonces a estudiar "oficialmente" con mi padre. Un año más tarde, durante una audición, escuché a un par de compañeros tocar un dúo de Mozart con el clarinete y me encantó, así que al curso siguiente, empecé a estudiar paralelamente los dos instrumentos. Después de terminar en el Conservatorio Profesional de Tarragona hiciste el Grado Superior. ¿En qué conservatorio? Por aquel entonces (al pasar de grado) yo ya estudiaba privadamente con José V. Herrera en Valencia. Asistía a sus clases cada 15 días aproximadamente, complementando las clases oficiales del conservatorio. El Título lo conseguí en el Conservatorio Municipal Superior de Barcelona, pidiendo un permiso especial para cursar oficialmente sólo las asignaturas complementarias y haciendo el instrumento por libre, por lo que puede decirse que, aunque la titulación fuera del Conservatorio Municipal Superior de Barcelona, mi profesor en esa etapa fue José V. Herrera.
 ¿Ampliaste estudios en España después de titularte? ¿Con qué profesor? 
 Acabado el Grado Superior, empezó una etapa a priori algo inestable, pues no me podía permitir seguir viajando con asiduidad a Valencia y no sabía qué hacer. Ya me había cambiado dos años antes al sistema alemán y tenía el prejuicio de que nadie en Barcelona querría darme clases... hasta que un compañero clarinetista, Mateu Ferré, me recomendó que visitara a su profesor, Josep Fuster. Con muchísimo miedo e inseguridad le llamé y concerté una primera clase: se me abrió un mundo. Se desvanecieron mis prejuicios. Comenzaba una nueva etapa, corta pero muy productiva. Con Josep Fuster aprendí mucho, revisando todo desde la base de una manera sencilla y cercana. Aprendí sobre la base técnica y musical que llevaba de José V. Herrera. Este cambio me permitió prepararme para el acceso a la Universidad de Música de Viena, que era un sueño que empezó en la adolescencia con Herrera y que se hizo realidad. Apoyada por las clases de Fuster, me preparé por mi cuenta, me inscribí a las pruebas de acceso y ¡las pasé!
 Estudiaste piano y repertorio de clarinete... O sea, tu formación fue muy completa. El tener unos padres profesores de música, supongo que te facilitaría, por sus consejos, esa intensa formación. ¿Es así? 
 Efectivamente, ellos siempre me animaron a seguir con el piano y me proporcionaron algo impagable y que en mi época, o bien no existía o se hacía "con cuentagotas" en el conservatorio: tener un pianista acompañante. Mi profesora de piano, después de mi padre, fue Carme Flexas, alumna de la prestigiosa Academia Marshall de Barcelona y de Guido Agosti en Italia, y una pedagoga extraordinaria. Mi pianista repertorista "personal" fue Jorge Romero, que a su vez era pianista repertorista de la Escuela de Ópera de Barcelona, junto al barítono polaco Jerzy Artisz, de la mano de quien, casualmente "entre clase y clase", recibí las primeras nociones de anatomía de la respiración, empezando a encontrar respuestas a muchas de las preguntas que me hacía sobre el tema. El tener esas tres perspectivas de la música, clarinete, piano y repertorio, ha sido de lo más enriquecedor y sólo puedo agradecérselo a mis padres, que me orientaron con mucho acierto.
 Te trasladas a Austria a ampliar estudios con profesores de mucho prestigio. ¿Puedes comentarnos cuál es tu experiencia de aquellos años y si no te importa la diferencia más notable con respecto a los que habías realizado en España? 
 Pues sí, después de la etapa con Fuster en Barcelona, me presento a las pruebas de acceso de la Universidad de Música de Viena (Escuela Superior por aquel entonces) y entro a la clase del profesor de clarinete Horst Hajek (solista de la orquesta Filarmónica de Viena), que falleció tristemente por enfermedad en 2013... El ritmo de aprendizaje era muy fuerte: dos clases de clarinete individuales a la semana, más orquesta, música de cámara, repertorio con piano... en fin, las asignaturas que cada cual creía conveniente cursar, ya que era un poco como el sistema "antiguo" del conservatorio: no había un itinerario rígido, sino que se podían escoger las asignaturas flexiblemente. La diferencia básica entre estos estudios y los de España, según creo, radica en la flexibilidad. No había obligatoriedad o rigidez. Los estudios tenían un número de créditos que cada cual cursaba a su ritmo. Había compañeros de nivel altísimo que daban ya conciertos internacionalmente y, cuando tenían un hueco en la agenda, hacían sus exámenes. El título era como "un honor", no algo sin lo cual uno "no era nada". En España necesitamos el título para todo. Allí se necesitaba la profesionalidad, la solvencia, el talento... el título venía luego.
 He leído que estudiaste repertorio de clarinete con María Prinz. Si no estoy equivocado, Maria Prinz era la esposa en aquella época del eminente clarinetista Alfred Prinz (q.e.p.d.). Debió de ser una gran profesora, ¿me equivoco? 
No te equivocas en absoluto. María Prinz dominaba (y domina, porque todavía es profesora de repertorio en la Universidad de Música de Viena) todo el repertorio para clarinete y, es más, ¡sabía tanto del instrumento como cualquier profesor de clarinete! Sólo le faltaba tocarlo. Te puedo contar que tuve una época de mucha carga lectiva en Viena y no me di cuenta de que mi embocadura "decaía", se me arrugaba la barbilla... pero tenía tanto que hacer, que ni me daba cuenta... Gracias a ella, aprendí a ser consciente de este fallo técnico y de las nefastas consecuencias que tenía sobre la calidad del sonido, la afinación, etc. Fue ella y no un profesor de clarinete quien me hizo dar cuenta de esto, y lo que ha hecho que le preste especial atención a la hora de enseñar. 
Hiciste cursos de perfeccionamiento con varios profesores, todos ellos de enorme prestigio. Sin duda, aprendiste de todos ellos, pero seguro que hay uno que dejó en ti un mejor recuerdo tanto musical como humano. ¿Puedes citarnos cuál de todos ellos fue, si es que ocurrió así? 
 La verdad es que podría decirte cosas de todos y cada uno. Mis padres, en cuanto que músicos, sabían la importancia de asistir a estos cursos "de perfeccionamiento", que visité desde muy pronto. El primero fue con Juli Panyella, yo estaba en grado elemental. De él me hice consciente de que tenía "gracia" para el clarinete y conocí un montonazo de repertorio que todavía conservo y estudio. Luego con Ricard Peraire, de quien empecé a aprender la importancia de la conciencia corporal, la relajación... Después hice mis primeros cursos con José V. Herrera, que desembocaron en que me convirtiera en su alumna: música, música y música fue lo que aprendí y sigo aprendiendo con él; sin hablar del tema de las cañas, del cual es indiscutiblemente uno de los pioneros en nuestro país. También por esa época visité una clase magistral de Vicente Peñarrocha, de quien aprendí el concepto y los primeros rudimentos del apoyo abdominal. De la mano de Herrera pasé a asistir a los cursos de verano del Mozarteum en Salzburg, donde asistí 5 años al curso de Alfred Prinz y un año al curso de Alois Brandhofer. Sin duda esos cursos fueron lo que me convencieron de intentar estudiar en Viena. Quizá la enseñanza que recibí en ellos de clarinete fue más musical que otra cosa. Los temas "técnicos" se trataban "de pasada" o se daban "por sabidos". Por supuesto que se hablaba de técnica, pero no se paraba uno en ello, sino que inmediatamente se pasaba a qué se podía hacer musicalmente con ello. Si lo tenías, bueno; si no, había que buscar. Ya de vuelta de Viena conocí a Wolfgang Meyer; yo tenía todavía algún problemilla con la emisión de notas agudas y él me lo resolvió. Con Walther Seyfahrt (Filarmónica de Berlín) me sentí muy a gusto por la confianza que me brindó. En esa época, por motivos personales, quería afincarme en Madrid y contacté en un curso con Miguel Espejo, para tener alguien con quien estudiar allí. Me gustó mucho cómo trabajaba y le pedí ser su alumna, empezando una época también muy interesante. Espejo me dio muchísima confianza en mí misma y me ayudó a adquirir seguridad en lo que yo quería hacer y en cómo hacerlo. Los últimos cursos de clarinete a los que asistí fueron con Justo Sanz (clarinete histórico), para el que sólo tengo palabras de elogio, y con Sabine Meyer en Orihuela, donde tuve la ocasión de colaborar como intérprete de alemán-español y participar en el concierto de alumnos. 
 Has colaborado con varias orquestas sinfónicas, entre ellas la “Orquesta Sinfónica Europea” con la que tocaste el concierto de Mozart de solista. Debió ser una experiencia fantástica. Me gustaría que nos contases qué sentiste al encontrarte delante de una orquesta como la Sinfónica Europea, interpretando nada menos que el concierto para clarinete de Mozart.
 Fueron un cúmulo de coincidencias que yo tocara con ellos. Su director, Cristian Florea, gran músico, violoncelista y director de orquesta rumano, trabajaba entonces en el conservatorio de Tarragona. Tenían una gira, creo que por Italia, con el concierto de Mozart, y querían "rodarlo" en España. Tuve la oportunidad de tocarlo completo con ellos dos veces, y luego el segundo movimiento en gira por España (terminamos en el Teatro Monumental de Madrid), integrado en el repertorio de la gira. Lo primero, sentí muchísima responsabilidad, pero el hecho de haberlo trabajado tanto y con tanta profundidad con José V. Herrera, con Fuster y ya entonces en Viena con Horst Hajek, me hicieron sentir lo suficientemente segura como para disfrutarlo al máximo. Los compañeros de la orquesta también me animaron mucho. Te dedicas preferentemente a la enseñanza del clarinete. 
¿Alguna vez opositaste para ser intérprete en una orquesta Sinfónica, o escogiste la enseñanza porque es lo que más te gusta? 
 Sí, aunque estoy activa tocando música de cámara, mi ocupación principal es dar clase. Sí he opositado para orquestas y he obtenido algunos frutos, pero nunca me he sentido lo suficientemente segura como para apostarlo todo por ello. Supongo que ha sido mi carácter y también, porqué no comentarlo, el hecho de que opositar para tocar en orquesta necesita de una preparación tanto instrumental como psicológica que yo no tuve. La enseñanza no la escogí, ciertamente, pero me dije a mi misma que, si me dedicaba a ello, sería dando lo mejor de mí misma. La enseñanza te da ese espacio que a veces el tocar en orquesta no te da. Tienes un concierto ese día, no otro. El formar a alguien te da espacio. No hay un día preestablecido para que aprenda algo (por lo menos no un día fijo en la agenda).
 Sé que eres una experta y das clases de respiración. Este es un tema que a mí me apasiona. Soy una persona mayor y en mi época de estudiante no se conocía, al menos en España la Respiración diafragmática. ¿Puedes decirnos si se presta en la actualidad, la debida atención en los Conservatorios a un tema tan importante y por supuesto, vital, para tocar el clarinete o cualquier otro instrumento de viento?  
Bueno, yo no me considero una experta, sino una gran amante de este tema. Me encanta aprender, contrastar información, probar ejercicios en mis sesiones de estudio o en clase con mis alumnos, etc. Conocer nueva bibliografía... He tenido tantos problemas, preguntas y dudas sobre la respiración, que me planté y decidí que, si yo tenía que ser clarinetista, tenía que dominarlo y punto. En mi época de estudiante esto no se planteaba en los conservatorios ni mucho menos, así que, hasta que llegué a Viena, fue algo que traté de una manera intuitiva y casi autodidacta. No quiero decir que no se trabajara en las clases de clarinete: sí se trabajaba, pero yo no obtenía todas las respuestas que quería o necesitaba en ese momento, ni resultados duraderos. En Viena ya sí tuve la asignatura de "Fisiología de la respiración" y el profesor era médico y trompetista. A partir de ahí descubrí multitud de bibliografía que empecé a estudiar. Es agradable ver cómo este tema ya es prácticamente de conocimiento general. Hay muchos músicos especializados en este tema, como Javier Colomer (trombón), Ana María Pérez (clarinete) o David Muñoz (tuba), por nombrar a algunas de las personas a las que sigo (en redes sociales) sobre este tema. Además, asignaturas relacionadas como técnicas de respiración, Yoga, Técnica Alexander, Método Feldenkrais... ya no son casos aislados en los conservatorios, sino que se van integrando poco a poco al currículo. Y no solamente la respiración vista como motor de nuestra expresión y nuestra técnica, sino como el aspecto central de la salud del músico, tanto física como psicológica
. También me consta lo metódica que eres o has sido para plantearte las sesiones de estudio, llevando incluso unas anotaciones con lo estudiado, resultado de la sesión, la caña, etc. Me gustaría que nos comentases cómo llegaste a plantearte, y qué resultados obtuviste con esta disciplina para ordenar tu forma de estudiar, y si lo consideras necesario.
 Jajajaja!!!! Parece que he sido un poco "señorita Rottenmeier". La verdad es que no he sido metódica: he andado en busca de un método, que es distinto. Antes he nombrado a mi profesora de piano, Carme Flexas. Su manera de enseñar me abrió unas puertas que yo no había abierto con el clarinete. Era metódica, paciente, buscaba "ese" resultado y no otro, y tenía una especie de "insistencia amable" que hacía que, tarde o temprano, saliera lo que "tenía que ser". Su exigencia técnica siempre emanaba de la pieza que estábamos trabajando. La búsqueda del tacto sobre el teclado (el "tocco", lo llamaba ella, en italiano), el tipo de sonido según la época, la articulación, siempre pasando por la música para ir al cuerpo a "desenredar" tensiones que permitieran ése o aquél movimiento necesario para la música. ¡La respiración! ¡Ella sí me hablaba de respiración! Todo parecía lógico y consecuente. Y musicalmente emocionante. Todos mis apuntes en mis "diarios de estudio" de clarinete (les he dedicado un post en mi blog) iban encaminados a encontrar eso: un método de estudio, un método de trabajo que me llevara a los resultados que yo quería (o anteriormente, a los que quería el profesor). Sigo buscando y sigo con mis "diarios de estudio", ¡aunque son totalmente diferentes a los que empecé a hacer en 1992! Jajajaja!!!!! Reconocerse en la propia respiración, tener una buena embocadura que nos conecte con el clarinete, despertar el cuerpo a las sensaciones que nos da el instrumento... es una buena base instrumental de la que partir. Ahora bien, el amor por la música y tener y mantener una cultura musical amplia y una mente abierta, son las bases sobre las que sentar, sin duda, cualquier aprendizaje instrumental. 
 Muchas gracias Cecilia.Que tengas muchos éxitos como clarinetista y pedagoga, porque te los mereces.
 Dúo en Do M Carl Phillip Emanuel Bach Intérpretes;Cecilia Serra,Elena Simón
Mozart, Adagio del concierto para clarinete KV622 (min. 07:20) 
Solista;Cecilia Serra Bargalló ,Orquesta Europea 

 Su web;https://ceciliaserra.com/


domingo, 10 de septiembre de 2017

Michele Puccini - Concertone for flute, clarinet, horn and keyed trumpet (1838)

Michele Puccini, hermano de Giacomo Puccini,compone un concertante para una formación nada habitual.Flauta, clarinete, trompa y trompeta.A eso se le llama, "romper los moldes", de manera especial, por incluir una trompeta, instrumento tan digno cómo los demás, pero no empleado (hasta donde sé) en aquella época, en cualquier concertante que yo conozca.La vida de Michele, llena de misterio, y sin duda eclipsada por la fama de su hermano Giacomo, se desarrolla principalmente en Brasil. Nació en Lucca el 19 de abril de 1864,falleció en Rio de Janeiro (Brasil)el 12 de marzo de 1891 a la temprana edad de 27 años. Existe mucha confusión en las fechas de su nacimiento y de su muerte así cómo una especie de leyenda de cómo y de qué murió. Merece la pena escuchar la música de Michele por su frescura, quizá influenciada en pequeños detalles, por la música de su hermano mayor Giacomo, además de ser una novedad todo lo relacionado con este compositor.  
















A 120 años de la muerte del ‘otro’ Puccini por ,

Felicidades a D.Gustavo por su trabajo, tanto por la extensión del mismo cómo por la documentación. Muy interesante y ameneno.
 
Fuente;https://www.mundoclasico.com/ed3/documentos/15652/anos-muerte-otro-Puccini


Por casi dos siglos la dinastía Puccini dominó la vida cultural y musical -tanto sagrada como profana- de Lucca y sus alrededores. Su iniciador, al que siguieron cuatro generaciones de compositores, fue Giacomo Puccini senior (1712-1781). Tras él vinieron Antonio Benedetto María Puccini (1747-1832), Domenico Vincenzo Puccini (1772-1815) y Michele Puccini senior (1813-1864), respectivamente tatarabuelo, bisabuelo, abuelo y padre de Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo María Puccini (Lucca, 22 de diciembre de 1858 - Bruselas, 29 de noviembre de 1924) quien, además de haber sido bautizado acumulando los nombres de casi todos sus antepasados, fue el más famoso de la dinastía musical luquesa y el que se alejó de las composiciones religiosas de sus ancestros para iniciar un camino en la ópera que a la postre lo hizo triunfar y convertirse en uno de los compositores internacionalmente más conocidos y admirados en ese género.

Con Giacomo Puccini se extinguió esta dinastía en cuanto a creación musical se refiere, pero no fue el último de la familia en transitar ese camino. Su hermano menor, Michele Puccini (nacido en Lucca el 19 de abril de