domingo, 25 de junio de 2017

Corrado Giuffredi & Jose Franch-Ballester play Till Eulenspiegel for 2 clarinets.

José Franch Ballester, ha grabado varios vídeos, con colegas de mucho prestigio.Las grabaciones se realizan en el Teatro de la Banda Primitiva de Lliria, y son como podréis ver y escuchar, arreglos de obras muy importantes.En el vídeo de hoy nada menos que Las travesuras de Till, que no seré yo el que me atreva a opinar si el arreglo es acertado o por el contrario no lo es.Suena el tema del solo de trompa en varios momentos, y algún tema más, pero claro, las travesuras de Till arregladas para dos clarinetes, son toda una "travesura". 
No sé que pensaria Strauss. 
El arreglista es Joel Sheveloff,nacido el 26 de septiembre de 1934 en EEUU,falleció hace dos años, o sea en 2015. 
Como profesor de música en la Universidad de Boston , Sheveloff recibió el Premio Metcalf a la Excelencia en la Enseñanza, el más alto honor de enseñanza de la Universidad, en 2004. Aunque dio conferencias sobre diversos temas musicales que abarcan composiciones de teclado medieval , Haydn , Música bajo el zar y la Unión Soviética, Ravel , Brahms , Schubert , música del siglo XX , su enfoque académico fue obra de Domenico Scarlatti, Modesto Mussorgsky e Igor Stravinsky . También se interesó por las áreas especializadas de los métodos de análisis musical y el ajuste de texto, así como la interpretación de la oferta musical compleja, una pieza que él se refirió como "el código de DaVinci de JS Bach ."(Wikipedia) 
 Se promocionan sin duda las nuevas boquillas Pomarico-Backum, las cañas Legere Signature corte europeo, 3,75 ( seguro que hay quien no cree que tocan con cañas de "plástico") y la abrazadera Silverstein. No me lo invento yo, figura al pie del vídeo.Forma parte de su trabajo, pero en difinitiva a mí me importa el contenido y no el continente, aunque confieso, que posiblemente toco con Legere, antes que estos dos fenómenos, pero yo las compro como es natural. 
Espero os guste tanto cómo me ha gustado a mí, que me han hecho pasar unos minutos muy agradables. Sólo para finalizar, yo me he hecho una pregunta,.,,,,¿Lo habrán grabado de "un tirón"? Vosotros que creéis? Feliz día
.

viernes, 23 de junio de 2017

Jaume Sanchis,clarinete solista de la Ópera de Pekín.

Tengo la suerte de tener entre mis amigos de Facebook, a Cecilia Serra Bargalló, una clarinetista que usa el Facebook, para comentar y publicar sobre el clarinete.
Cecilia, administra un blog, dedicado al clarinete y de vez en cuando, publica charlas con clarinetistas. Hoy nos ha presentado a Jaume Sanchís, un clarinetista joven, pero con una dilatada carrera. 
La entrevista es sumamante interesante y para que podáis leerla, os dejo el enlace a su página, porque es suya y copiar y pegar en este caso, me parece un verdadero abuso.
Cecilia como podéis comprobar si visitáis su página escribe muy bien y tiene un blog interesantísimo. De Jaume Sanchís leeréis su trayectoria en la entrevista mencionada. 
 Yo sólo os dejo un vídeo que he encontrado en Youtube, para que no sólo sea el enlace lo que publico. Muchas gracias a Cecilia, por su nunca bien valorado trabajo, y mis mas sincera enhorabuena, por su interesante blog.
Centro de artes escénicas Pekín                                   




( Sustermeister)

 Feliz día

https://ceciliaserra.com/2017/06/23/conversaciones-con-jaume-sanchis/

miércoles, 21 de junio de 2017

Unidad de Medicina de la Música y de las Artes Escénicas.

En el hospital de Manises (Valencia) se  ha inagurado una Unidad de Medicina para atender las enfermedades profesionales de los músicos y los actores.
Creo que es una noticia muy importante, porque en España, hasta hace muy poco, apenas existía una clínica privada que trataba estas enfermedades. 
Os dejo toda  la información así cómo el enlace a la página web del mencionado hospìtal, por si os apetece visitarla, ya que aparte de la literatura que aquí encontraréis en la página hay una serie de dibujos y gráficos, que amplía lo que aquí publico.
También el hospital Quirón en Valencia, dispone de  una Unidad parecida, pero es un  hospital privado.

Feliz día.

Más del 75% de los músicos presentan en algún momento de su carrera algún problema médico relacionado con la práctica de su actividad musical.
Son problemas de salud que varían en función del instrumento utilizado. Lo que sí es común es que si no reciben una atención especializada por parte de un equipo experto en medicina de la música, difícilmente podrán solucionar su problema, corriendo el riesgo de cronificarse o de incapacitarle para tocar su instrumento.
En un entorno de tradición musical la Unidad de Medicina de la Música y las Artes Escénicas del

lunes, 19 de junio de 2017

Duo Yati - Sonatine Modale (Charles Koechlin)

Preciosa la Sonatine Modale de Charles Koechlin, interpretada por dos fantásticos músicos, la flautista Julie MOULIN - segunda flauta l'Orchestre Royal du Concertgebouw d'Amsterdam y el clarinetista Bruno BONANSEA Clarinete solista de l'Orchestre philharmonique de Rotterdam. 
Dos sonidos increiblemente bellos y una interpretación espléndida, moviéndose además por el escenario, con una enorme elegancia, lo que sin duda, está cada vez de más actualidad.
Acompañar la música que se interpreta, escenificándola de alguna manera, estimula a muchos oyentes a prestar más atención. Debería ser sino obligatorio, sí muy recomendable,en vez de las notas al programa que es por lo que normalmente, (el que lo lee) se conoce la obra que se va a interpretar, comentarla de viva voz, dando cuanto más detalles mejor, tanto de la obra como del autor.
 Hace un par de domingos, miembros de la ONE, interpretaron la Gran Partita de Mozart, que fue explicada por Lorenzo Coppola. Se transmitió por Radio Clásica,y si la interpretación fue de gran nivel, los comentarios de Lorenzo Coppola,ayudaron y mucho a que fuera una hora larga, de máximo disfrute. 
Feliz día
  







Charles Koechlin

 

 

 

Charles Louis Eugène Koechlin (pronunciación en francés: /ʃaʁl lwi øʒɛn keklɛ̃/; París, 27 de noviembre de 1867-Le Canadel, 31 de diciembre de 1950) fue un compositor, profesor de musica y musicógrafo francés. Fue un hombre apasionado en sus ideas políticas (era socialista) y en sus aficiones: sentía gran amor por la música medieval, El libro de la selva de Rudyard Kipling, la música de Johann Sebastian Bach, las estrellas del cine (especialmente Lilian Harvey y Ginger Rogers), los viajes o la fotografía estereoscópica. Una cita suya ilustrativa es esta: "El artista necesita una torre de marfil, no para escapar del mundo, sino como un lugar desde el que pueda ver el mundo y ser él mismo. Tal torre es para el artista como un faro que brilla por

viernes, 16 de junio de 2017

CLARIPERU presenta: Claripisco 2011

Un concurso muy original que casi no merece la pena ni comentar. Me parece mentira que el Sr.Marco Mazini, sea el promotor de semejante barbaridad. Es mi opinión y no sé si os parecerá justa o por el contrario,opinaréis que soy un "carca"; que se dé a beber una bebida alcohólica( 40º) incluso a un menor ( al menos a mi me lo parece) para ver quien es el que se emborracha el último y toca el pasaje sin equivocarse, es un ejemplo muy triste.Es el segundo Suspenso que otorga el modesto administrador del blog en bastantes años ya de actividad. La nota que figura al pie del vídeo, es la que han escrito los que han editado el mismo. Sin más comentarios.  
Durante el I Congreso Latinoamericano de Clarinetistas se realizaron varios eventos originales que serán características de este gran Congreso. Uno de ellos, fue el Claripisco que tuvo una tremenda aceptación - y todos los presentes la pasamos de maravilla. ¿De qué se trata? Muy simple: hay una partitura breve (en staccato) que cada concursante debe tocar por turnos, sin error. Antes de tocar, cada clarinetista toma un trago de pisco puro - la bebida nacional del Perú. El pisco es una deliciosa bebida de 40 grados de alcohol. Al final, los dos finalistas tocan de pie y sólo queda un ganador...¿quieres saber como les fue a nuestros competidores de Perú, Chile, Costa Rica, México y Colombia? No te pierdas este video. Y por cierto....¿quién será el ganador del Claripisco 2012? El certamen se realizará el 13 de septiembre durante el II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas....¡los esperamos!

miércoles, 14 de junio de 2017

El miedo escénico

Quién no ha sentido temblor en las piernas, sudoración en las manos, la   boca seca, etc. Yo sí. Al menos antes de un concierto con cierto compromiso. Todo pasa,  cuando ya empiezas a tocar, y empiezas a confiar en tí y en tu instrumento. Te das cuenta que suena   bien, que la caña (dichosa caña) responde, y poco a poco vas relajándote, aunque siempre queda un pequeño nerviosismo, que  creo que es necesario, para no "confiarse" y estar muy atento y concentrado. Un artículo que espero os guste, sobre el miedo escénico, es lo que os ofrezco en este publicación.Al final del mismo, el enlace a la página que lo publica, que por cierto tiene mucho que leer y bueno.
Feliz día

El miedo escénico.-

Es muy habitual que el nivel interpretativo en el escenario baje bastante con respecto al de la clase, por este motivo he decidido escribir éste artículo que pretende ser un compendio de algunos consejos que llevo escuchando durante muchos años de los mejores intérpretes que he conocido, y en relación a lo anteriormente expuesto opino:
“Si la música está pensada para compartirla con otros ¿Por qué tenemos tanto miedo a las actuaciones en público?”
“El llamado miedo escénico está asociado a la angustia que produce el hacer el ridículo en público y compromete el autoestima y la confianza”

1.- Visión general

Cualquier situación en la que se toque y se esté nervioso es una actuación y debe tratarse como tal.
Se esté interpretando para una multitud de trescientos o de tres, para el profesor o para un amigo, o incluso para una grabadora o audiencia imaginaria, en el momento que es consciente de que se está siendo escuchado, se está actuando y se tiene la oportunidad de practicar las habilidades de actuación.
Actuar es una habilidad como cualquier otra, y hay que aprenderla. Negar esto nos convierte en músicos incompletos.
Una cosa es la capacidad que se tiene de actuación y otra es la capacidad de tocar el instrumento; una siempre va a la zaga de la otra.
La parte negativa es que casi nunca se interpreta tan bien en el escenario como en la habitación de estudio. La parte positiva es que conforme se aumenta la capacidad de tocar en la habitación de estudio, la capacidad de actuación sobre el escenario también se incrementa proporcionalmente. No hay que esperar que toda actuación sea la mejor, es cierto que en cada ocasión hay que esforzarse, aunque no tanto para alcanzar la perfección sino para conseguir consistencia. Hay que procurar conseguir un buen nivel constante, llegando ocasionalmente a niveles de grandeza. Hay que esforzarse mucho para mantener y mejorar el nivel medio de actuación, y hay que tener siempre muy presente que sobre el escenario no hay ninguna pieza fácil.
Si se intenta tocar por encima de la capacidad de actuación (aunque se esté dentro de los límites de dominio del instrumento) nunca se progresará como intérprete sobre el escenario. Se puede aprender a tocar en el escenario haciendo una escala.
Cuando se actúa, la audiencia no sabe (a menos que se proyecte el descontento) si se está en una parte fácil o difícil, algo que además no le preocupa. El público está ahí para disfrutar de la música, de modo que hay que hacerle disfrutar. No se debe proyectar las inseguridades en el público que escucha; ellos no las quieren, y se debe tener en cuenta lo siguientes puntos:
  1. Dedicarse a disfrutar uno mismo y por consiguiente hay que centrarse en la música.
  2. Mantener la concentración en las cuestiones técnicas a vencer en cada obra, pero sobre todo hay que centrarse en el resultado musical que se quiere transmitir.
  3. Recordar que hay que ser un artista, no un atleta. Una técnica impresionante sólo debe ser un medio para conseguir un fin musical. No se debe tratar de competir con otros o compararse con ellos excepto si es para estimular el propio deseo de mejorar. La verdadera competición es con uno mismo.
  4. Trabajar para mejorar la capacidad técnica sólo como medio de lograr una mayor expresividad. Intentamos crear algo, no impresionar a nadie: “Uno debe enorgullecerse por lo que hace” .
  5. Tener en cuenta las críticas constructivas que los amigos y profesores expresen, pero se deben ignorar las críticas destructivas procedentes de gente insegura de sí misma o que simplemente no le gustas y quieren hacer daño.
  6. Si se puede, nos debemos liberar de la preocupación por las expectativas poco realistas de los demás. Hay que disfrutar del nivel en el que es está ahora mismo mientras se siga avanzando.
  7. A veces hay gente esperando el momento para criticar y perjudicar, (parece su profesión). Hay que ignorarlos.
  8. Los problemas de actuación son completamente internos. No hay estrés fuera de uno mismo. Hay que confrontar la ansiedad de actuación y tratarla en la mente, en el interior.
En la actuación uno deber ser consciente de lo que está haciendo y no se trata de hacer un juicio de valor de uno mismo, ni es una oportunidad para hacer alarde del ego o para hundirlo, simplemente es una oportunidad para compartir el placer de la música con otros y hay que recordar que en muchas culturas se consideran el escuchar música y las actuaciones como una experiencia religiosa, y este pensamiento debe mantenernos en el camino correcto.
Cualquiera que venga a la actuación a escuchar los errores en vez de a disfrutar de la experiencia musical es más digno de pena que de temor. Se debe usar la actuación como una oportunidad para el desarrollo, para dar.
No se debe estudiar solo para saber como se toca una obra, sino que se debe aprender a cómo actuarla y por lo tanto a expresarla y compartirla con los demás.
Después de que se domine la pieza técnicamente, se debe tocar aplicando estas reglas:
  1. Una vez que se comience, hay que tocar toca la pieza hasta el final sin parar. No hacer falsos comienzos. No detenerse a mitad y comenzar de nuevo.
  2. Cuando se cometa un error, ¡hay que seguir! Si paramos para corregir el error hemos cometido dos errores. Lo que ha pasado, pasó. ¡El presente no existe!
  3. Incluso aunque se haya realizado un pequeño desastre, se debe terminar de forma sólida y darle a la última nota todo su valor. Nada resulta más desagradable para una audiencia que alguien que al final de la pieza, frunce el seño, se queja y se lamenta de su destino.
Cuando se interpreta una obra completa pueden aparecer problemas que a priori no existían, por lo tanto se debe realizar una evaluación honesta y volver sobre las zonas problemáticas, especialmente sobre las conexiones de las áreas que se han trabajado individualmente.

2.- Visualización

Visualización se entiende como la imaginación con rasgos visibles de algo que no se tiene a la vista.
Si no se pueden visualizar con confianza las obras que se van a interpretar, nos estamos abriendo a la inseguridad en la actuación. Hay que estar seguro de todas las partes que se componen las obras así que como tener claro los siguientes puntos:
  1. El nombre de las notas y el solfeo.
  2. La digitación.
  3. Las melodías y acompañamientos.
  4. La estructura general de la pieza.
  5. No tener preocupaciones técnicas.
  6. No evocar errores anteriores.
  7. Y finalmente, ser capaz de visualizar la obra a tiempo con un metrónomo sin dudas ni errores.
Otro método de usar la visualización eficazmente es visualizar las actuaciones mismas. Como la ansiedad de actuación es un fenómeno puramente mental, se debe aprender a recrear vívidamente en nuestra pantalla mental la experiencia de tocar frente a otros, y tratar con los miedos donde realmente están, “en la propia mente”. Cuanta mayor precisión y de forma más vívida se pueda captar la experiencia de una actuación menos se tendrán que usar las actuaciones mismas como medio de trabajar las habilidades de actuación.

3.- Relajación

Ponerse nervioso es la reacción natural al ser el centro de atención. Lo que se hace con ese nerviosismo es lo que determina si se es capaz o no de actuar. Intentar ignorar el nerviosismo es engañarse a sí mismo y con esto se empeoran las cosas.
Tomarlo de una forma agresiva y decirse, "no me pondré nervioso, no puedo estar nervioso" es igualmente erróneo, por tanto se debe que aceptar el nerviosismo y trabajar con él. Es necesario canalizar la energía nerviosa hacia una energía constructiva, y aprender a relajarse.
La relajación es una técnica, y es tan importante cultivar esta técnica como cualquier otra que se aprenda sobre el instrumento. Si uno no puede relajar los músculos conscientemente durante el estudio, tampoco podrás hacerlo en el escenario.
Los ejercicios de relajación progresiva pueden darnos un control consciente sobre nuestro cuerpo. A continuación propongo algunos para trabajarlos en casa e incluso antes de cada actuación:
  1. Poner un reloj de alarma para que suene en 30 minutos.
    Echarse en el suelo o en una cama (no demasiado cómodo, o nos quedaremos dormidos). Comenzar con un extremo del cuerpo, los dedos de los pies o la cabeza y relajar poco a poco y conscientemente pequeñas partes (cada dedo del pie, la planta, el talón, el empeine, etc.). Pasaremos por tres estados de relajación:
    1. Llegaremos al estado en que normalmente se considera estar "relajado".
    2. Después la parte que se está relajando se sentirá pesada, como si se hundiera en el suelo.
    3. Finalmente se sentirá como si desapareciera totalmente, y no se es capaz de sentirla.
    4. Lentamente debemos ir pasando hasta el otro extremo del cuerpo, hasta que todo se sienta como si hubiera desaparecido.
    Se debe practicar esto una media hora cada día y especialmente antes de las actuaciones, incrementará la sensibilidad a la tensión y nos hará capaces de liberarla inmediatamente cuando ocurra.
  2. Se lleva a cabo centrándose en la respiración.
    Respirar conscientemente desde el diafragma más que desde el pecho (haciendo que el vientre se contraiga y se expanda). Se debe hacer despacio y en respiraciones profundas.
    Es de vital importancia que se ralentice reflexivamente la respiración cuando se sienta que empieza a acelerarse, porque una vez pasado cierto nivel ya no es posible el control y comienza la hiperventilación.
    Como práctica diaria hacer la regulación de la respiración y la relajación del cuerpo antes de empezar el estudio. Un intérprete relajado parece que se hace antes con su instrumento. Halla un nuevo músculo para relajar en cada sesión.
    Una vez hecho esto es bueno tocar la pieza muchas veces y a partir de la séptima vez deberíamos empezar a deleitarla.
    Antes de la actuación verdadera, se debe practicar varias actuaciones para uno mismo. En estas actuaciones de práctica lo importante no es tanto hacer música como mejorar las habilidades de actuación.
En cada práctica de actuación debe ponerse un objetivo como por ejemplo:
  • Si tienes problemas en la respiración mientras se actúa, ponérselo como objetivo. Aunque se falle notas, si se respira en calma, de forma relajada, se puede considerar un éxito en la práctica.
  • Practicar por niveles.
    • Primero intervenir en nuestra habitación de estudio para una audiencia imaginaria (pero vivamente imaginada).
    • Después actuar para una grabadora (esta es una práctica excelente, ya que la grabadora nos dará un punto de vista completamente objetivo de cómo sonamos).
    • Tocar para uno o más amigos íntimos, y después para extraños.
    • Buscar y descubrir qué situación nos pone más nerviosos, de manera que podamos aprender a manejarla.
Debemos acudir a actuaciones en vivo de otros intérpretes, tantas veces como nos sea posible para acostumbrarnos al ambiente del concierto. Imaginemos que nos acercamos por el pasillo al escenario y nos sentamos enfrente de todo el público, y comenzamos a tocar una de nuestras obras.
Manejar cualquier sentimiento de nerviosismo que se tenga como lo haríamos si estuviéramos realmente en el escenario. Hacerlo con una visualización lo más vívidamente posible.
Es interesante aprovechar las actuaciones en vivo como una oportunidad para darnos cuenta de que incluso los mejores intérpretes se ponen nerviosos y cometen errores. Las grabaciones están editadas y manipuladas, y por tanto representan un ideal de interpretación. Nos dan una expectativa poco realista de lo que deberíamos hacer cuando interpretamos. Escuchar los conciertos con todas las imperfecciones debería liberarnos de nuestras preocupaciones erróneas.

4.- El día de la actuación

Este día debemos hacerlo todo con calma y lentamente. Preparar la ropa, las partituras, y todo lo que necesitemos para no tener que correr cuando llegue el momento de salir al escenario. Intentar no practicar excesivamente. Aplicarse a última hora sólo hace que fatiguemos los músculos y nos quede una sensación de inseguridad sobre si estamos o no preparados.
Tenemos que aceptar que estamos bien preparados y todo irá bien. Visualizamos las piezas, con calma y de forma efectiva trabajar sobre puntos determinados. Podemos tocar una o dos obras completas. No se necesita más. Comer ligero y suficiente. Se deben evitar los estimulantes. Llegar temprano y familiarizarse con la sala y tocar una obra o dos en la posición en que nos vamos a poner; y visualizar los asientos llenos de gente.

5.- Durante la actuación

La concentración es la habilidad más importante en una actuación, y debe cultivarse mediante la práctica. Mientras estemos tocando, tenemos que concentrarnos en los medios necesarios para conseguir el fin propuesto, y este fin llegará por sí mismo.
En vez de preocuparnos por sacar un buen sonido, mantengamos la mente centrada en lo que tenemos que hacer para producir un buen sonido.
Cultivar la habilidad de mantener la mente centrada a pesar de las distracciones.
Para esto puede servir practicar las obras frente a una televisión con el volumen alto y con dos radios sonando al mismo tiempo en dos emisoras distintas; si a pesar de todo somos capaces de mantener la mente centrada en tocar las obras, no tendremos que preocuparnos de mucho cuando estemos en el escenario.

6.- Cometer errores

Tenemos que aceptar que la perfección no es posible. Esto no significa que debamos bajar nuestras expectativas, sino que tenemos que aceptar que somos humanos y que los errores llegarán; dada la cantidad de notas que se tocan en una actuación, es poco realista esperar que nunca fallemos ni una. Consintámonos un cierto número de errores por actuación. Si aceptamos que pueden llegar, cuando lleguen no nos sorprenderán tanto ni nos entrará miedo por ello. Diferenciaremos dos clases de errores:
  1. Deficiencias:
    Se trata de acciones que somos incapaces de realizar en el instrumento, y son signo de una preparación inadecuada. Estos errores son causa de preocupación y deben estar en primer lugar en la lista de cosas para trabajar después de la actuación. Mientras que ésta continúe, ignorémoslas no obstante, y sigamos adelante. ¡No hay tiempo para practicar ahora!
  2. Errores sencillos:
    Éstos ocurrirán al margen de lo bien que nos hayamos podido preparar. Que pasen y a continuar. Si nuestra perspectiva es suficientemente buena y estamos centrados en la música, “nos reiremos de ellos”.
Evitar el error común de ofrecer a la audiencia un comentario de los errores que vayamos cometiendo, ya sea con gestos o movimientos: "uup, lo siento... otra vez..." y comentarios semejantes no son ejemplos de buena comunicación con la audiencia. Cuando cometamos un error, silenciémoslo. Casi siempre seremos los únicos en notarlo.
A la audiencia debemos mirarla como amigos, no como enemigos. Lo único que quieren es escuchar música, y quieren que lo hagamos bien. Consecuentemente, ellos apoyan nuestros esfuerzos, y no tratan de minarlos. La gente que venga a no escuchar otra cosa que nuestros errores, es digna de lástima, ya que se está perdiendo completamente la música.
Si tenemos que hablar con la audiencia para dar algunas explicaciones de las obras, debemos ser nosotros mismos. Tratar de parecer pomposo y formal, o siendo excesivamente próximo en plan "colega" lo único que conseguiremos será alienar la audiencia.
Prepararnos bien lo que vamos a decir es muy importante para saber de lo que estamos hablando. Uno no inspiraría confianza en la audiencia si empieza a decir, "la siguiente obra que voy a tocar, mmm, está compuesta por, mmm, Mozart. Se trata de su, mmm, sonata, que es una especie de pieza grande, con movimientos y notas, etc...".
Cuando actuemos, tenemos que sentirnos grandes, dejar que los hombros se ensanchen, que los brazos y dedos se expandan; esta relajación libera la circulación y permite a la sangre fluir por los dedos, permitiéndonos tocar incluso, en un escenario frío.
La mayoría de la gente piensa que todo suena muy bien en la habitación de estudio, y después cuando suben al escenario, todo suena fatal. A esto hay que darle la vuelta por completo. En la habitación de estudio uno debe ser hipercrítico en todo lo que esté oyendo, porque entonces se tiene la oportunidad de cambiarlo. Una vez que estemos en el escenario, no hay tiempo para nada de esto, de modo que hay que aceptarlo tal como es y enfocarse en lo positivo, en lo que suena bien. Los problemas podrán resolverse de vuelta a casa.
A veces puede parecer en el escenario que el tiempo se detiene. Todo se ralentiza y dura más. A muchos les atemoriza esto, y piensan entonces, "Dios mío, ¿va a terminar esto alguna vez?" Este fenómeno puede utilizarse como una ventaja si somos capaces de mantenernos concentrados en lo que tenemos que hacer para realizar una buena interpretación.
Recordemos:
  1. Tenemos que tomarnos nuestro tiempo.
  2. Nadie nos impone prisa.
  3. Tomemos todo el tiempo necesario para prepararnos física, mental y emocionalmente, y
  4. Nunca comenzar una obra hasta que estemos concentrados y preparados.
Es bueno tener un ritual y repetirlo siempre que se sube al escenario, y realizarlo en todas las prácticas de actuación. Si conseguimos convertirlo en un hábito inconsciente puede ayudarnos de forma muy efectiva para instaurar un estado inicial de concentración. Usemos este ritual para detener cualquier problema predecible que pueda perturbar nuestra confianza mientras actuamos.
Una muestra podría ser la siguiente:
  1. Comprobar la colocación del instrumento, del atril, de las luces, etc...
  2. Hagámoslo todo con calma. Respirar profundamente para calmarnos.
  3. Comprobar la afinación.
  4. Colocar ambas manos y/o embocadura en la situación adecuada para comenzar la pieza.
  5. Cerrar los ojos y marcar el tempo con el que vamos a comenzar, y tener en cuenta que si estamos nerviosos tenderemos a tocar más rápido o a acelerarnos conforme vayamos avanzando en la obra, de modo que puede que tengamos que comenzar a un tempo que nos parezca en principio lento. Con frecuencia el nerviosismo distorsiona la percepción del tiempo haciéndonos creer que la velocidad a la que tocamos la obra normalmente es demasiado lenta. 
  6. Solfear y visualizar la primera frase de la pieza.
  7. Comenzar la obra con decisión. (¡y no olvidemos mantener la respiración lenta y profunda mientras tocamos!).
Tras la actuación mostremos nuestro agradecimiento a la audiencia por escucharnos y nunca nos disculpemos por lo que hemos hecho. Si se ha hecho lo que se ha podido en el momento, no tenemos por qué disculparnos. Censurar la propia interpretación ante alguien que nos está aplaudiendo no sólo revela la falta de autoestima, sino que también insulta al que escucha. Es como decirle que si ha disfrutado con la interpretación es por su mal gusto.
Cuando estemos solos debemos evaluar la actuación honestamente y trabajar sobre los problemas que hayamos descubierto bajo el estrés de la actuación. Sobre todo no nos castiguemos por lo que hemos hecho. La verdadera perspectiva de la actuación no está en lo que esperemos hacer en el futuro, sino en cómo lo hicimos en el pasado. Centrémonos en lo que hemos conseguido y en lo que podemos llegar a hacer en la próxima actuación.

7.- Bibliografía

  • “Cómo superar la ansiedad escénica en músicos” de Guillermo Dalia
  • Revista “Ocho sonoro”
Manuel Ureña Delgado
Fuente;
 http://www.csmcordoba.com/revista-musicalia/musicalia-numero-2/212-el-miedo-escenico

martes, 13 de junio de 2017

Pedro Iturralde, medalla de Oro al Mérito en el Trabajo

Una noticia que me alegra muchísimo es la concesión de la medalla de Oro al Mérito en el Trabajo a D. Pedro Iturralde, sin duda uno de los mejores músicos del panorama musical español. Pedro Iturralde, ya un venerable anciano de ochenta largos años, hace poco todavía daba recitales de hora y media encima de un escenario. Junto a Teté Montolíu, pianista, fueron los dos únicos españoles que figuraron y creo figuran en el diccionario mundial del Jazz.También ejercio cómo profesor en el Real Conservatorio de Madrid, en el aula de Saxofón clásico. Por supuesto tocaba el clarinete y muy bien. Mi más sincera enhorabuena a D. Pedro, al que deseo larga y feliz vida, que la merece como pocos.
 Feliz día

lunes, 12 de junio de 2017

Nostalgia d´España. G. Lewin. RCSMM 20-2-12

Paco Gil, es un habitual en las publicaciones de el blog.En esta ocasión toca un dúo para flauta y clarinete de G.Lewin,del que he buscado información y nada he encontrado.A ver si vosotros tenéis más suerte. Espero paséis unos minutos agradables escuchando este dúo y a Paco Gil, que graba desde los dúos de Romero, hasta las obras más complicadas.Es muy activo y sin duda un gran clarinetista.
 Feliz día.
Marta Femenía (flauta) - Fco. José Gil (clarinete)

sábado, 10 de junio de 2017

Angel Belda, nuevo miembro de la ONE.

Cómo sabréis el mes pasado, se celebraron oposiciones para cubrir una vacante de clarinete en la Orquesta Nacional de España, vacante que se produjo al jubilarse el Sr.Tomás, gran clarinetista que desde hace un tiempo, disfruta de su merecido descanso después de muchísimos años como solista de la mencionada orquesta.
 El clarinetista que ha ganado la oposición cómo también muchos sabréis ha sido Angel Belda Amorós, después de unas durísimas audiciones. Los opositores han tenido que presentarse con el clarinete si b, el clarinete mi b, y el clarinete bajo.Todo un reto que sólo las personas dotadas de unas grandes condiciones, y muchisimo estudio, pueden enfrentarse a él. 
 He tenido el placer de felicitar personalmente, aunque por teléfono, a Angel Belda,alumno de ese gran clarinetista y profesor que es Josep Fuster, y la impresión al intercambiar una breve conversación es que se trata de una persona,muy amable y sencillo, condiciones que aprecio sobremanera en personas que llegan tan lejos en el mundo de la música y en cualquier otra actividad. 
Angel fomará parte de ese cuarteto de fantásticos clarinetistas que tiene la ONE. Enrique Pérez,Sr.Balaguer, Eduardo Raimundo y Angel Belda, cuarteto que es dificil de superar, como músicos y personas. Quiero felicitar a Angel, que por cierto es seguidor de este humilde blog desde hace ya años, muy sinceramente y desearle una incorporación a la ONE lo más feliz posible, estando seguro que va a disfrutar mucho tocando en esa buenisima agrupación. 
Espero en un futuro poder publicar la biografia de Angel así como un video de algún concierto más extenso que lo que hoy de forma precipitada he encontrado. 
 OSCB - ANGEL BELDA (clarinet) - MELANI MESTRE - "Samuel's laughter"  
Feliz día.

jueves, 8 de junio de 2017

Quintetto para clarinete, dos violines, viola y contrabajo, Anton Reicha Reicha.

Anton (Antonin o Antoine) Reicha (o Rejcha) (Praga, 1770 — París, 1836), fue un flautista, compositor y teórico musical checo. Su padre muere cuando era niño y lo cría su tío Josef en Bonn, en 1794 se traslada a Hamburgo por cinco años. En 1803 compone 36 fugas, que dedica a Haydn. En 1808 se traslada definitivamente a París. Se nacionaliza francés en 1829. Compuso catorce sinfonías.

Podéis descargaros el quinteto de Anton Reicha clicando AQUI
Feliz día  

martes, 6 de junio de 2017

L'Rollin Clarinet Band - La Tumbona

L´Rollin Clarinet Band, son una banda de muy buenos músicos que son muy originales, tanto, que posiblemente el tipo de música que hacen sea una exclusiva en España.Suenan como podréis comprobar los que no los habéis escuchado nunca fantásticamente y las personas que acuden a sus recitales a sus conciertos seguro que lo pasan muy bien. Me encantan las personas, los músicos que innovan, que llevan la música a un tipo de oyente que de otra forma quizá no escucharía en su vida. Me consta que son músicos de gran nivel, que se refleja en el momento que se les escucha. Espero y deseo que lo paséis muy bien escuchando este fantástico grupo formado por las siguientes personas.
 Agustín Guillén;Clarinete-Requinto 
Alfonso Cifo;Contrabajo-Bajo Eléctrico 
Jesús Maria Herrero;Clarinete Bajo 
José Luis Espejo;Clarinete 
Juan Carlos Felipe;Clarinete 
Matias López; Percusión 
Victor Garcia;Piano 
José Ramón Jiménez; Compositor, Arreglista, Clarinete 
Juan Luis Ramíerez; Compositor, Arreglista,Clarinete Bajo  
 Feliz día

viernes, 2 de junio de 2017

Florian Popa/ Entrevista segunda parte.

Bueno para todo llega un día. La entrevista o la charla que mantuve con Florian Popa,estaba sin terminar de publicar.
Fue una conversación muy interesante, pero también muy dilatada en tiempo y palabras. Florian es un hombre con una larga carrera como músico, o más bien, como solista de orquesta que es cómo a él le gusta auto definirse. 
Para Florian ser solista de orquesta es lo más complicado que existe dentro del mundo de la música, y asi lo expresa y siente con la pasión que le caracteriza. 
No quiero dejar de deciros que a mí Florian Popa me desconcierta en algunas de sus cosas.Es apasionado, muy hablador,que además tiene la costumbre de decir siempre lo que siente. Creo que Florian como diplomático no hubiera hecho una larga carrera. Le dije un día que ser tan sincero, le podia acarrear problemas y él me dijo que jamás tuvo un enemigo por decir la verdad. Puede ser. Yo lo dudo. 
Florian es un hombre sencillo, agradable, amigo de sus amigos o sea lo que solemos calificar como "un gran tipo".Con él de contertulio jamás te aburres, porque su trayectoria es muy rica en anécdotas y en historias que cuenta con un gran convencimiento, Tanto es así que si Florian contara alguna "mentirijilla" ( que no es el caso) habría que creérsela por su retórica apasionada.
 Florian, como verás yo también escribo lo que siento y sí he sido indiscreto espero me perdones. 
Concierto para clarinete y orquesta/Clarinete/Florian Popa/Orquesta RTV Bucarets



Entrevista Florian Popa.-II parte 

¿Qué opinas de la Música Contemporánea?

Simplemente necesaria. En primer lugar se entiende que la Música Contemporánea se asocia a la Música Atonal, opuesta a la Música Tonal. Por lo tanto es interesante saber que la Música Tonal es un lenguaje que cada uno puede entender sin haberlo aprendido. Es decir que la Música procede de nosotros, de una experiencia colectiva,
Y se asocia generalmente a la Música Tradicional.
La Música Contemporánea (Atonal) no es objeto de una experiencia colectiva. Por lo tanto tiene sentido en la celebración de conciertos destinados a los que tienen un interés particular por esta música. La Música considerada Politonal se capta con dificultad por el oyente.
Los iniciadores y exponentes de la Música Contemporánea fueron Arnold Schönberg y Anton Webern.
Como solista de orquesta y líder de Musica Nova he tocado muchas obras de Música Contemporánea.
Las artes en general y en nuestro caso la música tienen el mismo origen, el pensamiento trascendental igual a creatividad e igual a inspiración. La finalidad de la música es transmitir un mensaje cargado de emociones y sentimientos, en otras palabras la música se tiene que disfrutar. Muchas de las obras contemporáneas no transmiten nada, son aburridas o crean malas sensaciones.
Personalmente asistí a un concierto en Zúrich dónde la obra me produjo náuseas y no solo a mí.
También he tocado en Los Angeles una obra que creaba la misma sensación. A veces, he tenido que tocar obras contemporáneas de gran dificultad técnica y al mismo tiempo difíciles de escuchar por el público. Muchas veces, he tocado obras contemporáneas de gran calidad. En mi opinión las obras de gran complicación temática y técnica, son menos apreciadas por el público.
¿Del repertorio universal cuáles son tus compositores preferidos?

El músico, como decodificador de una partitura, se hace vidente de una larga, inmensa y razonada regulación de todos los sentidos en relación con la obra y con el compositor. El compositor imagina la música y el intérprete la recrea por lo tanto hay una relación directa. Como profesional tengo que reconocer que prefiero las obras tradicionales. Me gustan la mayoría. Para mí Mozart, último clásico, genio entre los genios es el compositor con más talento y facilidad de la Historia de la Música.
¿Qué opinas de los directores de orquesta? ¿Tienes alguna clasificación?

Todas las preguntas que me haces son temas como para escribir varios libros.
Los directores de orquesta son: un 80% un mal necesario y un 20% imprescindibles.
Son una casta y se odian entre ellos pero se amparan unos a otros, tienen sueldos que no se justifican por comparación con los profesores de orquesta. Muchos de ellos son intérpretes fracasados, algunos, muy pocos, son grandes intérpretes que, prueban a ser directores de orquesta pero con poco éxito.
Clasificación: directores con talento y preparación, directores con talento sin preparación y directores sin talento y sin preparación. Estos últimos son los más  peligrosos por ser acomplejados y frustrados y además se transforman en dictadores. Incomprensiblemente algunos  de éstos son directores de moda, sin embargo, utilizan la mano izquierda para pasar las hojas de la partitura y la derecha les tiembla ostensiblemente. En mi opinión tienen éxito por el morbo que despiertan y por la incompetencia de los que les contratan.
En las críticas musicales, muchas veces leemos que la orquesta ha tocado bien o mal, los críticos se olvidan de que la orquesta es el instrumento y el director el intérprete por lo tanto el último responsable.
Para mí, sin duda, el mejor director de orquesta ha sido Sergiu Celibidache.
Hablando de orquestas, la clasificación está en función del presupuesto, algo parecido al funcionamiento de los grandes equipos de fútbol, en las orquestas, el director artístico es fundamental, igual que el entrenador en un equipo de fútbol.

¿Qué me puedes decir sobre la evolución de la profesión de clarinetista?

Tengo una visión de unos cincuenta años atrás, mi padre también fue clarinetista solista de orquesta y conozco este mundo. Hace cincuenta años la élite de nuestro gremio eran unos cincuenta o sesenta clarinetistas a nivel mundial que se dedicaban a la profesión con respeto a los valores morales.
Hoy en día la élite suma más de mil clarinetistas. Sin embargo muchos de ellos se han olvidado de los valores morales y se dedican a su promoción personal a cualquier precio. Sobre todo se venden a determinadas marcas que compiten por el mercado.

La última pregunta .Algunos de los lectores de mi blog me piden que hables sobre los accesorios Florian Popa.
¿Qué puedes comentar al respecto?

Lo que puedo decir es que no me gusta hablar de las excelencias de mis accesorios, que lo hagan los usuarios.
Sin embargo puedo hablar de las razones que me han llevado a ser inventor y fabricante además de clarinetista profesional.
En primer lugar el amor hacia mi profesión. Mi obsesión por el sonido, el timbre y la flexibilidad. Los conocimientos adquiridos en mis investigaciones científicas a lo largo de treinta años. La experiencia. Los accesorios que he ideado no son una casualidad. Como prueba de lo novedoso y la viabilidad de mis inventos es que, nada más ponerlos en el mercado, han sido copiados por otros fabricantes. Además no se olviden que soy el único profesional en activo en el mundo, que investiga y fabrica accesorios para su propio instrumento.
Espero que mis opiniones sirvan de reflexión para mis compañeros de profesión, aunque a veces resulten muy tajantes. Están hechas desde la honestidad y experiencia profesional que es un grado. No nos olvidemos que nuestra profesión es la única que se aprende como hace trescientos años y tiene como base la tradición.




 


miércoles, 31 de mayo de 2017

Ebb - for bass clarinet and bassoon, by David Bennett Thomas

Bellísimo dúo para clarinete bajo y fagot, de David Bennett Thomas. Lo he escuchado varias veces, y siempre la última vez me ha gustado más que la anterior. Qué bien suenan estos dos instrumentos tocando a dúo.Dos instrumentos graves, con un registro amplisímo que sólo el cambio el timbre de sus sonidos, los distingue, porque por lo demás son cómo "hermanos". Espero que os guste. 
Feliz día
.  

 La música de David Bennett Thomas ha-sido llamada "tiempo de acoplamiento inmediato meticulosamente estructurado ... ... lúdica, emotiva, técnicamente deslumbrante, y comunicativa de forma aguda" (Philadelphia Music Makers);
 "Convincente en ambos niveles estructurales y emocionales ... Esa música habla sin pretensiones" (la fuente clásica); y "concisa y comprensible, a pesar de que no habla hasta el oyente o suscribirse a cualquier ismos ... esto es un trato con una voz individual" (American Record Guide).  
Ha escrito en muchos tipos, incluyendo obras para coro, voz solista, orquesta, grupos de cámara, piano y conjuntos de jazz.
En los últimos años, las obras-han-sido Thomas actuado por toda América, así como en Europa, Israel, América del Sur, y China por grupos como los cantantes de Gregg Smith, Artes Sociedad Coral de Filadelfia, rarescale, los cantantes de Nueva York agudos Relache desnudo Voces SCAW, Melomanie, Salt Lake Coral Artistas, Essex Cámara reproductores de música, el Mark Morris Dance Group Conjunto de Música, Chicago Coral Artistas, Dolce Suono, la Sociedad Orquesta de Filadelfia, y el canto de la ciudad. -Solistas que han

lunes, 29 de mayo de 2017

¿Cómo elaborar un Trabajo Fin de Máster o una Tesis Doctoral sobre música?

Vicente Pastor García. Titulado Superior de Música, especialidad Clarinete, por el Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia y Doctor en Música cum laude por la Universidad Politécnica de Valencia. 
 Profesor Numerario de Clarinete del cuerpo de Profesores de Música y Artes Escénicas desde 1993. Como docente, he trabajado como Profesor de Clarinete en varios Conservatorios Elementales y Profesionales de la red pública, y como Profesor de Organología y Acústica, en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia desde el curso 2006/07. 
He sido Director del Conservatorio Elemental de Música de Olula del Río (Almería) durante cinco cursos académicos y Jefe de Estudios del Conservatorio Elemental de Baeza (Jaén) durante un curso académico, estando acreditado para la función directiva por la administración educativa.
 En mi faceta como intérprete, he ofrecido varios recitales como miembro de diversas formaciones de cámara y ha publicado un disco compacto con el Cuarteto de Clarinetes Vert.
 Mis intereses de investigación incluyen la acústica y el desarrollo histórico de los instrumentos de viento-madera, especialmente del clarinete. 
He recibido dos becas postdoctorales de la Conselleria de Educaciò, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana para estudiar el desarrollo histórico y acústico del clarinete en las Universidad de Oxford y la Juilliard School de New York, y he completado el estudio con estancias en la Universidad de Edimburgo y el Royal College of Music de Londres. 
 Soy autor de varias publicaciones en revistas nacionales especializadas sobre la acústica y organología del clarinete, así como de los instrumentos musicales en general. Asimismo, he publicado un método para el Grado elemental de clarinete en cuatro volúmenes, un libro de ejercicios técnicos para el clarinete, un libro sobre la acústica y organología del clarinete y un libro didáctico-científico sobre Acústica Musical para los Estudios Superiores de Música. 
 Además, imparto periódicamente cursos y conferencias sobre la acústica y organología de los instrumentos musicales en diversos foros e instituciones educativas. 
 He participado activamente en el proceso de adaptación de las Enseñanzas Artísticas Superiores al Espacio Europeo de Educación Superior con la elaboración del curriculo de los Estudios Superiores de Música en el Ministerio de Educación y la coordinación a nivel autonómico. 
También he participado como ponente y coordinador en varios Seminarios, Jornadas y Congresos sobre estas enseñanzas y su adaptación al nuevo contexto europeo, y ha publicado varios artículos sobre las Enseñanzas Artísticas Superiore. Asimismo, he trabajado como Asesor Técnico Docente durante varios cursos en el Instituto Superior de Enseñanzas Artísticas de la Comunidad Valenciana (ISEACV) dependiente de la Conselleria de Educaciò, Cultura i Esport. 
He trabajado como Profesor de Tecnología y Acústica, Coordinador del Máster Oficial de Interpretación Musical e Investigación performativa y Jefe de Estudios en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia desde el curso 2010/11 hasta el curso 2015/16. Actualmente soy Profesor de Clarinete y Coordinador de las TIC en el Conservatorio Profesional de Música de Torrent, además de colaborar como Profesor y Tutor de Trabajos Fin de Máster en el Master de Música y como Director de varias tesis doctorales en el Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación, de la Universidad Politécnica de Valencia. 
Su página web.
¿Cómo elaborar un Trabajo Fin de Máster o una Tesis Doctoral sobre música?

Elaborar un trabajo de investigación constituye una labor compleja y ardua, aunque al mismo tiempo también resulta muy gratificante y satisfactoria. En especial, los músicos prácticos que quieren embarcarse en un proyecto de investigación deben tomar una decisión importante, ya que ello les va a requerir mucha dedicación que tendrán que deducirlo de su tiempo de estudio con su instrumento. Esta cuestión es clave para el músico, muy reacio a sacrificar horas de estudio con su instrumento para dedicarlo a labores menos gratificantes para él. Sustituir el instrumento por los libros y el ordenador no es algo que resulte atractivo para un músico. Además, hay otra cuestión que puede constituir un óbice para que el músico se decida a investigar: la investigación creativo-performativa no está todavía ampliamente aceptada por la comunidad científica en cuanto a sus métodos y criterios de evaluación o a la validez científica del conocimiento producido. Es necesario, en este sentido, diferenciar la práctica artística de lo que es la actividad investigadora, ya que la práctica artística en sí misma no constituye una investigación. Por esta razón, la investigación artística en música debe ser una actividad diferenciada de la práctica interpretativa, la creación y la docencia.
Los estudios de máster y doctorado donde se realiza el Trabajo Fin de Máster (TFM) y la Tesis Doctoral

domingo, 28 de mayo de 2017

En alguna ocasión ya he escrito que los cursos de verano que considere recomendables los publicaré. El profesorado de este II forum de Clarinete "Ciudad de lliria" es altamente recomendable.Me consta, que el ambiente fantástico.Tengo el placer de conocer personalmente y en algún caso, tener amistad con varios de los profesores que imparten el curso. No es por ello que lo recomiendo, sino por su gran profesionalidad y también por su cercanía y "buen rollo". 

Feliz día.- 
II FORUM DE CLARINETE “CIUDAD DE LLIRIA” May 4, 2017 / clarinetopics IMG_1530 
Nos llena de alegría el poder presentar el II Forum de Clarinete “Ciudad de Lliria”. El cual se va a celebrar en Lliria del 17 al 23 de Julio, 2017 en la sede de la Banda Primitiva. Los profesores que integrarán esta edición serán: .
 Miguel Espejo, Clarinete Solista de la Orquesta de RTVE. . 
Eduardo Raimundo, Clarinete Bajo de la Orquesta Nacional de España. . 
Miguel Civera (Saldua), Requinto Solista de la Banda Municipal de Madrid. .
Jose Miguel Martinez, Clarinete Solista de la Banda Municipal de València. . Jose Franch-Ballester, Solista Internacional. Profesor de Clarinete en la “University of British Columbia” en Vancouver, Canada.
 Contando con los profesores invitados: . 
Tamás Massányi, Clarinete Solista de la Orquesta de la Comunidad Valenciana Palau de les Arts. .
 Rafael García, Profesor de Técnica Alexander. . 
Marisol Boullosa, Manager de Artistas 
Los alumnos tendrán un total de 4 clases activas , y podrán escoger hasta dos clases como máximo por profesor. (Si alguien estuviera interesado en poder tener clases adicionales se podrá arreglar con un incremento por clase añadida). IMG_1534
 A parte de las clases individuales contaremos con: . Concurso de Prueba de Orquesta, entre los alumnos del curso. A todos los alumnos interesados en participar se les entregará un listado de solos orquestales con anterioridad. Al ganador le será entregada una abrazadera ESTRO de Silverstein como premio. (Tiene un valor de 300 euros a precio de mercado). . 
Charlas diarias sobre temas relacionados con el clarinete que serán realizadas por los profesores del II Forum. .
 Clases colectivas de Técnica Alexander con el profesor Rafael García, el que también ofrecerá una conferencia basada en su último libro “Entrenamiento mental para músicos”. . 
Masterclass de repertorio orquestal a cargo de Tamás Massányi (Clarinete Solista de la Orquesta de la Comunidad Valenciana Palau de les Arts) .
 Clase de reparación de clarinetes. . Conferencias .
 Exposiciones a cargo de Pomarico y Atelier de Celia. 
Horarios: de 9:30 a 14h y de 16h a 20:30h (Sujetos a cambios) 
Las comidas se realizarán en el bar de la Banda Primitiva de Lliria. Nos darán un presupuesto en breve. Precio: Activo 350 euros (Los alumnos tendrán 4 clases , 2 con un profesor principal, i las otras dos con los otros profesores). Oyente: 70 euros 
Tamás Massányi, ofrecerá una masterclass de solos de orquesta, en la cual todos los alumnos que estén interesados en participar deberán abonar 50 euros extra. El precio no incluye comidas, alojamiento, …. IMG_1532 Si estuvieras interesado/a, le ruego que mande esta info lo antes posible, para así poder reservar plazas lo antes posible
:II FORUM DE CLARINETE CIUDAD DE LLIRIA HOJA DE INSCRIPCIÓN: Enviar al siguiente email los siguientes datos para completar la inscripción en un plazo de tres días: 
forumclarinetelliria@gmail.com 
Nombre: Apellidos: Edad: Curso realizado: Dirección postal: Teléfono: Email: Poner el numero de clases (máximo dos por profesor, cuatro en total) al lado del nombre de los profesores que os interese recibir clases. _ José Miguel Martínez _ Miguel Espejo _ Jose Franch-Ballester _ Euardo Raimundo _ Miguel Civera _ Master class con Tamás Massányi (Solos de orquesta) 50 euros adicionales. (Plazas limitadas)  
La organización no se hace responsable del alojamiento y manutención de los alumnos. Pero si os podemos facilitar nombre y direcciones de hostales en Lliria y a alrededores donde os podríais hospedar.
 Hostal Les Reixes Carrer del Pla de l´Arc, 77 46160 Lliria 962 78 07 87 
Pensión Asador Siglo XXI Calle 
Nuestra Señora de Montiel 34 46160 Lliria 625 51 67 57 649 31 45 38
 Rioja Hotel Av Virgen del Fundamento, 37 46181 Benisano 962 79 21 58

viernes, 26 de mayo de 2017

Zdeněk Fibich Quintet for Piano Clarinet Horn Violin and Cello in D major Op.42

Fibich, Zdenek (1850-1900). Compositor checo nacido el 21 de diciembre de 1850 y fallecido el 15 de octubre de 1900. Está considerado después de Smetana de Dvorák el más importante compositor de la segunda mitad del siglo XIX. Estudió en Viena y Praga, fue discípulo de Smetana (1865-1866) y luego ingresó en el Conservatorio de Leipzig. En 1868 y 1869 residió en París, donde dio conciertos, y a partir de 1871 se estableció en Praga, ciudad en la que fue director de orquesta, director de coros y consejero artístico del Teatro Nacional, aunque no figuró oficialmente en el cargo. Tras un tiempo dedicado a la dirección, a partir de 1881 se concentró exclusivamente a la composición. Su música gozó de una alta consideración, particularmente en Checoslovaquia, aunque actualmente su obra se escucha con menos frecuencia que durante su carrera. A lo largo de sus 49 años de vida, compuso un gran número de obras, con mayores logros en la música sinfónica y para la escena. Es considerado el compositor checo más próximo al lenguaje musical de Wagner. Gran parte de sus obras de juventud, entre ellas tres óperas, han desaparecido. Al revisar su obra, encontramos que el propio Fibich destruyó cerca de 120 composiciones. En 1863 creó la ópera Medea (desaparecida) y dos años después La Primavera para piano. Fue partidario de Smetana, pero en sus primeros poemas sinfónicos, escritos entre 1873 y 1875, encontró un acento nacional próximo a la balada. Aunque pudo haber respondido menos a los impulsos nacionalistas que a la necesidad de expresión, fue el primero en escribir un poema inspirado en el folklore checo (Záboj, Slavoj, a Ludek) y en incorporar una danza nacional (la polka) en una pieza puramente instrumental (Cuarteto de cuerda en la). Compuso las óperas La tempestad (1894) según Shakespeare, Hady (1895), La novia de Messine y La caída de Arkona (1848). Fuente;http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=fibich-zdenek 1. Allegro non 1. Allegro non tanto
2. Largo 
3. Scherzo con fuoco 
4. Finale. Allegro con spirito 
Intérpretes.- Marian Lapšanský Piano 
Ludmila Peterkova Clarinet 
Vladimira Klánská French Horn 
Jiří Panocha Violin 
Jaroslav Kulhan Violoncello 
Feliz día

lunes, 22 de mayo de 2017

Orquesta Nacional de Francia, oposiciones.

La Orquesta Nacional de Francia, convoca una plaza de clarinete segundo si b, y clarinete bajo solista.

Os dejo el link para que podáis acceder a la página y leer la convocatoria.

http://maisondelaradio.fr/page/concours-de-recrutement-recrutement-auditions

Feliz día.

domingo, 21 de mayo de 2017

Orchestral Clarinet solos by Laura Magistrelli

Sin duda el poder escuchar solos de clarinete, que algún día tengáis que preparar para oposiciones, o para exámenes es algo muy recomendable.Es mucho mejor escuchar la obra completa, pero escuchar los solos recopilados es también un ahorro de tiempo,sólo en algunos casos. La encargada de tocarlos es Laura Magistrelli, de quien os dejo un pequeño CV.Sin duda una clarinetista de la cual se puede tomar ejemplo en la interpretación, por su calidad. Feliz día. 
 Repertorio: A.Salieri: Falstaff
 L. van Beethoven: Symphony N° 4 (4:06)
 F. Schubert: Symphony N° 8 "Unfinished" (6:12)
 F. Mendelssohn-Bartholdy: Symphony N° 3 "Scottish" (7:36) 
P. I. Tchaikovsky: Orchestral Suite No. 4 ''Mozartiana'' (9:16)
 N. Rimsky-Korsakov: Spanish Capriccio, op. 34 (11:18) 
N. Rimsky-Korsakov. Sheherazade, op. 35 (13:36) Z.
 Kodály: Dances of Galánta (14:35) 
S. Rachmaninov: Piano concerto N° 2 (17:58)
 M. Mussorgsky: Night On Bald Mountain (19:20) 
G. Puccini: Tosca "e lucevan le stelle" (20:15)
 D. Sostakovic: Symphony N° 3 (21:49) 
S. Prokoviev: Peter and the Wolf (25:00)
LAURA MAGISTRELLI. 
Estudió en el Conservatorio G. Verdi de Milán con P. Borali y continuó su formación con K. Leister,y Dieter Klocker.  
 Ganó, al principio de su carrera, las audiciones para la Orquesta Juvenil Italiana, la Orchestre des Jeunes de la Méditerranée y de la Gustav Mahler J. O. con las que realizadó giras  por  Francia, Alemania, Austria, Italia, Países Bajos, Turquía, Grecia, Yugoslavia, Checoslovaquia, Dinamarca, España.
 Se ha desempeñado como primer clarinete con varias orquestas: Las Tardes Musicales de Milán, Orquesta Haydn de Bolzano y Trento, RAI Orquesta de Milán, Milano Classica, Orquesta del Festival de Brescia y Bérgamo, Bérgamo estable, orquesta sinfónica de Sicilia, Orquesta de la Teatro Lirico di Cagliari y el Teatro Carlo Felice de Génova.  
Ha tocado bajo la dirección de directores distinguidos como: Abbado, Chailly,  Luisi, Bacalov.
 Se ha presentado como solista de música de cámara colaborando con los Moscow Soloists, tocando en Italia, Francia, Alemania, Bélgica, Marruecos y Kenia por la Embajada de Italia en Nairobi.  
Ha grabado varios CDs de Bayer Records, Pongo Classica, Chandos, I.C.A, clarinete clásico, Centaur,


No se puede  insertar el vídeo porque está deshabilitada dicha función. Clicar AQUI  y podréis escucharlo en Youtube. Lo siento.

sábado, 20 de mayo de 2017

E.Cavallini - LA BACANA for 2 clarinets and strings - S.Zelnick, A.Fraioli, Leonardo Ensemble



 Intérpretes:
 Stephanie Zelnick Antonio Fraioli, clarinetes
 Leonardo Ensemble
 Publicado Accademia Italiana del Clarinetto http://www.accademiaitalianaclarinett...
Feliz día.

jueves, 18 de mayo de 2017

Quinteto para piano y viento (Mozart)

El Quinteto de viento con piano en mi bemol mayor, K. 452, fue completado por Wolfgang Amadeus Mozart el 30 de marzo de 1784 y estrenado dos días más tarde en el Teatro Nacional Real e Imperial de la Corte, en Viena.1 Poco tiempo después del estreno, Mozart escribió a su padre: «Yo mismo lo considero lo mejor que he escrito en mi vida». 
Este quinteto está escrito para piano, oboe, clarinete, trompa y fagot, y consta de tres movimientos: 
1-Largo - Allegro moderato 
2-Larghetto 
3-Allegretto 
Esta estructura es muy similar a la de la sonata. El primer movimiento es un ágil Allegro en forma sonata, con temas que pasan de un instrumento a otro, siendo con frecuencia el piano el que introduce el tema y, seguidamente, acompaña al oboe, clarinete, trompa y fagot mientras que estos interpretan variaciones de dicho tema. El movimiento Larghetto presenta unos rasgos cartacterísticos de los segundos movimientos mozartianos: suave y ligero, a la par que atractivo y agradable. Pos su parte, el movimiento Allegretto está escrito en forma rondó-sonata en la línea en la que Mozart escribía los últimos movimientos de muchos de los conciertos para piano que estaba escribiendo en este periodo, y contiene una sección de carácter similar a una cadenza hacia el final, escrita probablemente aparte de la pieza. Esta obra inspiró el Quinteto de viento con piano, Op. 16 de Ludwig van Beethoven, quien lo compuso como tributo a Mozart en 1796. Ambas composiciones emplean la misma instrumentación. Intérpretes.- Piano, Júlia Martínez
Oboe, Bruno Lucas
Clarinet, Sílvia Insa
 Fagot, Josep Tatay
Trompa, J. Francisco Fortea

Feliz día

martes, 16 de mayo de 2017

¿Por qué la francesa Nadia Boulanger es considerada "la mejor maestra de música de todos los tiempos"?

El estar buscando durante un buen rato todos los días, alguna entrada interesante para el blog, me llevó igual que la entrada anterior, a encontrar una reportaje interesane , ameno y creo que muy pedagógico. Una mujer considerada "la mejor maestra de música de todos los tiempos" que yo no conocía (imposible abarcar tantos temas y tan diversos) y que me ha hecho pasar un buen ratoleyendo sobre ella, además de buscar música compuesta por Nadia, y por supuesto escucharla. Del periódico BBC Mundo, copio y pego el interesante artículo, dejándoos al final Tres piezas para Violonchelo y Piano compuestas por Nadia que son excelentes. Espero os interese la publicación. Feliz día

"El maestro más influyente desde Sócrates". Así describe a Nadia Boulanger uno de los principales compositores contemporáneos.
Por muy improbable que parezca, esta dama de apariencia modesta, con ancestros rumano, ruso y francés, quien nació en 1887 y vivió hasta la edad de 92 años, terminó, de hecho, ayudando a crear el sonido del mundo moderno.
Su lista de estudiantes de música se lee como el Salón de la Fama del siglo XX. Leonard Bernstein. Aaron Copland. Quincy Jones. Astor Piazzolla. Philip Glass. John Eliot Gardiner. Daniel Barenboim. Elliott Carter.
Todos estos gigantes de la música, tan diferentes pero tan innovadores en sus modos de hacer, estudiaron con Boulanger.
Ella les proporcionó una base rigurosa en el análisis musical académico, pero de alguna manera le permitió a cada uno encontrar su propio lenguaje distintivo: tal vez la definición misma de lo que hace un gran maestro.
No es exagerado, pues, considerar a Boulanger como la pedagoga musical más importante de la era moderna, o incluso de cualquier otra época.

Aunque su base de enseñanza estaba en el apartamento de la familia en 36 Rue Ballu, en el noveno distrito de París, también enseñó en Estados Unidos y el Reino Unido, y trabajó con los principales conservatorios, incluyendo Juilliard School, Yehudi Menuhin School, Royal College of Music y Royal Academy of Music.
Con tal contribución, también podría ser descrita como la mujer más importante en la historia de la música clásica.

Rompiendo barreras.

No es que ella apreciara la atención particular a su sexo. Ser mujer no significó, para Boulanger, ninguna barrera aparente para alcanzar sus metas.

Además de su notable carrera docente, se convirtió en la primera mujer en dirigir muchas de las principales orquestas sinfónicas estadounidenses y europeas, entre ellas la BBC Symphony, la Boston Symphony, la Hallé Orchestra y la Filarmónica de Nueva York.
Boulanger fue también mentora de Igor Stravinsky y una ferviente promotora de su música cuando la mayor parte del mundo musical dudaba de su genio. También fue responsable del estreno de una serie de innovadoras composiciones mundiales.

Figura oculta

Pero sé honesto: ¿has oído hablar de ella alguna vez?
El nombre de Boulanger sigue siendo ampliamente desconocido fuera de los círculos de élite de la música clásica, a pesar del impacto asombroso que tuvo en la banda sonora de todas nuestras vidas, no solo en el mundo clásico, sino también en el jazz, el tango, el funk y el hip-hop.
Es francamente inimaginable que un hombre con un grado similar de influencia sobre la música del siglo XX hubiera sido tan ignorado.
Sin embargo, Boulanger no era nada tímida.
Al decir de todos, era una mujer feroz, intransigente y contundente: carismática, leal y apasionada, pero también difícil y complicada.
Se moría de envidia por su joven hermana Lili, compositora genial que, a los 19 años, había sido la primera mujer en ganar el prestigioso Prix de Roma, pero a los 24 murió de tuberculosis intestinal (ahora conocida como enfermedad de Crohn).
Nadia, al igual que Lili, también había entrado en el Conservatorio de París para estudiar composición a la tierna edad de 10 años, pero nunca recibió mucha aclamación como compositora.
Después de la muerte de Lili, en lugar de permitir que el nombre de su talentosa hermana se desvaneciera, como suele ser el comportamiento de muchos hermanos celosos, ella convirtió la promoción y defensa incesantes del genio musical de Lili en una misión de su vida y su carrera, programando sus obras junto a un repertorio más canónico hasta el final de su trayectoria profesional.

Aterradora y asombrosa

Es un poco difícil dar el salto imaginativo de los salones de París de principios del siglo XX a los ritmos de discoteca de Quincy Jones, productor predilecto de muchos artistas populares, desde Frank Sinatra a Aretha Franklin y Michael Jackson.
Pero en el BBC Proms del pasado año, Q, como se conoce a Quincy Jones, me dijo con toda seriedad que debía todo lo que era como músico a su temprana instrucción, en la década de 1950 en París, bajo Nadia Boulanger.
Me divierte imaginar lo que Boulanger -quien murió en 1979- habría hecho, por ejemplo, con Thriller, que Jones produjo para Jackson tres años después y que sigue siendo el álbum más vendido de todos los tiempos, con más de 65 millones de copias.
Q me dijo que Boulanger tenía una manera singular de alentar y provocar la voz propia de cada estudiante, incluso si ellos no estaban aún conscientes de lo que esa voz podría ser.
Para haber sido una pequeña anciana francesa de cabello canoso, también era -bromeó- aterradora.
"Ella solía decirme todo el tiempo: Quincy, su música nunca puede ser más, o menos, que lo que usted es como ser humano. A menos que tengas la experiencia de vida y tengas algo que decir de lo que hayas vivido, no tienes nada que contribuir en absoluto... Ella era fuerte. Realmente fuerte".
Debemos aclamar a la mujer que contribuyó tanto, con tan poca fanfarria, a la historia de la música de los siglos XX y XXI.
"Nadia Boulanger", dice Quincy Jones, "fue la mujer más asombrosa que he conocido en mi vida".

Nadia Boulanger: Trois pièces  


Intérpretes. 
Dora Kuzmin, Cello  Petra Gilming, piano